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“La creatividad nunca ha sido sensata.

¿Por qué habría de serlo?

¿Por qué tú deberías ser sensato?

A lo largo del tiempo, lo que un artista necesita es entusiasmo, no disciplina.”

(Julia Cameron)

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‘Una sonrisa significa mucho.

Enriquece a quien la recibe; sin empobrecer a quien la ofrece.

Dura un segundo pero su recuerdo, a veces, nunca se borra.’

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Y es que una sonrisa puede contener mil sensaciones y hacerlas sentir. Una sonrisa evoca muchas cosas pero tiene poderes mágicos. Porque es mágico arrancarla, interpretarla y contemplarla. Una sonrisa enriquece a quien la muestra y a quien la recibe. Cuando la naturalidad domine el mundo las sonrisas serán sus soldados. Porque con ellas se garantiza la felicidad, se muestra la calma y la satisfacción. Pero también muchas otras cosas.

Cuando vemos una sonrisa sincera nos transmite un sinfín de emociones. Sabemos que no sale por salir. Sale de dentro y merece la pena valorarla y degustarla. Para aquel que la contempla puede resultar sorprendente, por todo lo que representa, sobre todo si ha sido provocada por él/ella. En el mundo que vivimos no es tan fácil ver sonrisas. Y la sonrisa es contagiosa. Porque alegra. En el mundo actual hay carencia de sonrisas. Y de besos. Y de abrazos. Nos falta cariño y lo pedimos a voces. La frialdad se ha adueñado de nuestro entorno y una simple sonrisa lo cambia todo.

‘Sonríe aunque sólo sea una sonrisa triste,

porque más triste que la sonrisa triste,

es la tristeza de no saber sonreír.’

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La sonrisa no se estudia ni se aprende. Nace con nosotros. Y cada sonrisa es diferente. Porque cada sonrisa está provocada por unos estímulos diferentes, momentos diferentes, personas diferentes. Con una sonrisa abrimos nuestra alma, ofrecemos lo mejor de nosotros, bajamos la coraza y guardamos la espada. Con la sonrisa abrimos nuestra estima, ofrecemos bienvenida al extraño y satisfacemos a quienes la contemplan. La sonrisa tiene un poder especial. Convence y se necesita. Y cada día más. Hay personas que sonríen fácilmente, transmiten millones de ellas con una facilidad pasmosa. Otras, en cambio, tienen verdaderos problemas para mostrarlas. 

Por supuesto que existen muchas clases de sonrisas, incluidas las falsas. Pero las identificamos muy bien. Las separamos de las demás porque no nos interesan. No divierten, no atraen. La sonrisa debe ser natural. Salir de forma espontánea. Si se fuerza se estropea. La sonrisa cómplice invita a la unión. La sonrisa diplomática no merece atención. La cordialidad es un asunto diferente a la emoción propiamente dicha.

Muchas personas a nuestro alrededor regalan sonrisas a diario. Nos muestran su capacidad para contagiar, para expandirlas por donde haga falta. Su magia es evidente, pero su poder también. Alcanzamos poder con hechos pero también con gestos. Y cuando un gesto es tan natural y sale de dentro no podemos ignorarlo. Muy al contrario, somos capaces de valorarlo y dignificarlo. No infravaloremos el poder de esa sonrisa que mañana contemplaremos, que alguien nos prestará para que cambiemos nuestra cara, nuestro ánimo. No renunciemos a disfrutar de esa sonrisa que aparecerá tras una esquina, cuando menos lo imaginemos y que tanto nos emocionará. La sonrisa tiene poder y es más que evidente. No tratemos de enjaularlas dado que sería absurdo y además las necesitamos. El poder de una sonrisa nos enseñará el camino, tan sólo hay que seguirlo y contagiarse de todo su efecto positivo.

‘Empieza cada día con una sonrisa y mantenla todo el día.’
(W.C.Fields)
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“La timidez es la desconfianza del amor propio,

que deseando agradar teme no conseguirlo.”

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Nacemos desnudos, hasta aquí todo es naturalidad. Con el tiempo nos vamos apoderando de pudor, de timidez y de vergüenza. Solemos ver la desnudez como algo íntimo, algo que sólo un@s poc@s serán afortunados de poder contemplar y disfrutar. A la desnudez la tratamos un poco como un pequeño tesoro sin darnos cuenta de que tiene simplemente el valor que le queramos dar. El ser humano siempre la ha tratado como una forma de arte. Y eso argumentan muchos practicantes del nudismo. Que sea o no una expresión de arte puede ser discutible. El nudismo como forma natural y artística. Nada malo. Todo lo contrario. Si el cuerpo humano se ve como parte artística porqué se debería taparlo, cubrirlo o esconderlo. A lo mejor es más sencillo tratar el tema como algo personal que permite al que lo practica sentirse algo mejor y más libre.

Si nos adentramos en la historia del arte observaremos que en la misma Grecia antigua el cuerpo humano era el tema por excelencia en las representaciones artísticas, sujeto a cánones de belleza de la época. Tanto para los artistas de entonces como para la sociedad, el culto a esa forma de arte nudista representaba adorar cuerpos ‘perfectos’, establecidos bajo proporciones físicas idóneas. Se buscaba un ideal de cuerpo humano que quizá no existía o era minoritario, pero gracias a los desnudos se intentaba encontrar la perfección o acercarse a ella. En la actualidad, numerosos artistas siguen expresando su arte mediante la desnudez del cuerpo humano, ya sea individual o grupal. Ejemplo tenemos en todos los campos, ya sea en el cine, fotografía, pintura o dibujo. El nudismo atrae e inspira.

Lógicamente, no tiene nada que ver idealizar con la perfección de un cuerpo humano con la representación de arte. El arte en sí mismo es ambiguo, inclasificable, fuera de toda norma. Lo que para unos es arte para otros puede que no pase de ser obscenidad o excentricidad. No por ver nudismo contemplamos arte y es difícil defender la práctica del nudismo argumentando solamente esa razón. Casi es mejor abogar por la práctica de la naturalidad en el ser humano. Estar desnudos nos da un aire de libertad difícil de superar. Para algunos puede ser solamente estando solos, bajo el umbral de la intimidad, pero sin quitarle un ápice de su valor. Para otros, esa libertad puede ser ampliada hasta otros campos, ya sea al aire libre o rodeado de más personas.

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Aquí ya encontraríamos los prejuicios personales. Llamémosles mezcla de pudor, de vergüenza o de timidez. Complejos que se van uniendo hasta crear una capa compacta que no deja que traspase ni mirada indiscreta, ni unos ojos extraños y desconocidos. Con el pudor, el ser humano defiende su intimidad. La vergüenza puede darse por algún tipo de complejo personal. NO querer que alguien nos descubra por entero, por saber que no somos perfectos, que no somos el ideal. La timidez entra dentro del carácter y personalidad de cada individuo. Algo muy personal que afecta a su vida privada, pública y en sus relaciones personales. Según la psicología suele ser una pauta de comportamiento que limita el desarrollo social de quienes la experimentan en su vida cotidiana. No es ninguna enfermedad. Cada cual tiene su carácter. Hay que respetarlo. Por eso mismo hay que respetar a quien abre su mente y decide experimentar con su cuerpo. Sentir su desnudez como forma de vida. Dar libertad a su cuerpo. Ya sea tomando el sol, paseando o bañándose. Todos los comportamientos deben ser respetados y aceptados. Otra cosa será comprenderlos.

Pero el nudismo ha ido ganando adeptos con el paso de las décadas. Muchas personas deciden realizar actividades cotidianas completamente desnudos como algo natural. No se trata de reafirmarse. No se trata de decir al resto: !Estoy desnudo, mírame! Como tampoco se trata de acciones protagonizadas por personas provocativas o exhibicionistas. De hecho, sí exhiben su cuerpo, pero de una forma personal, sin querer llamar la atención. Y dentro de esa naturalidad radica su atractivo. Escandalizarse por estas acciones humanas puede quedar ya un poco obsoleto y fuera de lugar. La humanidad se une sin querer por unos lazos sociales, todos los componentes del planeta se ven inmersos en los mismos problemas, vicisitudes y necesidades cotidianas. Algunos tienen que estar desnudos debido a su pobreza, no tienen ni la opción de elegir. Otros, debido a su religión, cultura o sociedad nunca podrán manifestarse así si alguna vez lo desean puesto que irían en contra de las normas de conducta, con lo cual quedan atados a la hora de expresarse naturalmente, como seres humanos libres.

El nudismo puede ser una actividad pública o privada. Pero sea como sea, es una forma de expresión humana y natural. Que no muestra nada que no hayamos visto o dejado de ver anteriormente. La importancia que creemos acerca de esa expresión dependerá de nuestro grado de aceptación y tolerancia con quienes la practican. No se trata de estar de acuerdo o no. Es libertad de cada uno y es su derecho. Más le valdría al ser humano preocuparse por otros asuntos mucho menos humanos, intransigentes y que violan y amenazan la libertad de las personas. Todas esas actividades que generan la pérdida continua de derechos de las personas. Todos esos actos que coaccionan las acciones de millones de otras. Menos pensar en morbos y en retorcidas invenciones mentales, menos criticar acciones de libertad en lugar de meter mano al verdadero problema. En definitiva, menos hipocresía, menos normal morales.

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‘Este es un parque de entretenimiento.

Y el entretenimiento nada tiene que ver con la realidad.

El entretenimiento es la antítesis de la realidad’

(Michael Crichton)

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Todos hemos sido niños. Y la mayoría hemos tenido unos héroes que nos acompañaban. Podemos llamarlos héroes, pero también iconos, figuras, símbolos, personajes que rellenaban un lugar en nuestra mente y que, gracias a nuestra imaginación, eran capaces de transportarnos a otros lugares, a otros mundos. La gran parte elegíamos los protagonistas de algún cómic.  El cómic es esa serie de dibujos que constituyen un relato. Una forma de arte elaborada, con imaginación, estilo y capacidad de creación. Un mundo de ilustraciones  que describen lugares, historias, narraciones que pueden mostrar realidades alternativas. La historia del cómic ha evolucionado como todas las formas de diseño y de arte. Existen muchas clases de cómics y cada uno se siente atraído por alguno de sus conceptos.

Yo he de reconocer que nunca he sido un gran aficionado a los cómics, aunque como cualquier otro niño de mi época, engullí muchos de ellos. La mayoría de mis compañeros de escuela devoraban todos aquellos que tenían que ver con los superhéroes, esos que aparte de tener una mayor publicidad, llenaban sales de cine una vez que sus historias llegaban al séptimo arte. Eran cómics de masas. Y uno podía seguirlos sin tampoco demasiada devoción. Eran una atracción lejana simplemente. En cambio, otros muchos nos decantábamos por leer historias de personajes menos mediáticos, menos populares. Mi héroe de infancia fue un tipo llamado Tintín. Y recuerdo que cuando lo comentaba en el colegio ninguno de mis compañeros me acompañaba en el gusto. Me quedaba siempre en un segundo plano y un tanto en minoría.

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‘En los momentos de crisis,
sólo la imaginación es más importante que el conocimiento’
(Albert Einstein)
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No puedo explicar cómo comencé a leerlo. Puede ser que mi madre, una gran amante de la lectura, me regalara uno de sus ejemplares cuando cumplí pocos años y ya comenzaba a interesarme la lectura de todos los libros que llenaban sus estanterías. Supongo que ella decidió que comenzara a leer la historia de ese personaje, o quizá fue simple casualidad. Lo cierto es que se lo agradecí siempre. Puedo explicar todo lo que me llamó la atención de sus historias. Un tipo solitario, viajero empedernido, investigador, periodista, inquieto, que simplemente se acompañaba de su perro Milú. Lógicamente, sus ansias de descubrir me engancharon. Desde niño me produjo una sensación incomparable observar el mapa del mundo, imaginar todos los rincones del planeta, recorrer todos los lugares desconocidos, lejanos o no, comparar olores, sabores, colores y miradas.

Tintín me ofrecía una parte importante de todo eso. Sobre todo cuando tienes tan pocos años. La única forma de vivir todas esas historias en todos esos países era gracias a sus ejemplares que, con cuentagotas iban llegando hasta mi particular mundo, ya fuera gracias a un cumpleaños o a unos reyes magos. La colección aumentaba lentamente pero la relectura de todos ellos todavía sabía mejor. Porque en cada nueva descubría nuevos detalles que se me habían escapado de la vez anterior. Me fijaba en las ropas, en los decorados, en las casas, en la ambientación. Un mundo en cada historia. Una historia en cada toma.

La historia de Tintín apareció por primera vez en un suplemento infantil del diario belga Le Vingtième Siècle en enero de 1929. Y desde esa primera entrega, su perro Milú estaba a su lado. En un principio era un reportero de dicho diario, aunque más adelante ya continuó como reportero independiente a pesar de que nunca se sabría para qué periódico o publicación trabajaba. Con el paso de los volúmenes se vio acompañado de otros personajes, como el capitán Haddock, el profesor Tornasol, la diva Bianca Castafiore o los policías Hernández y Fernández. Parece que su lugar de residencia era Bruselas, aunque todo es un tanto complicado de confirmar.

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El creador del personaje fue Georges Prosper Remi, un historietista belga nacido en mayo de 1907, conocido en el mundo artístico por su seudónimo Hergé (el sonido en francés de sus iniciales al revés R.G.) El éxito de ‘Las aventuras de Tintín’ todavía sigue vigente, sobre todo en Europa. La primera aventura tuvo como país protagonista a la Unión Soviética, donde se enfrentaba a los bolcheviques. El éxito de la publicación le animó a seguir con las aventuras del reportero. La segunda fue ‘Tintín en el Congo’ en 1930. En 1932 se publicó ‘Tintín en América’. Los títulos se sucedieron: ‘Los cigarros del faraón’,El loto azul’ o ‘Tintín en el país del oro negro’. En 1939, su diario cerró y fichó por Le Soir, un medio tratado como filonazi. Su primera publicación ahí fue ‘El cangrejo de las pinzas de oro’ y le siguieron cinco más, todas con temas un tanto diversos debido a estar inmerso en plena guerra mundial.

En 1943, conoció a Edgar Jacobs, a quien contrató para que le ayudara en la revisión de sus primeros álbumes de Tintín. Su contribución más importante fue el rediseño de los vestuarios y los paisajes. Su primera colaboración con Hergé fue con ‘Las siete bolas de cristal’. Tintín era un personaje muy peculiar. Rubio, joven, de mediana altura, solitario y con un característico tupé. Nunca se supo su edad, porque era adulto pero no demasiado, aunque tampoco adolescente. Y con el paso de los años nunca cambió de aspecto. Durante los casi 50 años en los que Hergé trató al personaje continuó apareciendo igual. Tan sólo cambiaban sus ropas o su calzado, dependiendo de donde se encontrara. Un personaje muy ético, donde nunca se le vio bebiendo, ni fumando, preocupado por su entorno, bondadoso, sin aficiones importantes aparte de viajar y de indagar, inteligente, enigmático, ingenioso, más fuerte físicamente de lo que aparenta, con una increíble facilidad para los idiomas y para adaptarse a todas las circunstancias, sensible ante las injusticias y capaz de socorrer a todo aquel que lo necesite. La serie completa de ‘Las aventuras de Tintín’ contaba 24 fascículos.

Con el paso de los años, la obra de Hergé aumentó tanto en ventas como en admiración y consolidación. A pesar de las muchas críticas y sospechas sobre su idealismo fascista, la obra del autor belga quedó ahí. Tintín es el ejemplo de una generación infantil que creció fuera de internet, sin más posibilidad de búsqueda de datos que los que la biblioteca de cada lugar pudiera almacenar. Sorprendió a todos con una visión diferente de manos de un joven reportero inquieto y audaz, capaz de moverse por todos los rincones del planeta con una gran naturalidad, respetando las culturas, los pueblos y las tradiciones. Tintín me acompañó en toda esa infancia. Era, por así decirlo, un compañero de viaje imaginario. Y con el paso del tiempo fui descubriendo que había muchos aficionados a su lectura como yo. Muchos más de los que yo imaginé. Hoy en día, Tintín se ha convertido en un personaje de culto. Pero para mí siempre será una parte de mi infancia. De hecho, en muchos de mis viajes recuerdos sus historias. Y una parte de él me acompaña todavía.

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‘La imaginación sirve para viajar y cuesta menos’
(George William Curtis)
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“Tienes que pedirte más a ti mismo.

Tienes que empezar a buscar fotografías que nadie más pueda hacer.

Tienes que coger tus herramientas e ir más allá.”

(William Albert Allard)

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Judy Dater nació en Hollywood (California, EEUU) en 1941  y se crió en Los Ángeles. Gracias a que su padre era dueño de una sala de cine, las películas representaron su primer acercamiento hacia las imágenes. Descubrió así otro mundo y la fotografía comenzó a ser una necesidad en su vida. Estudio arte en la Universidad de Los Ángeles (UCLA) aunque acabó la carrera en la Universidad Estatal de San Francisco tras su mudanza. Y fue allí donde comenzó a estudiar fotografía junto a Jack Welpott, con el que se casaría más adelante. Su obra tuvo una gran influencia pero también su ideología con marcado carácter feminista.

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Pero si en alguien se inspiró Dater fue en la fotógrafa Imogen Cunningham. Nacida en 1883 en Portland, Oregón (EEUU), comenzó su trabajo con la fotografía en 1901 como estudiante en Washington. En 1910 abrió su propio estudio en Seatlle y comenzó a recibir elogios y reconocimiento por su trabajo en retratos y en trabajos pictoralistas. Hacía encargos para la alta sociedad debido a su alta popularidad dentro del panorama local. Se trasladaría más adelante a California. En 1932, junto a varios artistas, creó el Grupo f/64.

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La carrera de Dater ha sido larga y fructífera. Ha combinado varias facetas, entre la enseñanza, los libros, sus viajes, sus vídeos, talleres e impresiones y, cómo no, sus infatigables fotografías a lo largo de toda su vida. Compartía con Cunningham el interés por el retrato y fueron muy buenas amigas. Tres años después de su muerte Dater publicó el libró Imogen Cunningham: un retrato, un repertorio de entrevistas, fotografías, amigos y familiares, repleto de fotografías de las dos artistas. Una de las fotos más famosas de Dater era esa que tomó en los bosques del Parque Yosemite en 1974, donde aparece Cunnigham descubriendo a una ninfa de los bosques, protagonizada por la modelo Twinka Thiebaud. Esa fotografía se convirtió en el primer desnudo frontal publicado por la revista Life. El vello púbico seguía siendo tabú en la sociedad norteamericana. Y según Dater, esa fotografía era un homenaje a Cunningham.

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“Me he acostado con algunos de mis modelos,

pero siempre les hice fotos después del sexo,

nunca antes,

la fotografía no fue un camino para llevarlos a la cama”

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Para Dater la belleza es imperfecta e incompleta, pero la busca por todos los medios. Y en cada una de sus obras se puede apreciar esa búsqueda. Se refleja en sus fotografías el anhelo de la contemplación y el silencio. Una sexualidad femenina potencialmente protagonista. Pero un desnudo en blanco y negro bien estimulante, original, haciendo pensar al espectador. Una obra cargada de sensualidad, de poder de atracción.

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Se plasma su rechazo por la sonrisa fácil, deseando más bien unas miradas interrogativas, pensativas, melancólicas. Una oposición frontal contra lo establecido, contra lo que es normal. Una rebelde que utiliza la fotografía para protestar. Una naturalidad por encima de todo y una apuesta por la sexualidad ante todo. Una conjugación perfecta de espontaneidad, amor y sexo en dosis perfectas…


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“¿Qué sería la vida si no tuviéramos el valor de intentar cosas nuevas?” 

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El postimpresionismo es el término con el que se conoce a todos los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue la etapa posterior al impresionismo y de ahí su nombre. Roger Fry fue el que tuvo la idea del término con motivo de una exposición de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, celebrada en Londres en 1910. Y es que el término engloba diversos estilos personales y como una extensión del impresionismo mismo, como un claro rechazo a las limitaciones que contenía. Se seguían utilizando colores muy vivos, unas pinceladas muy distinguibles y temas muy reales, pero querían abarcar más emociones y más expresión en su pintura. Se trataba de reflejar fielmente a la naturaleza en todos sus aspectos y una visión más subjetiva del mismo mundo. Lógicamente, la base era el impresionismo, aunque supuso una auténtica revolución y muchos de sus artistas fueron muy criticados. Muchos de ellos, al ser rechazados, se unieron y organizaron sus propias exposiciones. El impresionismo había representado una ruptura de los conceptos más dominantes en la pintura y en la escultura. Se trataba de reflejar la esencia, el estímulo, la sensación por encima de todo. Los artistas salieron a la calle, querían paisajes, edificios, personas. Había que pintar allí donde la sensación se creaba.

“Desde luego que para el arte,

donde se tiene necesidad de tiempo,

no estaría mal vivir más de una vida”

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Vincent Willem Van Gogh nació en Zundert (Holanda) en marzo de 1853. Considerado uno de los principales artistas del postimpresionismo. Un artista que se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocando siempre sus emociones por encima de todo. Fue el preludio del expresionismo. Pintó casi mil cuadros y más de mil quinientos dibujos. La figura central de su vida fue su hermano menor Theo, el cual le prestó dinero durante toda su vida. Desde muy joven se inclinó por el dibujo y con sólo 26 años se hizo misionero en una región minera de Bélgica. Allí comenzó a dibujar a la gente de la comunidad. Su primera gran obra la pintó en 1885 ‘Los comedores de patatas’, y ahí todavía utilizaba tonos sombríos. No fue hasta más adelante cuando comenzó a usar la luz de los colores más vivos, cuando descubrió el sur de Francia, sobre todo en Arlés hacia 1888. Toda la calidad de su obra no fue reconocida hasta después de su muerte, y con el paso de las décadas ha quedado marcado como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. Su influencia fue básica en todo el siglo XX, tanto para expresionistas alemanes o franceses.

Los comedores de patatas, 1885. Óleo sobre lienzo, 82 x 114 cm. Fundación Vincent van Gogh-Museo Van Gogh, Amsterdam

“He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que,

bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato,

ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues,

el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente…”

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Desde muy joven tuvo un carácter difícil, con un fuerte temperamento. Empezó a trabajar muy joven (16 años) tras abandonar los estudios. Tuvo una época muy religiosa. Se entusiasmó con la lectura de la Biblia y en mayo de 1877 se trasladó a Amsterdam donde intentó hacerse teólogo. Desistió, más que nada porque fue rechazado al desconocer griego y latín, y también por su dificultad para hablar en público, pero también su falta de subordinación ayudó a ello. No se adaptaba a ningún orden y mucho menos a someterse a reglas o a jefes. Sobre 1880 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas donde estudió dibujo y perspectiva. Comenzó a pintar en óleo, a pintar paisajes, con trazos gruesos. Y también comenzó a sentir soledad. En diciembre de 1883 regresó a su casa paterna, en ese momento Nuenen. Le acondicionaron una habitación como taller y se dedicó a pintar a los tejedores rurales. Los telares se convirtieron en su centro artístico en esa época. Intentó demostrar la solidaridad y naturalidad de los trabajadores, representando la idea de una sociedad libre de la industrialización. Al morir su padre repentinamente en marzo de 1885 se creó un conflicto entre su madre y sus hermanas por su herencia, lo que provocó que se fuera de esa casa.

“Sueño con pintar y luego pinto mis sueños”

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En noviembre de 1885 llegó a Amberes y ocupó un pequeño taller. Todo el alquiler lo pagaba su hermano. Descubrió a Rubens, y su colorido le abrió las puertas a nuevas ideas. Un año después se mudó a París para vivir junto a su hermano. Y fue Theo quien le enseñó obras impresionistas que le ayudaron a ser todavía más luminoso. Fue un cambio radical en su obra a partir de entonces. Ya se codeó con los más importantes artistas franceses de la época: Bernard, Seurat, Gauguin, Cézanne, etc… Se puede resumir su etapa parisina como muy fértil a nivel artístico pero agotadora físicamente, donde la absenta y las salidas nocturnas fueron habituales. En febrero de 1888 llegó a Arlés, al sur de Francia. Allí pintó todo lo que vio. Pero se concentró en lo que le rodeaba, en los campos de trigo, en los pantanos del Ródano, en los paisajes que veía cada día. Utilizó pinceladas ondulantes, muchos verdes, amarillos y azules. Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de toda su vida, que le llevó a hacerse una herida de bala que acabaría con su vida con sólo 37 años.

“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores

que ser estrecho de mente y demasiado prudente”

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Alfred Hitchcock

Publicado: 24 de noviembre de 2013 en Cine
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Alfred Hitchcock

“Existe algo más importante que la lógica: la imaginación”

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Escribir sobre este genio del cine ya parece que no atrae. Y además se hace difícil. Se ha escrito mucho y quizá demasiado. Cuando uno es una figura indiscutible en su campo de actuación la recepción de críticas, elogios, artículos y demás casi casi se desordenan por su número. Lo curioso es que pasado mucho tiempo de su obra y de su figura sigue estando en boca de todos. Y eso es realmente impresionante. Alfred Hitchcock fue un innovador en el suspense, aplicando recursos que se sacaba de la manga en un cine que se aventuraba moderno. Sabía manejar al espectador a su manera. Sin que hubiera un momento de pausa, de distracción. Dominaba las técnicas como nadie. Se le conocía como el ‘Mago del suspense’ y era por algo. Y supo mezclar la calidad con la comercialización del producto. Algo poco habitual.

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“Si has sido educado en los jesuitas como yo lo fui, estos elementos tienen importancia.

Yo me sentía aterrorizado por la policía,

por los padres jesuitas,

por el castigo físico,

por un montón de cosas.

Éstas son las raíces de mi trabajo”

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La figura de su padre le marcó su carácter de forma especial. Un hombre criado en el East End londinense quien tenía la disciplina y el orden como sus prioridades. Y quizá el tema de la culpa, tan habitual en sus películas, proceda de esos años de infancia junto a su padre. También le marcaron sus años en escuelas católicas en el barrio de Poplar. Estudió Ingeniería y Dibujo en la sección de Bellas Artes mientras ayudaba al negocio familiar. De adolescente devoraba las películas de Chaplin, Keaton y Fairbanks. El cine mudo constituyó su mundo durante muchos años. La literatura fue otra de sus aficiones. A la muerte de su padre se vio obligado a vivir con su madre solo dado que los hermanos mayores ya no vivían allí. Y con sólo 21 años tuvo el valor de presentarse en los estudios de Famous Players Lasky con unos bocetos propios para decorados de películas mudas que había diseñado. Fue contratado como diseñador de rótulos y decorados y así comenzó su carrera en la industria del cine. Tres años más tarde le llegó la ocasión de codirigir un film menor.

“Dales placer, el mismo que consiguen cuando despiertan de una pesadilla”

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Pero a finales de 1927 dirigió la película muda ‘The ring‘ y se convirtió en uno de los directores más cotizados de Inglaterra. De ahí a la fama mundial sólo había un paso. Y lo consiguió. Las primeras películas sonoras que dirigió ya anunciaban lo buen director que era. Siempre estuvo preocupado por tener un estilo propio, un hilo narrativo especial, creando nuevas técnicas de montaje y en los movimientos de la cámara. Al igual que el uso de la luz. Era un dominador nato de la imagen. Y es en la década de los años 30 cuando comenzó a erigirse como uno de los grandes directores de todos los tiempos con títulos como ‘El hombre que sabía demasiado’ (1934), ‘39 Escalones’ (1935), ‘Agente secreto’ (1936) y ‘Sabotaje’ (1936).

“El público debe sufrir tanto como sea posible”

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Con el tiempo desarrolló sus artes, sobre todo su capacidad para realizar el suspense y la intriga. Y comenzó su etapa en Hollywood. La oferta del productor David Selznick no se podía dejar escapar. Su primera película fue ‘Rebeca‘ (1940). Con el tiempo se convertiría en unos de sus filmes más célebres. En 1943 realizó ‘La sombra de una duda’. Fue ese año cuando murió su madre, lo que le provocó una pequeña depresión, la cual le hizo adelgazar más de 40 kilos en unos meses. Pero la década de los 40 continuó alimentado su ingenio. Títulos como ‘Encadenados’ (1945), ‘El proceso Paradine‘ (1947) o ‘La soga’ (1948) son buenos ejemplos. Pero es en la década de los 50, cuando su nombre ya está en boca de todos y es admirado por la industria cinematográfica mundial cuando estrenó sus mejores películas. ‘Pánico en la escena‘ (1950), Extraños en un tren (1951), Yo confieso’ (1953), fueron sus primeros títulos. Pero a partir de ahí surgió una estrella en su firmamento particular: Grace Kelly. Con ella rodó ‘Crimen perfecto’ (1953), ‘La ventana indiscreta’ (1954) y ‘Atrapa a un ladrón’ (1955). Pero le sucedieron títulos inolvidables como ‘El hombre que sabía demasiado’ (1956), ‘Falso culpable’ (1957), ‘Vértigo‘ (1958), ‘Con la muerte en los talones’ (1959).

“Conseguir la realidad exige meterse dentro, hacer que el público se sienta.

Así se obtiene la verdadera realidad”

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Los años 60 trajeron nuevos títulos pero ya representaron su etapa final. En 1960 estrenó ‘Psicosis‘, quizá uno de sus éxitos más aclamados. Fue una de las primeras películas que abordaba el thriller psicológico, inédito hasta entonces. Los réditos que consiguió por esa película los pudo invertir en adquirir parte de la compañía Universal Pictures. Después vendrían ‘Los pájaros’ (1963), ‘Marnie, la ladrona‘ (1964), ‘Cortina rasgada’ (1966) y ‘Topaz’ (1969), éstas últimas muy ambientadas con el tema de moda entonces como era el de la Guerra Fría. En 1972 estrenó ‘Frenesí’ y en 1976 ‘La trama‘, la cual sería su última película. Para entonces, sufría artritis y su corazón ya estaba debilitado. Contaba setenta y seis años y sufrió un colapso, su alcoholismo nunca ayudó. En abril de 1980 murió pero su obra sigue viva y para siempre.

“Un buen drama es como la vida, pero sin las partes aburridas”

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