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Una de las bandas alternativas más aclamadas de los 90. La evolución de The Afghan Whigs ha sido constante desde sus inicios, aunque nunca perdió su esencia principal. Todo gira en torno a su cantante, guitarrista y compositor Greg Dulli, con una voz angustiada, letras plagadas de relaciones rotas y falta de autoestima. Sonido garage, R&B, post-punk, todo bien armado para crear sonidos envolventes. Junto a Dulli la forman el bajista John Curley, el guitarrista Rick McCollum y el batería Steve Earle. Dulli, quien se crió en Ohio, se fue a estudiar cine a la universidad de Cincinnati, y allí fue donde conoció a McCollm y Earle. El único que no fue a la universidad de Cincinnati fue Curley, que su paso por la ciudad se debió a sus inicios en el mundo de la fotografía. Su primer álbum apareció en 1988 ‘Big top Halloween’. A éste le siguieron ‘Up in it’ (1990), ‘Congregation’ (1992), ‘Gentlemen’ (1993), ‘What Jail is like’ (1994), ‘Black love’ (1996), ‘1965’ (1998). En febrero de 2001 la banda decide separarse oficialmente. Comenzaron después una gira que se extendió desde 2012 y 2013. Y fue a principios de 2014 cuando anunciaron que habían vuelto a grabar un nuevo disco de estudio, tras 16 años de ausencia: ‘Do to the beast’. Para entonces, sólo Dulli y Curley quedaban desde los inicios. Ahora les acompañaban el guitarrista Dave Rosser, el multi-instrumentista Marcos McGuire, el bajista Jon Skibic y el batería Cully Symington. A pesar de que su andadura en el mundo de los noventa no les otorgó una gran fama demuestran con este último disco que están a la altura y han creado un disco fantástico.

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‘ALGIERS’

THE AFGHAN WHIGS 

Álbum: DO TO THE BEAST (2014)

***

Flamed, the time when nearly changed
Still I was a slave, waiting to be saved
Dream, the body sleeps but I
Am not to proud to roll
On the back streets
So, so simple when you know
You’ll know this when it’s time to go

Strange, the sooner you leave behind
Lonely as you sold paradise
Scream, the body leaves the bone
To sit upon the throne
A better waits for life

Dream, dream your sins away
Sing your dreams away
Your holding back, still holding back Algier

Huh

Say you love me tonight
Save you love for me tonight
And I feel you now
I lie awake on the way of love
And I feel
But I

Heavenly demons outside my window
Sent here to see me outside this world
I call the shadow, you call the season
That’s all it takes, woo ooo

***

Afghan+Whigs

 


David August (Berlín, Alemania) es un joven músico que ya tocaba el piano desde niño. Desde entonces se ha movido entre las redes de la música, desde sonidos clásicos hasta la electrónica más avanzada. Con sólo veinte años publicó su primer EP, al que le siguieron varios más. En 2007 salió al mercado su primer álbum ‘Out of place’ y en 2013 su segundo largo ‘Times‘. Éste último es el que provocó su más que merecida fama, con una gran instrumentalización y el uso de sus propias voces. Y fue durante la grabación de ese disco que decidió dejar de pinchar y dedicarse únicamente a tocar en directo y a proseguir con sus estudios en la Universidad de las Artes de Berlín. Su último EP salido al mercado en 2014 ‘Epikur’ fue proclamado por la revista Billboard como una de las esperanzas más brillantes de la música house actual. No se le puede perder la pista. Su evolución puede ser tremenda.

‘EPIKUR’

DAVID AUGUST

(2014)

***

DA3


Spoon ya es una banda veterana que se formo a principios de los 90 con Britt Daniel (vocalista y guitarra) y Jim Eno (batería). Tras aparecer su primer EP en 1994, dos años después publicaron su primer álbum ‘Telephono’. Desde entonces no han parado de publicar discos, casi todos ellos con una gran crítica, convirtiéndolos en una banda de rock de primer nivel. Originarios de Austin (Texas), los dos creadores del grupo añadieron a Rob Pope (bajo) y Eric Harvey (teclado, guitarra y percusión) en la aventura. Sus características se basan en melodías muy fáciles de tararear, con aspectos lúcidos, inspiradas en su reminiscencia folk-rock-pop norteamericana, pero sobre todo muy instrumental. Sus canciones son frescas, un tanto arriesgadas pero muy creativas. No les han faltado comparaciones durante toda su trayectoria. Algunos los han comparado a Pixies o Sonic Youth. Para los que hemos seguido con entusiasmo su carrera no han dejado de ilusionar. Disco a disco han sabido captar seguidores y fieles que esperan ansiosos la salida del nuevo álbum. Su último disco ‘They want my soul’ ha sido un éxito desde su publicación. Aclamados ya como uno de los referentes mundiales en cuanto a rock alternativo. Varios de sus discos han entrado en las listas más prestigiosas, como por ejemplo ‘Ga Ga Ga Ga Ga’ (2007). No defraudan nunca y los dos años que han pasado desde su última aparición se han hecho largos.

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‘OUTLIER’

SPOON

Álbum: THEY WANT MY SOUL (2014)

***

“Outlier”

You were smart, you no played no part
You just taught what you thought, yeahAnd I remember when you walked out of Garden State
‘Cause you had taste, you had taste
You had no time to waste

Oh, what happened to you kid?
Yes and oh, what’s happening now?

On and on, and on and on
You never played us wrong, or stayed too long

Oh, what happened to you kid?
Yes and oh, what’s happening now?

***
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Conocido en el mundo musical como Johnny Marr, John Martin Maher nació en Manchester, Reino Unido, en octubre de 1963. Es compositor, guitarrista, teclista y cantante. Su fama la alcanzó en los 80 al crear una banda pop junto a Morrissey denominada The Smiths. Y como todo se acabó. A partir de ahí comenzó un trabajo de colaboraciones con distintas bandas, tocando la guitarra para el grupo The The, apoyando la creación de Electronic junto a Bernard Sumner de New Order. Se reinventó en productor musical, grabando junto a Bryan Ferry, The Pretenders, Simple Minds, Talking Heads, Oasis o Pet Shop Boys, entre otros muchos. En el año 2000 creó la banda Johnny Marr and The Healers, aunque su primer álbum tardaría unos años en aparecer con el título de Boomslang. Ahí comenzó su andadura en la escritura de las letras y de la música. Nunca más retomó ese proyecto, a pesar de que la crítica estaba intrigada ante la posible aparición de su segundo álbum. A partir de 2006 se convirtió en miembro oficial de la banda Modest Mouse e incluso escribió algunas de sus canciones del álbum We were dead before the ship even sank. Curiosamente, ese disco alcanzó el número uno de la famosa lista norteamericana Billboard a finales de marzo de 2007, algo que Marr no había conseguido nunca. En 2003 fue reconocido por la revista Rolling Stone con el número 51 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. En 2008 probó fortuna con el grupo The Cribs, aunque es en 2013 cuando aparece en solitario finalmente con un álbum verdaderamente sorprendente: ‘The Messenger’, al cual le ha seguido ‘Playland’ (2014).

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‘THE MESSENGER’

JOHNNY MARR

Álbum: THE MESSENGER (2013)

***

To see it in something

life you want it takes long

to see him so happy, you find you talking if you want

don’t wanna be a messenger

*

To see it in something

your eyes are opened and you’re on

I’m here and I’m ready

my time’s for taking if you want

who wants to be a messenger?

*

Who wants to be a messenger?

We could get going…

***

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Ralph Myerz fue conocido en sus orígenes como DJ Erlend Sellevold para todos los escandinavos, haciéndose un nombre en Bergen (Noruega). Formó un grupo musical a finales de los 90 junto a sus amigos Thomas Lonnheim y Tarjei Strom, con los que tuvo un éxito casi inmediato. Adoptó más adelante el nombre artístico actual debido a su fascinación por el cineasta Russ Meyer. Tuvieron varios éxitos en sus primeros singles, especialmente el titulado ‘Nikita’ que sirvió para acompañar un anuncio comercial de la marca automovilística Volkswagen. Sus mezclas electrónicas no han dejado indiferente a un público que sigue siendo fiel a un sonido casi inconfundible. Su primer álbum de debut fue ‘Electronico’ en 2002. Su posterior trabajo ‘Special Album’ (2003) fue el que les catapultó a la fama definitivamente gracias a varios títulos inolvidables. Uno de ellos es este ‘Think twice’. Más de diez años después siguen produciendo sonidos. Nunca es tarde para descubrirlos.

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‘THINK TWICE’

RALPH MYERZ

Álbum : SPECIAL ALBUM (2003)

***

https://www.facebook.com/ralphmyerz/info

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Thomas Peter Odell nació en Inglaterra en 1990. Cantante y compositor que ganó los BRIT Critics Choice Awards a principios de 2013 y que justo ese mismo año lanzó su álbum de debut ‘Long way down’. Sus primeros pasos musicales los hizo en el Instituto de Música Moderna de Brighton (Inglaterra). Sus influencias en la infancia no se detuvieron pasando desde Elton John a Leonard Cohen o Bob Dylan. Su repertorio es melódico, silencioso, atrayente y seductor, siendo su voz la protagonista principal. Muchos críticos le han comenzado a comparar con Jeff Buckley, aunque es pronto para saber si podrá superarle. Su primer disco es una buena prueba de lo que es capaz.

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ANOTHER LOVE’

TOM ODELL

Álbum: LONG WAY DOWN (2013)

***

I wanna take you somewhere so you know I care
But it’s so cold and I don’t know where
I brought you daffodils in a pretty string
But they won’t flower like they did last spring

And I wanna kiss you, make you feel alright
I’m just so tired to share my nights
I wanna cry and I wanna love
But all my tears have been used up

On another love, another love
All my tears have been used up
On another love, another love
All my tears have been used up
On another love, another love
All my tears have been used up

And if somebody hurts you, I wanna fight
But my hands been broken, one too many times
So I’ll use my voice, I’ll be so fucking rude
Words they always win, but I know I’ll lose

And I’d sing a song, that’d be just ours
But I sang ‘em all to another heart
And I wanna cry I wanna learn to love
But all my tears have been used up

On another love, another love
All my tears have been used up
On another love, another love
All my tears have been used up
On another love, another love
All my tears have been used up

I wanna sing a song, that’d be just ours
But I sang ‘em all to another heart
And I wanna cry, I wanna fall in love
But all my tears have been used up

On another love, another love
All my tears have been used up
On another love, another love
All my tears have been used up
On another love, another love
All my tears have been used up

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Röyksopp es un dúo noruego procedente de Tromso. Un ejemplo de la nueva música electrónica del ámbito escandinavo. Una banda nostálgica que desliza sonidos variados con melodías muy pegadizas. Sus componente son Torbjorn Brundtland y Svein Berge. Se conocieron en Tromso pero fue en Bergen que se unieron años después para comenzar a grabar lo que sería su primer álbum. Corrían los últimos meses de la década de los 90. Su primer trabajo no apareció hasta el 2011 con el título de Melody A.M.’. Tras su despegue han aparecido cuatro discos más. Su música es más cálida de lo que podría suponerse. El dúo no ha dejado nunca de grabar sencillos y EPs. A finales de 2013 se unieron en colaboración a la cantante noruega Susanne Sundfor para publicar el single ‘Running to the sea’, un éxito desde el día que apareció. Susanne Sundfor saltó a la fama en su país en 2005. Realizó una gira por su país y se hizo un nombre en toda Escandinavia. Todo un lujo de combinación que ha tenido un desenlace estupendo. Para disfrutarlo.

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‘RUNNING TO THE SEA’

RÖYKSOPP AND SUSANNE SUNDFOR

***

I could hear them howling from afar
I saw them rushing to your call
In a moment all went screaming “why?”
Until the darkness killed the light

I remember running to the sea
The burning houses and trees
I remember running to the sea
Alone and blinded by the fear

And the river flows beneath your skin
Like savage forces kept within
And all is wasted in the sand
Like breaking diamonds with your hand

I remember running to the sea
Remember falling to my knees
I remember gliding off the shore
Until I touched the ocean floor

And the river flows beneath your skin
Like savage forces kept within
And all is wasted in the sand
Like breaking diamonds with your hand

And the river grows inside of me
And the river grows inside of me
And the river grows inside of me
And the river grows inside of me

***

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royksopp


Nuevo grupo del cual se tiene pocas referencias pero que acaba de sacar un disco que sorprenderá a más de uno. Su página web es una alternativa para conocer algo más de ellos. Frescura, melancolía, canciones que denotan placer en todos sus detalles. Un golpe de aire fresco y natural, que desprende belleza por los cuatro costados. Un deleite musical para devorar. En 2013 apareció su álbum de debut homónimo. 

http://torrestorrestorres.com/MUSIC

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‘JEALOUSY AND I’

TORRES

Álbum: Torres (2013) 

***

What am I supposed to say babe?
I’ll be up all night to tell the truth
Would you really have a stranger in your bed?
Rather than let someone like me take care of you?
It’s no one’s problem but my own
I think I’ve always cared too much
I’m suffocating you, I know
It’s just the only way I know to love
Know to love

Jealousy it’s me sometimes
But I don’t mind, no I don’t mind
Jealousy it’s me sometimes
But I don’t mind, no I don’t mind
‘Cause jealousy and I
We’re two of a kind and she’s all mine
She’s all mine

You don’t owe me anything
But you’ve got to spell it out for me
‘Cause if you’re saying things that you don’t mean
Then you don’t really want me at your feet
At your feet

Jealousy it’s me sometimes
But I don’t mind, no I don’t mind
Jealousy it’s me sometimes, 
But I don’t mind, no I don’t mind
‘Cause jealousy and I
We’re two of a kind and she’s all mine
She’s all mine
She’s all mine
She’s all mine

I’ll never let her go
I’ll never let her go
I’ll never let her go
I’ll never let her go

Jealousy it’s me sometimes
But I don’t mind, no I don’t mind
Jealousy it’s me sometimes 
But I don’t mind, no I don’t mind
‘Cause jealousy and I
We’re two of a kind and she’s all mine
She’s all mine
She’s all mine
She’s all mine

***


Daughter es una banda de indie folk originaria de Londres (Inglaterra). Su líder es la vocalista Elena Tonra, también originaria del norte de la capital británica. Se unió en 2010 al guitarrista Igor Haefeli y al batería francés Remi Aguilella. Tras lanzar dos EPs y un primer álbum titulado ‘If you leave’ en 2013 han causado sensación en el mundo musical europeo. Sonidos suaves, profundos, con una voz cálida que ambienta todos los temas de manera sensual y atractiva. Tonra tiene ascendencia italo-irlandesa, y gracias a su abuelo irlandés se aficionó a la música tradicional irlandesa a temprana edad. Desde joven sintió la necesidad de escribir letras. Su carrera musical comenzó en conciertos acústicos con su propio nombre por los barrios de Londres. Haefeli la descubrió asistiendo a uno de sus conciertos y pronto comenzaron a tocar juntos. De la acústica se pasó a guitarras eléctricas pero sin perder el fondo folk. Esa relación musical se transformó en relación sentimental. En marzo de 2013 se lanzó el álbum de debut llegando a conseguir el puesto 16 en las listas del Reino Unido y con muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. Se les ha comparado con bandas como The XX o Cat Power pero su sonido particular no deja de sentirse.

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‘SHALLOWS’

DAUGHTER 

Álbum: ‘IF YOU LEAVE’ (2013)

***

Let the water rise,
Let the ground crack.
Let me fall inside,
Lying on my back
Lying on my back

Dry your smoke-stung eyes,
So you can see the light.
Staring at the sky
Watching stars collide
Watching stars collide

(Chorus) x2
If you leave,
When I go
You’ll find me,
In the shallows.

When the time comes,
On the last day
When they start to come down,
Will you just,
Will you run away?
Will you run away?

Let it all rain down,
From the blood stained clouds.
Come out, come out, to the sea my love
And just,
Drown with me
Drown with me.

(Chorus) x2
If you leave,
When I go
You’ll find me,
In the shallows.

Lying on my back,
Lying on my back,
Watching stars collide.

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DJ Yellow es un DJ panameño que se califica a sí mismo como amante de la música, de los ritmos y de los beats. Se inclina por el reggae, hip-hop, electrónica, salsa y merengue, pero no tiene un estilo de música definido como favorito. Comenzó a los catorce años el arte de la mezcla. Sus primeros pasos como DJ fueron en discotecas móviles, para pasar después a discotecas nocturnas. También se inició en la radio de su país como locutor y DJ, para pasar después a presentar un programa musical en la TV. Flowers & Sea Creatures es un dúo musical original de Montreal (Canadá) que apuestan por los sonidos electrónicos. Música pegadiza y fresca para mezclar y para disfrutar. Ambos artistas se han unido para crear esta mezcla absolutamente perfecta. Una joya para deleitarse.

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Los nuevos proyectos musicales no dejan de sorprender. Las ideas se suceden y los nuevos argumentos siguen sorprendiendo. Interesante es la propuesta de AMinus, un proyecto que nació con una idea original basada en la devoción de pop de sintetizadores de los 80, además de la atracción por el house, el R&B y los sonidos electrónicos. Su creador es Valentin Plessy, original de Berlín (Alemania); miembro fundador del grupo de danza-clash Plateau Repas y que también tocó la batería en el grupo Kool Thing. Su primer álbum se ha titulado ‘Almost and maybe’ y está casi preparado el siguiente que llevará el título de ‘Options’. Su single y vídeo ‘Don’t mind me now‘ han dado la vuelta al mundo y les han lanzado hasta el estrellato. Esperamos que siga la racha y la sorpresa. Para más información se puede acceder a su web y comprobar toda su obra, al mismo tiempo que se puede comprar su música a un módico precio.

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‘DON’T MIND ME NOW’

AMinus

(2013)

***

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Atoms for Peace es un proyecto creado por Thom Yorke (Radiohead), junto a otro componente de su banda, Nigel Godrich, Flea (Red Hot Chili Peppers), Joey Waronker (batería) y Mauro Refosco (percusión). Casi todos ellos colaboraron con Yorke en la producción y grabación de su álbum en solitario ‘The Eraser’ en 2006. La banda hizo su debut en público en Los Ángeles (EEUU) en octubre de 2009, presentando el disco de Yorke. Tres años después ha llegado este trabajo formado gracias a una combinación de jam sessions, sonando parecido al álbum de Yorke pero con melancolía preconcebida, sonido envolvente, que enamora, que no deja indiferentes a sus seguidores. Un álbum titulado ‘Amok’ y que siguiendo el sonido de sus orígenes musicales desprende una atracción única que gustará por su belleza. Nueve temas que se deben repetir una y otra vez para sacarles el mayor jugo. Y esperar a que continúen con sus experimentos musicales.

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‘BEFORE YOUR VERY EYES’

ATOMS FOR PEACE

Álbum: AMOK(2013)

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Look out of the window

What is passing you by.

If you really want this bad enough.

You’re young and good looking

The keys to the kingdom.

Sooner or later

And before your very eyes

Old soul on young shoulders.

How you’ll look when you’re older.

Times fickle card game with you and I.

You have to take your chances,

The book of forgiveness.

Sooner or later

And before your very eyes

***

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http://youtu.be/3NPxqXMZq7o

http://youtu.be/2xVOmmBEaBc

En 2003, Sascha Ring, Sebastian Szary y Gernot Bronsert formaron el grupo Moderat en Berlín (Alemania). Pero por las cosas que pasan en la vida se separaron. Ring comenzó entonces su carrera en solitario formando el proyecto Apparat, mientras que los otros dos componentes se unieron para crear otro proyecto alternativo llamado Modeselektor. Los segundos tuvieron más éxitos que el primero, pero volvieron a unirse y devolvieron a colocar a Moderat donde siempre imaginaron. En 2009 apareció su primer disco homónimo con un single que rompió moldes: ‘Rusty nails’. El disco tuvo la aceptación de toda la crítica y el buen recibimiento por parte de sus primeros seguidores. Es un grupo de música electrónica que compone canciones pegadizas, con gran belleza y ritmo. Un grupo creativo por encima de todo, innovador. En 2013 apareció su segundo disco ‘II’. La sorpresa es que es todavía mejor que el primero, con lo cual se puede esperar mucho más de esta banda que promete y mucho. Un disco superlativo que merece la pena ser escuchado varias veces antes de determinar su valía.

 

 

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‘BAD KINGDOM’

MODERAT

Álbum: II (2013) 

***

Here it ends
No one’s gonna shed a tear
No need to shout
Just to stand the silence

(A) well spent time
In the early morning’s haze
You sit and wait
Watching full glasses through blank eyes

This is not
What you wanted
Not
What you had in mind

Vacuous winter stare
Worn out version of yourself
To tough to fall
But not strong enough to turn

This is not
What you wanted
Not
What you had in mind

***

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La sorpresa quizá del año en lo que al pop se refiere. Finish Ticket son un cuarteto de San Francisco (California, EEUU) que hace una música melódica, bien definida, pegadiza, en una línea entre el rock más indie y pop radiofónico. Se formaron en 2008, mientras sus miembros todavía estaban en la escuela secundaria. Destaca su cantante y teclista Brendan Hoye, y junto a él están el guitarrista y vocalista Alex DiDonato, el bajista Michael Hoye y el batería Gabe Stein. Su álbum EP de debut apareció en 2009, pero su primer largo apareció en 2013 con el título ‘Tears you apart’ con la producción de Rilo Kiley y Pierre de Reeder. Dentro se pueden descubrir auténticas joyas del pop y prometen mucho si continúan así. MI0003488632

‘DOCTOR’

FINISH TICKET

Álbum: TEARS YOU APART (2013)

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De nuevo en esta sección y por méritos propios. Para muchos una copia barata de muchos otros grupos, pero hay que decir la verdad, y es que los Arctic Monkeys no han producido discos inolvidables, ni tampoco verdaderas canciones que traspasen sentimientos por muchos años, pero de vez en cuando, dejan joyas que merecen la pena ser saboreadas con delicadeza, sabiendo aspirar todo su encanto, y dando igual si llegan a ser parecidas o similares a otros, tan sólo embriagarse por el sonido, el ritmo y alentarse por si acaso en el futuro siguen dejando nuevos tesoros. Hoy en día, la música sigue siendo una sucesión continua de repeticiones ya oídas, ya vividas. Pero debemos entenderlo como una misma evolución de los sonidos, aunque para muchos la repetición sea el reclamo utilizado para simplemente vender. La originalidad tiene su precio, es difícil de conseguir y cada vez se valora más, será por algo…

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‘FIRESIDE’

ARCTIC MONKEYS 

Álbum: Am (2013) 

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I can’t explain but I want to try
There’s this image of you and I
And it goes dancing by in the morning and in the night time

There’s all these secrets that I can’t keep
Like in my heart there’s that hotel suite and you lived there so long,
It’s kinda strange now you’re gone

I’m not sure if I should show you what I’ve found
Has it gone for good?
Or is it coming back around?
Isn’t it hard to make up your mind?
When you’re losing and your fuse is fireside

There’s all those places we used to go
And I suspect you already know
But that place on memory lane you liked still looks the same
But something about it’s changed

I’m not sure if I should show you what I’ve found
Has it gone for good?
Or is it coming back around?
Isn’t it hard to make up your mind?
When you’re losing and your fuse is fireside

And I thought I was yours forever
Maybe I was mistaken but I just cannot manage to make it through the day
Without thinking of you lately

I’m not sure if I should show you what I’ve found
Has it gone for good?
Or is it coming back around?
Isn’t it hard to make up your mind?
When you’re losing and your fuse is fireside

***

Arctics


Bon Iver es el nombre artístico del cantautor Justin Vernon. Pero con ese nombre se conoce también a la banda que compuso, integrada además por Mike Noyce, Sean Carey, Matthew McCaughan y Colin Stetson. Su álbum de debut se tituló ‘For Emma, forever ago’, que salió al mercado en 2007. Lo curioso de ese disco es que fue grabado por Vernon de forma independiente en una cabaña remota de Wisconsin durante tres meses. Se dice que el nombre de Bon Iver viene del juego de palabras en francés ‘bon hiver’ (buen invierno). Pero Vernon ya fundó una banda estando todavía en el instituto. La música que proponía era un indie-rock. Lo mismo ocurrió con su siguiente proyecto, una banda creada en el mismo Wisconsin junto a otros tres miembros. Años después abandonaron su ciudad natal para trasladarse a Carolina del Norte. Esa banda se autoprodujo cuatro discos. La ruptura con esa banda se unió a su ruptura amorosa y a su lucha personal contra una enfermedad. Se refugió en una cabaña y compuso su primer disco. En principio, su idea no era grabar un disco, sino salir de esa situación y recuperar su salud. Su decisión era clara: quería estar en un sitio solo y donde hiciera frío. Pero ese disco tuvo una gran acogida. Y todos los halagos fueron merecidos. Su siguiente disco, fue un EP titulado ‘Blood bank’, el cual cautivó a una gran cantidad de público. Lo grabó durante dos años y en diversos lugares. Una joya que vale la pena escucharlo detenidamente y durante varias veces. En 2011 lanzó al mercado su segundo largo homónimo.

  • MI0000865655‘BLOOD BANK’

    BON IVER

    Álbum: BLOOD BANK / EP (2009)

    ***

    Well I met you at the blood bank
    We were looking at the bags
    Wondering if any of the colors
    Matched any of the names we knew on the tags

    You said “see look thats yours!
    Stacked on top with your brother’s
    See how the resemble one another
    Even in their plastic little covers”

    And I said I know it well

    That secret that you knew 
    But don’t know how to tell
    It fucks with your honor
    And it teases your head
    But you know that its good girl
    Cos its running you with red

    Then the snow started falling
    We were stuck out in your car
    You were rubbing both of my hands
    Chewing on a candy bar

    You said “‘aint this just like the present
    To be showing up like this”
    AS a moon waned to crescent 
    We started to kiss

    And I said I know it well

    That secret that we know
    That we don’t know how to tell
    I’m in love with your honor
    I’m in love with your cheeks
    What’s that noise up the stairs babe?
    Is that Christmas morning creaks?

    And I said I know it well 
    I know it well …

    ***

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Madrugada es una banda de rock creada en Stokmarknes (Noruega) en 1992 por el vocalista Sivert Hoyem, el guitarrista Robert Buras, el bajista Frode Jacobsen y el batería Jon Pettersen. Éste último abandonó la banda en 2002 siendo reemplazado por Simen Vangen.  La banda sufrió la  pérdida mortal de Buras en julio de 2007, y decidió disolverse. Pero antes publicó su último álbum homónimo en 2008, que ya había sido grabado antes de la muerte del guitarrista, despidiéndose del público en una gira durante el mes de noviembre de ese mismo año. Su primer disco fue un EP lanzado al mercado en 1998. Se trasladaron desde su ciudad natal a Oslo en 1995 y se concentraron en desarrollar el grupo. Su gran éxito llegó en 1999. Se hicieron famosos en toda Escandinavia y más tarde en el resto de Europa.

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‘MAJESTY’

MADRUGADA

Álbum: GRIT (2002) 

***

So am I good or bad
The way that things did turn out
I did only make you sad
And we cried and we cried on the phone
Oh but in my mind
You were never that all alone

Oh you were majesty
Your robes were heavy
And your longing was a cutting from bone

***

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Purity Ring es el proyecto de una banda canadienses originaria de Edmonton y que se formó en 2010. El grupo está formado por Megan James (voz) y Corin Roddick (instrumentalización). Una pareja muy joven, que no sobrepasaban los 25 años cuando iniciaron su aventura musical. James ya tocaba el piano de niña y Roddick siempre estaba junto a unos tambores. Sus actuaciones en vivo destacan por encima de todo por la puesta en escena de Roddick, que utiliza instrumentos a su medida, en forma de árbol para impulsar un sonido directo y con una iluminación muy particular. Además utilizan la ropa diseñada directamente por James. Los dos miembros pertenecían a una banda anterior conocida como Gobble Gobble. Roddick siempre quiso experimentar con nuevos sonidos, produciendo música electrónica y con ritmos nuevos. James le pidió cantar una canción y posteriormente formaron el dúo. A principios de 2012 fueron contratados con el sello 4AD y fue el motivo de lanzar al mercado su primer álbum: ‘Shrines’ (2012). El primer sencillo se tituló ‘Obedear’ y fue un éxito contundente y amplio. Su música es una mezcla de estilos, dentro de la escena indie rock canadiense con giros electrónicos hacia una esencia muy característica y personal. La crítica se ha volcado con ellos y el público en general ha acogido el disco de forma acalorada. Paisajes sonoros juguetones con una voz de fondo que seduce.

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‘OBEDEAR’

PURITY RING

Álbum: ‘SHRINES’ (2012) 

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I came down over the sleeping mountains

Where our white tones plunged
Into the weeping shelter
Tear our skin up out from the bottom
Leaves our ankles bare
Don’t just wander back and forth and leave itBuild it into
Pinnacles and shrines
Of some,
Some ghastly predicament in mind
You’ll find
Leaves us plastered to a bed of hairs
We’ll be all coiled up near the bottom
With my chest, unbare itObedear, the sky is low
Gather up its harm and gods
With grateful arms
Obedear, the sky is low
Gather up its harm and gods
With grateful arms

Obedear, the sky is low
Watch fluids seem and rid their rudders
Oh, they’ll
Grace it with their wind arrows
‘Tis in the feathers that, that
They branch below, low

Oh my dreams,
Come back to me, back to me
Back to…
All my wrinkles,
Build on me, build on me
Build on…

Obedear, the sky is low
Gather up its harm and gods
With grateful arms
Obedear, the sky is low
Gather up its harm and gods
With grateful arms

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Quadrophenia

Publicado: 21 de noviembre de 2013 en Cine
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Película estrenada en el Reino Unido en 1979 y basada en la ópera rock de 1973 del mismo nombre realizada por el grupo The Who causó impacto al instante y durante varios años después. Hoy en día es considerada una película de culto. Quadrophenia fue dirigida por Franco Roddam con guión escrito por él mismo, apoyado por Dave Humphries y Martin Stellman. Una historia que narraba los inicios de la década de los 60 en Londres, donde las bandas de ‘mods’ se movían orgullosos e impecables con sus scooters italianas por las calles londinenses mientras escuchaban su música favorita. El término ‘mod’ provenía del inglés modernist (modernista), una subcultura que se originó en el mismo Londres a finales de los años 50 y que alcanzó su punto más álgido entre principios y mediados de los 60. Sus rasgos más significativos fueron la moda, la música y los scooters. Dentro de los gustos musicales se encontraban el ska jamaicano, la música beat británica y el soul afroamericano aunque también se escuchaba R&B. El movimiento se asoció desde un principio a bailar durante toda la noche en las discotecas inducidos por los efectos de las anfetaminas. El término mod se extendió a finales de los 60 para determinar todo aquello que se consideraba popular o de moda. Aunque nunca dejó de estar en apogeo, a finales de los 70 hubo un revival mod en el Reino Unido que se extendió por los EEUU a comienzos de la década de los 80, sobre todo en el sur de California.

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Otra característica de ese movimiento fue su odio y confrontación contra otro movimiento de la época: los rockers. Al contrario que aquéllos, los rockers representaban otro extracto de la juventud del momento. Preferían estilos de música norteamericanos de los años cincuenta, sobre todo las influencias de Elvis Presley, que ponían a todo volumen en sus radios. Aunque quizá lo que más les diferenciaba era la forma de vestir, el atuendo y los aspectos. Los mods eran chicos bien cuidados, bien peinados, muy presumidos, cuyo atuendo era normalmente un traje, corbata y zapatos bien lustrados. Los rockers vestían de forma desaliñada, con chaquetas de cuero negras y zapatillas normalmente rotas. Las motos que identificaban a los mods eran iguales que ellos, bien vistas y relucientes, brillantes, con espejos retrovisores por todas partes que les hacían ser muy llamativas; mientras que las de los rockers eran viejas y grasientas motos de carretera. Los mods eran arrogantes y con gran violencia verbal, mientras que los rockers utilizaban más la fuera bruta.

La película era un reflejo claro de la Gran Bretaña pre-punk y pre-thatcheriana. Criticando una juventud alimentada por música y pastillas que intentaban evadirse de la realidad que les hundía en el desasosiego y en la mediocridad. Batallas campales entre bandas callejeras que predominaban en la mayoría de las grandes ciudades británicas. Tuvo una gran acogida quizá por la carga de sexo, drogas y violencia que contenía, nada habitual en ese época. La publicidad del boca a boca entre los jóvenes hizo el resto.

Una de las escenas más recordadas por todos los grandes admiradores de esta película es la última, justamente cuando el protagonista lanza su motocicleta al vacío de un acantilado y se estrella entre las rocas. Siempre quedó el debate abierto si realmente el protagonista se lanza al vacío también o no junto a su scooter. Aunque si se aprecia con detenimiento se ve como el protagonista está de pie en lo alto del acantilado mientras la moto va cayendo. La caída o el lanzamiento de la moto es el símbolo del fin del movimiento mod, de sus devaneos continuos, de sus desencuentros con sus amigos, en una palabra: significaba romper con su estilo de vida juvenil que había llevado hasta ese momento. Quizá lo que quiere decir es que ningún movimiento juvenil puede considerarse como algo que perdurará en alguien, algo que se tambalea hasta que finalmente se cae y pierde todo su sentido, alimentado por la mente de sus protagonistas.

 


De nuevo en esta sección este grupo de Toronto (Canadá). El dúo Crystal Castles, integrado por el productor musical Ethan Kath y la vocalista Alice Glass, que no cesan de producir grandes y gratas sorpresas dentro de la faceta electrónica musical. Desde su primer álbum hasta el último, publicado en 2012, el desarrollo musical no cesa y  sigue generando calidad por los cuatro costados. Para todos aquellos que descubrieron en 2008 su primer álbum homónimo, y que festejaron haberlo hecho, es una bendición observar y confirmar que siguen su ruta hacia su propia esencia, pero cada vez más definida. Una mezcla de sonidos, entre el ruido, la melodía, la melancolía, la oscuridad, tonos pegadizos, todo sencillo pero bien diseñado, perfectamente conjuntado, y terriblemente interesante. Una voz que nos presenta un panorama diferente, original. Su último álbum ‘III’ (2012) propuso una portada inquietante, con una mujer musulmana protegiendo a su hijo. Para muchos una forma de llamar la atención, pero centrándonos en su sonido, quizá han conseguido aparcar las disonancias, todo es más uniforme, más profundo y más grave, pero perfectamente ajustado. Varios sencillos tienen un poder debastador, como ‘Plague’, ‘Sad eyes’, ‘Wrath of god’ o ‘Transgender’. Podría sonar a búsqueda del drama, pero de forma refinada, sutil, con lo siniestro en su medida justa, con toques románticos, una tristeza en el ambiente pero sublime en su conjunto. Un torbellino de sonidos deslumbrantes. Una obra de arte que ansía la siguiente. Seguiremos esperando ansiosos entonces.

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‘PLAGUE’

CRYSTAL CASTLES

Álbum: ‘III’ (2012)

***

I need you pure I need you clean
Don’t try to enlighten me
Power to misconstrue 
What have they done to you 

Infants in infantry
Rewrite their history
Uproot their colony
You’re ripe for harvesting

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Bob Dylan

Publicado: 1 de noviembre de 2013 en Música
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“Ansío verte a la luz de la mañana,

ansío tenerte cerca por la noche,

quédate, dama, quédate,

quédate mientras nos quede algo de noche”

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Bob Dylan es el nombre artístico de Robert Allen Zimmerman. Nació en Duluth, Minnesota (EEUU) en 1941 y todavía hoy sigue cantando y escribiendo canciones. Este compositor de folk y rock es una de las grandes figuras de la música contemporánea, un icono para muchas generaciones, un pedazo de la historia del rock, un símbolo para millones de personas, seguidores, fans y críticos musicales. El nombre de Dylan lo adoptó por la admiración que sentía por el poeta Dylan Thomas. Fue capaz de crear un estilo propio e inconfundible, convirtiéndose rápidamente en la voz de una juventud revolucionaria de su país en la década de los 60.  Consiguió, con algunas de sus canciones, revolucionar el panorama pop mundial, y abrió el camino para muchos otros cantautores que se vieron influidos por su obra y por su estilo.

Cuando a mediados de la década de los 60 comenzó a utilizar instrumentos electrónicos para sus temas recibió muchas críticas de todos aquellos que defendían el purismo del folk en todos sus ámbitos. Sus primeros textos estaban profundamente influidos por la situación del mundo en ese momento, tocó temas sociales controvertidos, además de introducirse en temas filosóficos que para él eran de suma importancia y vitales para su existencia. Pudo comprobarse su preocupación y su interés por los libros, por toda clase de libros. Gran aficionado a la historia, a la sociología, filosofía y también a la poesía. Supo adaptar todas sus ideas realizando sus canciones. Expandió y desarrolló su propio sello personal, pero nunca abandonando sus raíces musicales ni su esencia estilística. Todas sus canciones tenían algo de folk, de pop, de blues, de country, de rock and roll, con toques irlandeses, escoceses e ingleses, con esbozos de jazz y de swing.

“El vagabundo que está llamando a tu puerta

tiene puestas las ropas que tú llevaste una vez” 

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Y no ha dejado de ser premiado, valorado y reconocido por toda su obra durante todas estas décadas incansables de trabajo. Acapara Grammys, Globos de Oro, Oscars. En 1999 fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. Hoy en día sería difícil cuantificar su verdadera influencia musical. Fue pionero en varias escuelas diferentes dentro de la música pop. Rompió los estereotipos que decían que un cantante tenía que tener una gran voz y desarrolló cambios musicales mezclando el pop con el rock más folk y el country-rock.

Quizá sus inicios fueron los realmente importantes, los que crearon adicción, influencia y seguimientos masivos, y cuando su popularidad cuajó de forma aplastante. Quizá la calidad de su música fue dando escarceos y la calidad de sus temas fueron también un poco irregulares, pero es evidente que no ha dejado de estar en el candelero durante muchos años por méritos propios. De niño aprendió a tocar la guitarra y la armónica. Mientras estaba en la universidad comenzó a componer canciones populares en pequeños cafés y a finales de 1960 se dio cuenta de que quería ser cantautor. Se mudó a Nueva York en enero de 1961 y comenzó a tocar en cafés. Su primer disco apareció con el título homónimo en 1962 pero fue el siguiente ‘The freewheeling Bob Dylan’ (1963) el que consiguió provocar un gran impacto en EEUU. El tema ‘Blowin’ in the wind’ fue un gran éxito en el verano de 1963. Por esa época tuvo una relación sentimental con la cantante Joan Baez. La rapidez de sus composiciones fueron espectaculares.

“Venid gente , reuníos,

dondequiera que estéis y admitid que las aguas han crecido a vuestro alrededor

y aceptad que pronto estaréis calados hasta los huesos,

si creéis que estáis a tiempo de salvaros

será mejor que comencéis a nadar u os hundiréis

como piedras

porque los tiempos están cambiando…”

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En 1964 apareció ‘The time they are a-changing’. La influencia de la poesía ya era toda una realidad. Autores como Rimbaud y Keats estaban presentes en sus letras. ‘Another side of Bob Dylan’ también se lanzó ese mismo año. Sus desarrollos musicales no se detuvieron ni un instante. Para entonces ya había roto su relación con Baez y comenzó a salir con Sara Lowndes, con quien se casaría más tarde. Para cuando apareció ‘Bringing it all back home’ (1965) ya se descubrió que se estaba alejando del purismo folk. En 1965 su éxito ‘Like a rolling stone’ consiguió el número 2 de la lista de sencillos. A partir de ahí su fama se desató. Miles de artículos por todo el mundo y un montón de cantantes queriendo emularle. El álbum ‘HIghway 61 revisited’ (1965) fue una de sus cimas de su carrera.

En julio de 1966 resultó herido en un accidente de moto sufriendo serias lesiones en las vértebras del cuello y una gran conmoción cerebral. A partir de entonces se convirtió en un recluso en su casa de Woodstock. Encerrado allí comenzó de nuevo a escribir canciones. ‘Blonde on blonde’ (1966), ‘John Wesley Harding’ (1967), ‘Nashville skyline’ (1969), ‘Self portrait’ (1970), ‘New morning’ (1970) fueron sus siguientes trabajos. Y aunque iba desarrollando nuevos estilos dentro del suyo propio no dejó de componer. Sus obras no paraban de salir. ‘Dylan (1973)‘ , ‘Planet waves’ (1974), ‘Blood on the tracks’ (1975) hasta el aclamado ‘Desire’ (1976), el cual estuvo cinco semanas en todo lo alto de las listas. Dentro de ese disco aparecía el tema ‘Hurricane’, una canción protesta escrita específicamente en defensa del boxeador Rubin Carter, encarcelado injustamente por asesinato.

En los ochenta se decantó por un rock&roll más profundo, ganando nuevos adeptos aunque perdiendo a otros. Con el paso de los años las generaciones cambiaban y sus seguidores también. De hecho, su música fue un continuo cambio aunque siempre conservando sus raíces. Quizá con el paso del tiempo Dylan ha encarado su música de otra manera, de una forma más personal y diferente, compartiendo otras aficiones, disfrutando de todo un poco, colaborando con viejos amigos o dedicándose a otras cosas que no había hecho hasta entonces. Su repertorio no se ha detenido, tan sólo ha tenido transcursos e intervalos, paradas obligadas y necesarias, y todavía hoy sigue componiendo con más de setenta años en sus espaldas. La música forma parte de su vida y Dylan forma parte de nuestra vida, de una u otra forma.

“Tan feliz de estar vivo bajo el cielo azul,

en esta nueva mañana,

nueva mañana,

en esta nueva mañana contigo”

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Banda originaria de Portland, Oregon (EEUU) que se formó a principios de la década de 2000. Sus componentes son: Adam Miller (guitarra y voces), Nat Walker (batería y sintetizador), Johnny Jewel (productor y multi-instrumentista), Ruth Radelet (vocalista y sintetizador). Al comienzo mezclaron un sonido electrónico con esencia punk para ir desarrollando lentamente un proceso hacia el pop electrónico muy sutil y atractivo. Aunque al principio la banda tenía otros miembros y tras la aparición de su primer disco en 2003 ‘Chrome rats vs. basement Rutz’ sólo Miller continuó mientras el resto de miembros formaban una banda alternativa. Continuaron con el disco ‘Plaster hounds’ en 2004 y tardaron tres años más en sacar al mercado su tercer álbum ‘Night drive’ (2007). Con ése su rumbo ya había cambiado completamente y su sonido parecía muy diferente. Habían transformado su estilo y su música y para entonces el productor Jewel ya estaba dentro, y su influencia se dejó notar. A partir de entonces sería el alma del grupo. Su apoyo en el sintetizador es una apuesta clara, una atmósfera de años 80 de fondo. Y cinco años tardaron en lanzar su último disco ‘Kill for love‘ (2012). Una verdadera extensión de su sonido y todavía más elegante, con más canciones pop y un cierto aire post-punk. Su nivel de calidad sigue ascendiendo con canciones precisas.

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THESE STREETS WILL NEVER LOOK THE SAME’

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Álbum: KILL FOR LOVE (2012)

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Spent my life inside this room
And disappeared some more each day
Spent my life inside this room
And disappeared some more each day

The screen stayed flashing in my mind
The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind 

Spent my life inside this room
And disappeared some more each day
Spent my life inside this room
And disappeared some more each day

I couldn’t run away from you
You kept me hanging on the line
I couldn’t run away from you
You kept me hanging on the line

I get so lonely all the time
I try to find my way back home

These streets will never look the same
My broken heart erased your name

The screen stayed flashing in my mind
The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind 

Spent my life inside this room
And disappeared some more each day

These streets will never look the same
My broken heart erased your name

The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind 
The screen stayed flashing in my mind

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Andrew Bird es un cantautor de indie rock norteamericano. Nacido concretamente en Chicago, en el estado de Illinois, comenzó a sonar en los 90 gracias a su colaboración como violinista de un grupo de jazz que tocaba el swing de los años 30. Fue en 1996 cuando se estrenó con el álbum ‘Music of hair’, mezclando blues, jazz y folk. Más tarde lideró el grupo conocido como Andrew Bird’s Bowls of Fire y con ellos lanzó al mercado ‘Thrills’ (1998) y ‘Swimming hour’ (2001). Entre medio y con su nombre publicó ‘Oh! The Grandeur’ (1999).  Su desarrollo musical se vio engrandecido con el disco ‘The weather systems‘ (2003), quizá un poco menos experimental que sus anteriores trabajos y con un sonido claramente enfocado hacia el rock independiente y el pop. Fue un disco bien recibido por la crítica especializada y también su siguiente trabajo ‘The mysterious production of eggs’. Curiosamente, para ese último disco, Bird comenzó a tocar la guitarra y  fue otro claro ejemplo de su desarrollo como músico completo. En 2007 apareció ‘Armchair apochyphia’ y en 2009 ‘Noble beast’, ambos muy ambiciosos y eclécticos. Desde entonces no ha cesado en su producción, saliendo a disco por año, como por ejemplo ‘Useless creatures’ (2010), ‘Norman’ (2011), ‘Break it yourself‘ (2012), hasta su último y celebrado ‘Hands of glory’ (2013), una vuelta a sus raíces más auténticas, más bíblico si cabe y con tendencias experimentales arraigadas en un sonido de sus comienzos tan cálido como antes pero con esencia muy moderna.

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‘THREE WHITE HORSES’

ANDREW BIRD

Álbum: HANDS OF GLORY (2012)

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There’ll be three white horses, all in a line
There’ll be three white horses in a line

Three white horses, when you go that way
You will need somebody when you come to die

Don’t dismiss it like it’s easy
Tell me what’s so easy
‘Bout coming to say goodbye

You’re gonna miss her in the evening
You know I won’t be needing
Somebody when you come to die

There’ll be three white horses in a line
There’ll be three white horses in a line
There’ll be three white horses when you go that way
You will need somebody when you come to die

It’s not desperation that we’re breeding
It’s just a need we’re feeding
Before we say goodbye

You’re gonna miss me in the evenings
You know I won’t be needing
Somebody when you come to die
Yeah, I won’t be needing
Somebody when you come to die

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Oriol Riverola es un DJ, productor y músico electrónico de Barcelona (España) que se esconde bajo el seudónimo de John Talabot. Comenzó a publicar algunas pistas hasta que en 2010 saltó a la fama por su tema ‘Sunshine’. Su álbum de debut ‘fIN‘ se publicó a principios de 2012 y fue una de las agradables sorpresas en lo que se refiere a música electrónica de ese año. Se puede decir que en tan sólo dos años pasó a ser de un simple semidesconocido a convertirse en una de las grandes revelaciones de la escena electrónica. Tras un largo año terminó ‘fIN’. Para muchos el disco del año. Una sorpresa incluso para el DJ. Dice que no pretende ni quiere ser el estandarte de España en cuanto a música electrónica se refiere. Pero lo cierto es que los DJs que existen en España son mínimos y todavía menos que triunfen fuera de sus fronteras. No es un disco con tremendos hits. En principio su idea era la de realizar un disco humilde. No suena ni muy antiguo ni muy actual. Pero tiene frescura. Tenía muy claro qué tipo de disco quería y lo consiguió. Deseaba que cada tema sonara diferente y no como suele ocurrir en muchos álbumes de productores musicales que empiezan y terminan sonando prácticamente igual. Desde el principio quiso ocultar su rostro. NO era amante de las entrevistas, ni las fotografías, ni de la prensa. Eso también ayudó a desarrollar el morbo. Pero cuando pinchaba en un club nunca ocultó su rostro. Su deseo era más bien romántico, que la gente se sintiera atraída sólo por la música, y que el líder del proyecto fuera algo secundario, abandonado en un segundo plano.

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 ‘LAST LAND’
JOHN TALABOT
Álbum: fIN (2012)
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Bill Fay es un pianista, cantautor y compositor inglés que publicó un par de álbumes en la década de los 70. Pero durante su vida fue jardinero, empleado de limpieza, jornalero recogiendo fruta y reponedor en un supermercado.  El primero era de título homónimo y se estrenó en 1971. Fue un disco de debut con un trabajado acento pop-rock y quizá demasiado serio, sobre todo para los tiempos que corrían. Su gran influencia en sus inicios era sin duda Bob Dylan. Tenían sus canciones un sutil toque con las palabras, una mezcla entre el sonido barroco y unos arreglos un tanto suaves. Era un disco sombrío, intentando transmitir algo importante pero sin llegar a conseguirlo del todo. No fue un éxito ni tampoco se consideró un disco interesante en su momento. Casi un año después salió al mercado su segundo disco ‘Time of the last persecution’. Continuaban sus oscuras sombras y no pretendía en absoluto atraer a las grandes masas. Se introdujo en la introspección de la misma psicodelia y del suceso de Kent State, donde murieron cuatro estudiantes. Pero no cesó de dejar muestras de su poesía en sus letras, una poesía personal e introspectiva, a menudo muy visceral. Quizá con el paso del tiempo el disco ya no sonaba tan duro y tan oscuro. Fue quizá su viaje personal hacia la búsqueda de sí mismo. Mensajes de paz y esperanza, con una música tranquila pero con pasión y emoción. Tras el pobre éxito obtenido su discográfica eliminó las grabaciones y posteriormente se convirtieron en clásicos de culto y reeditados en 1998. Lo gracioso es que volvieron con elogios casi unánimes.  A partir de ahí se cultiva un interés renovado por la figura del artista inglés. Nombre propios como Jeff Tweedy (Wilco) o David Tibet quisieron colaboraciones suyas. Éste último le ayudó en la grabación de un disco de estudio titulado ‘Tomorrow, tomorrow and tomorrow’ (2004). Joshua Henry, un productor que había crecido escuchando su música, le convence para grabar un nuevo disco que saldría a la luz en 2012 con el título ‘Life is people’. Quizá con Fay ha ocurrido que se ha descubierto uno de lo ejemplos perfectos sobre la injusticia que a veces se genera en en la industria de la música. Casi cuatro décadas después, ha conseguido grabar un nuevo disco. Su silencio ha sido provocado por los demás, no por él. Se le envió al ostracismo sin grandes razones. Sólo puso una condición para grabar ese último disco: no recibir ni un céntimo de ganancias. Todos los beneficios van directamente a la ONG Médicos sin Fronteras. Este disco trata de  infundir un mensaje de optimismo, pero sin caer en el fanatismo populista. Un disco que describe su relación con la biblia (gran lector) y donde narra las aventuras de las almas en su viaje hacia las costas de la eternidad. Una frase que resume muy bien su intención es: ‘cada batalla perdida es una oportunidad para triunfar’. Sigue siendo un placer escucharle y disfrutar de su sonido. 

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‘THE NEVER ENDING HAPPENING’

BILL FAY

Álbum: LIFE IS PEOPLE (2012)

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The never ending happening
Of what’s to be and what has been
Just to be a part of it
Is astonishing to me
The never ending happening
Of waves crashing against the cliffs
The falling seed the wind carries
The never ending happening
Souls arriving constantly
From the shores of eternity
Birds and bees and butterflies
Parade before my eyes
The never ending happening
Of the four winds changing direction
Nightfall stars sun rise again
Birdsong before the day begins
For some it’s like tight-rope walkin’
Blindfolded and shaking
On either side fear and pain
For some it’s like tight-rope walking
The never ending happening
Of war evermore and sore famine
Yearning for the day to be
When god will roll his stone away
The never ending happening
Of what ‘s to be and what has been
Just to be a part of it
Is astonishing to me

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Paul Kalkbrenner es DJ, músico y productor alemán. Actualmente se ha convertido en uno de los principales protagonistas de la música electrónica alemana y europea. Nació en Leipzig (Alemania) en 1977 y sus primeros contactos con la música fueron a través de sus estudios con la trompeta cuando tenía tan sólo ocho años. Tras la caída del muro de Berlín, Paul pudo considerar abrirse un espacio dentro de la cultura musical que se abría en aquel entonces con la reunificación. En su adolescencia ya había comenzado a trabajar en pequeños clubes de su ciudad natal y se sumergió de lleno en el ambiente musical nocturno de Berlín. En 1994 ya trabajaba como DJ para varios clubes de la capital alemana y como editor y técnico en redes de televisión para poder financiarse sus grabaciones propias de producción. Se bastó él solo para salir adelante en la industria musical electrónica. Lanzó su primer EP con el título de ‘Largesse’ para firmar posteriormente en 1999 con el sello Bpitch Control con el que publicaría otro titulado ‘Friedrichshain’ 2001. En 2004 publicó su disco homónimo. En 2005 lanzaría al mercado ‘Superimpose’. Después hizo su entrada en el mundo del cine, trabajando con el director Hannes Stohr en la película Berlin Calling, en la que Kalkbrenner desempeñó el papel protagonista, además de componer toda la música y ayudar al director en la puesta en escena de la película. También comenzó a trabajar como productor musical. Desde entonces ha publicado dos nuevos discos: ‘Icke Wieder’ (2011) y ‘Guten tag’ (2012). Su música es una mezcla de techno, minimal techno, house y IDM. Para sus directos utiliza un software sintetizador, un secuenciador con un controlador MIDI, sintetizadores de hardware y máquinas de beat. Sigue vinculado a Berlín y sigue viviendo allí. Aunque ya es famoso en toda la escena internacional electrónica por sus conciertos en los mejores festivales internacionales como Mayday, Nature One o Melt, entre otros.

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‘AZURE’

PAUL KALKBRENNER

Álbum: BERLIN CALLING (2008)

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Leonard Cohen

Publicado: 10 de agosto de 2013 en Música
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‘Aunque estoy convencido de que nada cambia,

 para mí es importante actuar como si no lo supiera’

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Está considerado como uno de los más fascinantes y enigmáticos cantautores de finales de los 60. Pero tras más de cuatro décadas de trabajo su audiencia ha ido aumentando progresivamente,  y tan sólo se han visto pausadas por breves interrupciones en la búsqueda personas de su exploración creativa. Pocos, muy pocos, pueden presumir de una carrera parecida y de un seguimiento similar. Leonard Cohen nació en septiembre de 1934 en Montreal (Canadá), en el seno de una familia judía de clase media. Su madre era de origen lituano y su padre de origen polaco. Con sólo nueve años tuvo que vivir la muerte de su padre. Desde muy joven se interesó por la literatura, y especialmente por la poesía. Uno de sus ídolos era Federico García Lorca. Con poco más de veinte años ya había publicado su primer poemario ‘Let us compare mythologies’. Pero con sólo trece años ya tenía una guitarra en su poder.

En 1961 publicó su segundo libro de poesía ‘The spice box of earth’, que se convirtió por sorpresa en un gran éxito de ventas. Consiguió varias becas y pudo sentirse auto suficiente y capacitado para viajar por medio mundo. Su experimentación en el mundo de la literatura le llevó a la novela, y publicó un par de ellas en la década de los 60: ‘El juego favorito’ (1963) y ‘Beautiful losers’ (1966), mientras seguía escribiendo poesía: ‘Flores para Hitler‘ (1964) y ‘Los parásitos del cielo‘ (1966). Pero durante todos esos años no dejó de escribir música. Su primer álbum se tituló ‘The songs of Leonard Cohen’ (1967), y ya detectaba su toque íntimo y personal, empapado de imágenes un tanto pesimistas y un espíritu de búsqueda y de descubrimiento continuos.

‘Con el poder mantenemos una relación ambigua:

sabemos que si no existiera autoridad nos comeríamos unos a otros,

pero nos gusta pensar que,

si no existieran los gobiernos,

los hombres se abrazarían’

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A pesar de ser un poco melancólico y lleno de tristeza fue un éxito inmediato. Consiguió llegar a un público masivo.  Pero no dejó de escribir y de seguir publicando. Su segundo álbum ‘Songs from a room’ (1969) profundizó todavía más en el terreno melancólico, con héroes solitarios y lleno de sensibilidades un tanto deprimentes, pero con mensajes disimulados como por ejemplo contra la tiranía. Igualmente fue recibido muy bien por crítica y público. Se descubrió como un cantante único, con un poder de escritura bestial y con influencia suficiente para una generación ardiente de creadores en un momento especialmente delicado. Creó un estilo particular y dejó simplemente que sus canciones y sus discos se fueran desarrollando a través del tiempo. Muchos de sus seguidores adoraban a otros como Bob Dylan, buscaban respuestas en frases impecables, en sonidos simples pero con profundidad.

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‘El amor no tiene cura,

pero es la única cura para todos los males’

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Su tercer álbum fue su consagración: ‘Songs of love and hate‘ (1971). Un disco poderoso, con letras profundas y un sonido conmovedor y minimalista. Para un adolescente de su época escuchar a Cohen podía suponer una preocupación para sus padres o la creación de una generación más inteligente y sensible ante los hechos que acontecían en la sociedad global. Ese disco le dio el título de autor de culto, intelectual y comprometido. Más de tres años hasta publicar su siguiente disco supuso un buen puñado de rumores sobre su posible sequía productiva. Pero en 1974 apareció ‘New skin for the old ceremony’ y todo volvió a su lugar de origen. Un sonido más lujoso demostrando ser capaz de mantener su propio estilo con reminiscencias pop pero sin dejar de lado su aroma triste y deprimente. Y en 1977 publicó su álbum más polémico: ‘Death of a ladie’s man’, un disco del que él mismo nunca se sintió orgulloso. Para enmendar eso publicó en 1979 ‘Recent songs‘, volviendo un poco a sus orígenes, mostrando una forma más atractiva y dinámica, hablando de amor y de vida, de relaciones y de amistad. En 1984 apareció ‘Various positions’, un álbum considerado espiritual que contenía la célebre ‘Hallelujah’. Cuatro años después cambiaría un tanto el rumbo tanto en su escritura como en su composición con ‘I’m your man’ (1988). Por primera vez el fondo de sintetizadores aparece en sus canciones.  Sus letras son más comprometidas. Se retiró a vivir a su Montreal natal, con 73 años reapareció para una gira mundial (2008). Cuando nada hacía presagiar que volviera al mercado,  en 2012 publicó ‘Old ideas’, considerada sin duda como la obra más madura, más íntima y más personal del escritor, del poeta y del cantante. En definitiva, una carrera larga y llena de sensaciones, una carrera para degustar como se merece y no dejar de escucharla jamás. Varios temas fueron principales durante toda su carrera: el amor, la religión y las relaciones de pareja. Metáforas poéticas y líricas, mezclas de pop con folk, una voz grave, pausada, llena de profundidad, una absoluta depresión artística que ha desatado pasiones. Gran escritor, habilidoso con las letras, con el juego de las palabras. Una carrera extensa, repleta de discos enormes y que influyó en la vida de muchas personas que crecieron junto a su música.

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‘Cualquier sistema que montéis sin nosotros será derribado.

Ya os avisamos antes y nada de los que construisteis ha perdurado.

Oídlo mientras os inclináis sobre vuestros planos.

Oídlo mientras os arremangáis.

Oídlo una vez más.

Cualquier sistema que montéis sin nosotros será derribado.

Tenéis vuestras drogas, vuestras pirámides, vuestros pentágonos, con toda vuestra hierba y vuestras balas ya no podéis cazarnos.

Lo único que revelaremos de nosotros es este aviso…nada de lo que construisteis ha perdurado.’

Cualquier sistema que montéis sin nosotros será derribado».


Hot Chip se formó en Londres (Inglaterra) a finales del año 2000. Más de una década produciendo sonidos y todavía no han conseguido dar con la tecla adecuada para conseguir ese ansiado éxito de ventas y de reconocimiento. Y durante todos estos años cinco álbumes han visto la luz en sus estudios. Su sonido es un pop fresco y moderno, cercano al sonido pop británico pero con matices propios. La banda fue formada por sus dos miembros principales: Alexis Taylor y Joe Goddard. Un par de años más tarde los otros tres miembros que colaboraban habitualmente pasaron a ser miembros oficiales del grupo: Owen Clarke, Felix Martin y Al Doyle. Tras unos inicios marcados por el estreno de varios álbumes auto editados firmaron por fin con la discográfica Moshi Moshi y pudieron comenzar su carrera oficialmente. El primer álbum se tituló ‘Coming on strong’ y apareció en 2005. Tras su salida, el líder de LCD Sounsystem, James Murphy, se interesó por ellos y los contrató para su discográfica DFA Records. Pero todavía fue mayor su éxito cuando un año después pudieron conseguir un contrato con EMI. Para aquel año apareció su segundo álbum ‘The Warning’ (2006), un disco que sí consiguió mayor repercusión que su estreno. De hecho, uno de sus temas y que sería el primer single (‘Over and over’) fue considerado Canción del Año 2006 por la revista británica New Musical Express (NME). Su éxito continuó con el estreno de su tercer disco ‘Made in the dark’ en 2008, alcanzando puestos altos en las listas británicas, tanto con el largo como con los sencillos. Dos años después apareció el que sería cuarto álbum ‘One life stand’ (2010), el cual se quedó un peldaño por debajo del anterior y hacía prever una caída de sus ingeniosos productos. Nada más lejos de la realidad al comprobar su excelente disco de 2012 ‘In our heads’. Un disco con producción propia y que se puede considerar su mejor álbum hasta la fecha sin ninguna duda. Su madurez musical ha tocado la cima. Las melodías y los ritmos cada vez enganchan más. Su sonido parece haber captado la idea. Taylor es el encargado de crear el ensueño, la belleza en pequeñas dosis. Goddard ofrece un tono más cansino, melancólico, una contraposición y un contraste. Ambos son capaces de crear atmósferas particulares alrededor de su sonido tan personal. Un buen ejemplo de grupo que va mejorando con los años y que con su trayectoria vamos comprobando su mejoría. Y un buen ejemplo de que su estética no entra dentro de los estereotipos establecidos y que sólo importa la creación en sí. Sólo queda esperar que el ritmo continúe igual para saborear sus siguientes discos.

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‘THESE CHAINS’

HOT CHIP

Álbum: IN OUR HEADS (2012)

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My love is kind to you
My love is blind for you
My love is right for you
I know it is, my boo
I save my eyes for you
I save my sight for you
I save my ears you
Do you hear me, my boo?

These chains you bound around my heart complete me, baby
I would not be free
These chains you bound around my heart complete me, baby
I would not be free

Explain the ball around my heart
It’s not chain since we first made our start
Explain the ball around my heart
It’s not chain since we first made our, we first made our

These chains you bound around my heart complete me, baby
I would not be free

These chains you bound around my heart complete me, baby
I would not be free
These chains you bound around my heart complete me, baby
I would not be free

***

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Christopher Francis Breaux Ocean nació en octubre de 1987 en Long Beach, California (EEUU), pero su nombre artístico es Frank (Francis) Ocean. Un cantautor hecho a sí mismo que comenzó a ser famoso escribiendo canciones para Beyoncé, John Legend o Brandy, entre otros muchos. Hasta que en 2010 se unió al colectivo de hip hop alternativo conocido como OFWGKTA (Odd Future), y comenzó a grabar lo que serían sus primeros sencillos, uno de ellos consiguió un éxito tremendo: ‘Novocane‘. A partir de ahí la crítica se rindió a su talento y otros muchos cantantes famosos quisieron que colaborara con ellos, como por ejemplo Jaz Z o Kanye West. En febrero de 2011 apareció su primer álbum de estudio titulado ‘Nostalgia, Ultra’, considerado uno de los mejores lanzamientos del año, y en verano de 2012 lo que sería su álbum estrella hasta el momento: ‘Channel Orange’. Tuvo más repercusión su declaración sobre su sexualidad que su música. Tras los múltiples rumores sobre sus gustos reconoció abiertamente que era bisexual y que estaba enamorado de alguien de su mismo sexo, un hecho que no había ocurrido antes entre cantantes negros de hip hop, un mundo denunciado durante largos años por sus expresiones de homofobia. Aunque nació en la costa oeste norteamericana su familia se trasladó a vivir a Nueva Orleans cuando el pequeño Francis tenía sólo cinco años. Su infancia se desarrolló entre música de jazz. La destrucción de su estudio de grabación en 2005 debido al huracán Katrina provocó que se trasladara a Los Ángeles (California). Su idea era integrarse en la industria musical y desarrollar una carrera musical propia.

 “Hubo un punto en que estaba componiendo para otras personas,

y que podría haber sido cómodo seguir haciéndolo y disfrutar de ese flujo de ingresos y del anonimato,

pero no es por eso que me mudé lejos de la escuela y fuera de la familia”

***

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‘PYRAMIDS’

FRANK OCEAN

Álbum: CHANNEL ORANGE (2012) 

***

Set the cheetahs on the loose
There’s a thief out on the move
Underneath our legion’s view
They have taken CleopatraRun run run come back for my glory
(Cleopatra, Cleopatra)Bring her back to me
(Cleopatra, hey oh Patra ehh ehh Cleopatra)

Run run run the crown of our pharaoh
(Cleopatra, Cleopatra)

The throne of our queen is empty
(Hey oh’ Patra, Cleopatra)

And we’ll run to the future
Shining like diamonds in a rocky world
A rocky, rocky world
Our skin like bronze and our hair like cashmere
As we march to the rhythm
On the palace floor
Chandeliers inside the pyramid
Tremble from the force
Cymbals crash inside the pyramid
Voices fill up the halls

Set the cheetahs on the loose
There’s a thief out on the move
Underneath our legion’s view
They have taken Cleopatra, Cleopatra

The jewel of Africa
(Jewel)
What good is a jewel that ain’t still precious
How could you run off on me?
How could you run off on us?
You feel like God inside that gold
I found you laying down with Samson
And his full head of hair
Found my black queen Cleopatra
Bad dreams Cleopatra

Remove her
Send the cheetahs to the tomb
Our war is over, our queen has met her doom
No more she lives, no more serpent in her room
No more, it has killed Cleopatra, Cleopatra

Big sun coming strong through the motel blinds
Wake up to your girl for now let’s call her Cleopatra, Cleopatra
I watch you fix your hair
Then put your panties on in the mirror, Cleopatra
Then your lipstick, Cleopatra
Then your six inch heels
Catch her
She’s headed to the pyramid

She’s working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight

Pimping in my convos
Bubbles in my champagne
Let it be some jazz playing
Top floor motel suite, twisting my cigars
Floor model TV with the VCR
Got rubies in my damn chain
Whip ain’t got no gas tank
But it still got woodgrain
Got your girl working for me
Hit the strip and my bills paid
That keep my bills paid
Hit the strip and my bills paid
Keep a nigga bills paid

She’s working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid

You showed up after work I’m bathing your body
Touch you in places only I know
You’re wet and you’re warm just like our bathwater
Can we make love before you go
The way you say my name makes me feel like
I’m that nigga
But I’m still unimplored
You say it’s big but you take it
Ride cowgirl
But your love ain’t free no more, baby
But your love ain’t free no more

She’s working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
That’s right
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight
Working at the pyramid
Working at the pyramid tonight

***

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Lanzaron su primer sencillo a finales de 2006 para firmar con la discográfica Domino Records justo después. Tres álbumes después ya se han consolidado como una de las nuevas bandas británicas del momento. Sonidos frescos, melancólicos, melódicos y tiernos para una mezcla de espacios alternativos. Hayden Thorpe (voz y guitarra) y Ben Little (guitarra) se conocieron en 2002 y fundaron el dúo Fauve. Dos años después se unió a ello Chris Talbot (batería) y el grupo ya cambió el nombre al actual. Wild Beasts enroló finalmente a su cuarto miembro, Tom Flemming (bajo). Fue justo entonces cuando la banda se trasladó desde Kendal hasta Leeds (Reino Unido). Su álbum de debut ‘Limbo, Panto’  se lanzó en verano de 2008, y según la revista musical NME calificaron a la banda como una de las diez bandas con mejor futuro. El álbum tuvo muchos adjetivos pero destacaron algunos como sorprendente, divertido e irrevocable. Son creativos, con toques exóticos, excitantes y fascinantes. Desde que se abre el álbum se va descubriendo un espacio diferente. Mezcla de sonidos perfectos. Y aunque para muchos esta banda es el complemento a la voz y al talento de Thorpe hay mucho más. Evoca cabaret, un pop de cámara bien definido, una delicadeza suprema. Una banda que experimenta con su propio sonido y que no se deja nombrar como una banda más del momento. Su sencillo ‘The devil’s crayon’ fue un éxito absoluto de crítica, ventas y público. El segundo álbum ‘Two dancers’ apareció en 2009. Una obra más pulida, más perfeccionada. Es una continuación de su debut, sin abandonar el estado teatral de su obra. Quizá el sonido de las guitarras es mayor y la percusión gana en potencia. Pasaron la prueba del segundo álbum. Usaron reminiscencias hedonistas con sus letras y la melancolía seguía intacta. Quizá para muchos puede ser una música un tanto contradictoria pero no deja de ser una banda experimental con una mentalidad muy abierta artísticamente. Y su tercer álbum ha confirmado lo que ya se sospechaba. Sus desarrollos musicales siguen en aumento. ‘Smother’ (2011) parece un título totalmente perfecto para el conjunto del disco. Se evocan gritos ahogados, gemidos que asfixian y que susurran a la vez. Se captura toda la pureza y la crueldad del sonido. Siguen sabiendo expresarse como desean, con pasión, sin decepcionar. Y seguramente lo continuarán haciendo.

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‘LION’S SHARE’

WILD BEASTS

Álbum: SMOTHER (2011) 

***

I find you hidden there a veiled creature of the deep,
Waifish as a widow and without sufficient sleep,
Oh what am I supposed to think?
Do I pull you out or let you sink?

I wait until you’re woozy, I lay low until you’re limp,
I take you in my mouth like a lion takes his game,
I love you all the more for every fault,
They’re how I’d gotten in, they’re how I cracked the vault

Cause it’s a terrible scare,
But that’s why the dark is there,
So you don’t have to see what you can’t bear,
The lion’s share

Lion’s share,
I took the lion’s share,
Not cause I didn’t care,
Just cause I knew it was there
[x2]

Boy what you running from?… Boy?
Boy what you running from?… Boy?

Cause it’s a terrible scare,
But that’s why the dark is there,
So you don’t have to see what you can’t bear,
The lion’s share

Boy what you running from?… Boy?
Boy what you running from?… Boy?

Cause it’s a terrible scare,
But that’s why the dark is there,
So you don’t have to see what you can’t bear,
The lion’s share

***

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Allah-Las es una banda de rock de Los Ángeles, California (EEUU) y que se formó oficialmente en 2008. Sus componentes son Miles Michaud (voz y guitarra), Spencer Dunham (bajo), Pedrum Siadatian (guitarra) y Mateo Correia (percusión). Comenzaron su andadura profesional con un sencillo titulado ‘Catamaran’ en 2011, para posteriormente continuar con otro sencillo titulado ‘Tell me’ (2012). Muchos críticos han intentado situarlos en medio de las influencias de muchos grupos musicales de los 60 y 70. La lista de bandas que parecen ser la inspiración no deja de crecer y de sorprender. Lo cierto es que su primer sencillo fue nombrado como uno de las mejores canciones del año. Justo antes de salir al mercado su primer álbum homónimo en septiembre de 2012, el cual llevaba la misma producción de Nick Waterhouse, quien les había producido los primeros sencillos. El disco ha sido una grata sorpresa para la inmensa mayoría del público. Un disco catalogado como un tesoro perdido que ha sido descubierto debajo de la arena con un brillo perfecto, mezcla sublime de música rock clásica pero lleno de melancolía y con un encanto insuperable. Al ser el grupo de California, la comparación con todos aquellos grupos de la época dorada del rock de la costa oeste no se dejó de escuchar. Un disco romántico, soñador, con evoluciones constantes hacia sonidos reales y naturales, espontáneos  y llenos de vida. Un disco natural y real. Un disco a la altura del actual momento californiano. Sonidos de un rock de garage auténticos, con aires psicodélicos de los 60, combinando armonías y ganchos pop al estilo británico, un escenario trippy de la Costa Oeste norteamericana. Una obra maestra de melancolía que no olvida su esencia, un repertorio digno de elogios que profundiza en ambientes oscuros con canciones que se desean escuchar nuevamente y sin pausa. Unos arreglos excelentes creando atmósferas envolventes para soñar sin parar. Un gran disco que merece la pena degustarse con calma y tantas veces como sea necesario.

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‘NO VOODOO’

ALLAH-LAS

Álbum: Allah-Las (2012) 

***

Look through you,
‘Cause i could get there
Look to you,
‘Cause i thought we went there

But I’m not like the kind that you had before
Not gonna run to that open door
Not gonna try to get what i was givin’ (or: what i wasn’t givin’)

But i can see that you long for yourself
I can tell,
That you need to belong on a shelf
Time goes by,
As you sit here & wait in your room
I can feel,
That you need someone close real soon.

Done a lot for you,
Like the time before
When i came right through (?)
……. (?)
Spent a lot of time
Just to get your name
You were a friend of mine
Thought you felt the same.

But i can see that you long for yourself
I can tell,
That you need to belong on a shelf
Time goes by,
As you sit here & waste in your room
I can feel 
That you need someone’s touch so soon.

Done a lot for you

***

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Joe Goddard y Raf Rundell fundaron su proyecto musical en 2009 con el nombre de The 2 Bears. La idea de los dos era crear un concepto de mezclas de estilos, donde se incluirían el rap, el house, el soul y la música electrónica. Su sonido es difícil de clasificar pero engancha. Muchos críticos han bautizado su música como pop-hip-house, o house-step. Sea lo que sea ha recibido el apoyo de grandes DJs de su ciudad (Londres, Reino Unido). También se han ganado una reputación en su ciudad produciendo remezclas para otros DJs ya consagrados. Se conocieron y con la idea de un tercer amigo que propuso el proyecto de una banda denominada The 3 Bears se originó finalmente con la unión de sólo dos de ellos. Un EP de presentación ya amenazaba con ser un éxito. Eso les llevó a publicar otros dos EPs seguidos en 2010 y 2011. El esperado disco de debut llegó en enero de 2012 con el título de ‘Be Strong’. El éxito fue inmediato en su país, llegando a las listas de Estados Unidos unos meses después. Sus mezclas son pegadizas y la combinación de sonidos es perfecta. No deja indiferente y muestra la frescura y las ideas de las que disponen. Un gran disco que sirve para distintos momentos del día como para mover el cuerpo en las pistas de baile. Porque es un disco hecho para escuchar y bailar al mismo tiempo. Una esencia de baile que emana de los clubes de Londres, pero también de Jamaica y del Caribe, de Detroit y de Chicago. Logran unir sus mensajes personales con voces agradables y sonidos deliciosos.

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‘HEART OF THE CONGOS’

THE 2 BEARS 

Álbum: BE STRONG (2012)

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El tango

Publicado: 1 de junio de 2013 en Música
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Tango

“No basta con tener la voz más melodiosa para entonar un tango.

No.

Hay que sentirlo, además.

Hay que vivir su espíritu”

(Carlos Gardel) 

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El tango se originó dentro de la fusión cultural que se creó entre inmigrantes europeos (españoles e italianos), esclavos africanos y nativos de la región del Río de la Plata, en la confluencia entre Argentina y Uruguay. Su esencia era cien por cien urbana, culturalmente hablando. Un argumento del mestizaje cotidiano de la época rioplatense a partir de las últimas décadas del siglo XIX. Tiene muchísimas variedades en cuanto a sus formaciones musicales se refiere, aunque los instrumentos más utilizados desde sus inicios han sido las guitarras, el bandoneón, el piano y el contrabajo. Y en muchos casos las orquestas de tango estaban compuestas por un sexteto habitual.

Quizá el bandoneón es el instrumento que le caracteriza. Un instrumento de viento, de forma rectangular, diseñado originariamente en Alemania y que según la leyenda parece ser que se diseñó como órgano portátil para tocar música religiosa, de ahí que su sonido sea un poco melancólico. El instrumento arribó al Río de la Plata de la mano de marineros y de inmigrantes y fue adoptado rápidamente por los músicos de la época locales. Hoy es considerado uno de los símbolos del tango. Parece ser que su diseñador fue Carl Friedrich Uhlig sobre 1830 y mejorado por Carl Zimmermann en 1849. Su nombre se debe a Heinrich Band, quien fue una de las primeras personas en dedicarse a comercializarlos. Al músico que lo toca se le denomina bandoneonista.

“El tango es un pensamiento triste que se baila”

(Enrique Santos Discépolo)

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Una curiosidad del tango es que muchas de sus letras están compuestas basándose en un argot local denominado lunfardo. Realmente es una jerga que se originó y se desarrolló en la capital argentina y todo su cono urbano. Desde allí se extendió rápidamente a ciudades cercanas y a provincias más lejanas, así como a diferentes ciudades de Uruguay, en especial, a su capital Montevideo. De hecho, la situación socio cultural de ambas ciudades (Buenos Aires y Montevideo) era bastante similar, debido principalmente a que la inmigración europea fue la misma para los dos países.

En principio, esta jerga era utilizada por los delincuentes, para pasar luego a formar parte de las clases bajas. Con el tiempo, muchos de sus vocablos se introdujeron en la misma lengua popular de la población mayoritaria y se mezcló con el castellano. A principios del siglo XX, el lunfardo ya estaba difundido por todas las clases sociales y muchos años después se introdujo en países vecinos como Chile, Paraguay o Bolivia.

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“El tango está lleno de despedidas”

(Ramón Gómez de la Serna)

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Si nos detenemos en el origen del término parece provenir de algunos países africanos y podría ser de la palabra ‘tamgú’, que significaría ‘tambor’ o ‘bailar al son del tambor’. Lo único que se sabe con certeza es que en el siglo XIX en las Islas Canarias y en algunos otros puntos del continente americano, la palabra ‘tango’ significaba reunión de negros para bailar al son del tambor’. Pero los significados para la palabra se hicieron muy numerosos. Para los traficantes de esclavos españoles la palabra quería decir el lugar donde se encerraban a los esclavos, y también al lugar donde se les vendía. Y para los esclavos significaba espacio cerrado o privado donde había que pedir permiso para entrar. El diccionario de la lengua española, en su edición de 1899, definía el término ‘tango’ como una fiesta y danza de negros o de gente del pueblo en América. Pero en la edición de 1925 ya se definía como una danza de alta sociedad importada de América a principios del siglo XX. Un ejemplo claro de que el tango pasó de ser de clase baja a ser de clase alta.

Pero justo después de la Primera Guerra Mundial, el tango se expande a Europa, concretamente a Francia y a su capital París. Comienza a sonar ese sonido que provenía de burdeles y de barrios bajos con un nuevo aporte de músicos más y mejor preparados, incorporaciones de letras más centradas en el paisaje de suburbio, de infancia y de amores perdidos. Durante esa época precisamente es cuando apareció en escena uno de los mitos y símbolos del tango. Carlos Gardel, aunque nacido en Francia, se naturalizó argentino. Fue cantante, compositor y actor de cine, su fama se expandió por todo el mundo, y todavía hoy es un icono del tango y de su historia. Muchos de los temas que interpretaba eran compuestos por él mismo y muchas de sus letras eran escritas por el poeta y amigo Alfredo Le Pera.

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La lista de cantantes simbólicos como de músicos se ha hecho eterna con el paso de las décadas. Quizá la década de oro del tango fue la de los 40. Fueron tiempos donde el tango era cosa de locales de moda y de lujo. Una mezcla de letras de barrios bajos entre gente de clase alta. Aparecieron las grandes orquestas y los cabarés del momento llenaban sus aforos con espectadores ansiosos por disfrutar de esa música. Pero quizá después hubo un momento en que el tango no supo desarrollarse dentro del paso del tiempo. Y no fue hasta la década de los 60 y 70, con la aparición de nombres como Ástor Piazzolla u Horacio Ferrer, cuando se decide por una renovación a fondo del género. Ya en los 50 hubieron músicos innovadores, se trataba de ajustar nuevas sonoridades y temáticas.

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“La música es más que una mujer,

porque de una mujer de puedes divorciar,

pero de la música no.

Una vez que te casas,

es tu amor eterno,

para toda la vida

y te vas a la tumba con ella encima”

(Ástor Piazzolla)

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Pero fue Piazzolla quien alternó sus dos pasiones, la música de tango con la música clásica. Su motivación fue la fusión musical desde las influencias más diversas. Introdujo armonías disonantes y bases rítmicas intensas y nerviosas que produjeron una auténtica transformación radical del género. Lógicamente esa innovación trajo defensores y detractores. Conservadores tradicionalistas y renovadores se pusieron manos a la obra para criticar o alabar el trabajo de Piazzolla. Y también introdujo la renovación instrumental del tango, incluyendo instrumentos hasta entonces inéditos como la guitarra, el bajo, los teclados o el sintetizador. También incluyó el saxo o la batería. Desde los ochenta, la fusión del tango con nuevos estilos no ha dejado de crecer. Una de las más utilizadas ha sido la unión entre el jazz y el tango, pero también con el rock, el pop o la electrónica. De hecho, la fusión con la música electrónica ha sido un fenómeno muy creciente y que ha puesto al tango en un panorama nuevo de difusión mundial.

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Grimes es el nombre artístico de Claire Boucher, una cantante y artista nacida en Vancouver (Canadá) en 1988. Su música se basa en lo que experimenta a través de sus sintetizadores y de su voz. Su paso por la escuela fue tan poco productivo que decidió dedicarse a lo que más le gustaba y a lo que ella creía que sabía hacer. Y se mudó a Montreal (Quebec) donde formó Grimes, su proyecto personal y musical. Para muchos críticos su música entra en lo que se denomina sonido gótico electrónico, o ‘witch house’ o ‘grave wave’. Su primer trabajo fue ‘Halfaxa’, lanzado al mercado en 2010, que le sirvió para situarse en el ambiente electrónico del momento. En 2011 publicó ‘Darkbloom’ y ‘Geidi Primes’ para conseguir de esa forma la firma de un contrato con un sello británico para publicar en 2012 el que ha sido hasta la fecha su mejor trabajo: ‘Visions‘ (2012). Su estilo es muy determinado. Voces tenues entre beats de sonido para alimentar las ganas de bailar o de escuchar, según el estado de ánimo de cada uno. Ambiente pop psicodélico con esencia electrónica por todos los lados. Un disco fascinante repleto de elogios por parte de toda la crítica que le ha servido para ganar adeptos y fans por todo el mundo. Y con la edad que tiene y su talento poco extrañaría que en el futuro nos siguiera sorprendiendo de manera brillante.  

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‘BE A BODY’

GRIMES 

Álbum: VISIONS (2012)

***

I close my eyes until I see
I don’t need hands to touch me
Be a Body

I lean on walls until I stand
I touch my face with my hand
Be a Body

So then what am I?
Be a Body

***

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“En la música
todos los sentimientos vuelven a su estado puro
y el mundo no es sino música
hecha realidad”
(Arthur Schopenhauer)
***
Aunque nació y se crió en los suburbios de Nueva Jersey, su voz y su música explora y recorre todos los paisajes que nuestra mente pueda ser capaz de imaginar. Sharon Van Etten fue estudiante de un coro de música durante su infancia, pero cuando era estudiante de secundaria comenzó a escribir canciones acompañada de su guitarra. Se mudó primero a Tennessee para estudiar en la Universidad local y donde descubrió muchas influencias musicales que le comenzarían a marcar como artista y compositora. Más tarde se trasladaría a vivir a Nueva York y comenzaría su trayectoria dentro del mundo de la música con algunos conciertos locales. Su debú fue con el álbum ‘Because I was in love’ en la primavera de 2009. La intimidad se reflejó en todo su trabajo inicial. Se presentaba como una cantante de ambientes folks e indie-pop, junto a la compañía de una guitarra acústica, un teclado y unas armonías elegantes. Sus letras estaban dirigidas a la angustia y a la incertidumbre. La nostalgia se escuchaba en cada tema. En uno de esos temas se autodeclara como ‘el premio de consolación de un amante’. Pero se descubrió a una Sharon muy fiable y segura en sus conciertos y con un gran talento por explotar. No se podría catalogar su primer álbum como de folk puro porque desprende notas de muchos estilos paralelos pero su esencia estaba clara. Su segundo álbum, ‘Epic’, apareció en el mercado en septiembre de 2010. Quizá fue la lanzadera necesaria para ser conocida más allá de sus fronteras. Fue un disco que ofrecía nuevos estímulos y un trato y producción inmejorables. Se rodeó de buenos músicos de estudio, una banda de rock tradicional para dar rienda suelta a sus melodías y letras. Su voz destacaba por encima de todo. Su seña de identidad sin duda. Ya muchos la comenzaron a comparar con otras estrellas emergentes y otras consolidadas como Neko Case, Kristin Hersh o Carlile Brandi. Seguía tocando temas de angustia, pena y fracaso, pero su esfuerzo era mayor y seguía creciendo como compositora. Durante el año siguiente colaboró con el grupo The National en su gira de conciertos dando su aportación con sus voces y guitarra. También colaboró con otros grupos como The Walkmen, Beirut o Atlas Sound. Y para la grabación de su tercer disco tuvo el apoyo de distintos músicos. ‘Tramp’ da a las guitarras otro sonido más envolvente y agudo. Por momentos rugen y envuelven el panorama de todo el disco. Sigue presentando baladas enormes pero ya acentúa que su talento está en su mejor momento. Ha crecido como artista y como músico y este disco lo demuestra. Es sin duda su mejor trabajo, aclamado por crítica y público. Un destello de estilo y de arte. Grandes temas que dan un colorido celestial a todo el trabajo. Ahora habla de la traición, de la dependencia y de la libertad emocional. Un amor que es desamor pero que dicta sentencia. Una belleza sublime. Y confirma lo que se sospechaba…sigue creciendo y dará grandes sorpresas en el futuro. Pero este último disco es buena prueba de lo que es capaz de componer y de hacer.

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‘SERPENTS’

SHARON VAN ETTEN

Álbum: TRAMP (2012) 

***

It was a close call, 

Sitting in the back of the room with the boy …get on
But they didn’t know, 
Closing on my back, I feel safe at times
Certain emblems tell me it’s time

Serpents in my mind, looking for your cries
Everything changes
I don’t want life to this time

You enjoy sucking on dreams, 
so I will fall asleep
with someone other than you, 
I had a thought, you would take me
Seriously and listen up

Serpents in my mind, 
I am searching for your cries
Everything changes, in time you’ll stay, frozen in time
…ing girls, controlling minds
You hold the mirror, to everybody else 

Serpents in my mind, trying to forgive
Your cries 
Everyone changes, in time
I hope he changes, this time.

***

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The Temper Trap comenzó a construir su audiencia en Melbourne (Australia), donde el grupo tenía su residencia y donde creó poco a poco un gran éxito local. Corría el año 2006. El famoso productor Jim Abbiss vio el posible éxito del grupo y voló hacia Australia, reunió a todos los componentes y les ayudó a tener listo su primer álbum para el año 2009. Su título fue ‘Conditions’. A partir de ahí, el salto hacia otros continente sólo era cuestión de tiempo. Su estilo era un rock indie con sonido atmosférico, guitarras acústicas y un gran conjunto de ritmos. Y destacaba la voz de su cantante por encima de todo. Su primer sencillo, ‘Sweet disposition’,  fue un gran inicio en el mercado. La banda está formada por Dougy Mandagi, de origen indonesio y cantante, Jonathon Aherne (bajo), Lorenzo Sillitto (guitarra y teclado), Toby Dundas (batería). Se les ha comparado por su estilo a bandas como Radiohead, Massive Attack o Coldplay. Su primer disco les hizo desembarcar en suelo británico donde se rindieron a su sonido. Su primer single alcanzó el número seis de las listas británicas y fueron elegidos por la BBC como uno de los 15 sonidos del 2009. Comenzaron a recorrer conciertos clásicos del mapa británico para después lanzarse a por el mercado norteamericano. En 2012 lanzaron al mercado su segundo álbum titulado como el nombre del grupo pero con la producción de Russell Fawcus. Los primeros sencillos en aparecer fueron ‘Need your love’ y ‘Trembling hands’. Aquí ya se ve claramente cómo el grupo se ha apoyado en la guitarra de Sillitto para inspirar el núcleo de sus temas junto a la voz de Mandagi, que algunos han calificado de angelical. Cierto es que su poder estético es enorme, atrapa sin prácticamente oponer resistencia. Nos ofrecen temas melancólicos, con aromas de sintetizador y teclados subliminales. Una banda que va a más y que sigue desarrollando su propio sonido.

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‘THE SEA IS CALLING’

THE TEMPER TRAP

Álbum: THE TEMPER TRAP (2012)

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At night when it’s quiet and the waves come rolling in,
The merchant ship’s light paints the dark as we sing hymns
To one who is great, whom but words cannot be seen
When all left is love, there will be no in betweenTucked in the corner of Earth
Naked in light we are birthed
Oh, can you hear the sea calling?
Calling us into the worldA distance from grace, we shall toil with our days
And take home the dirt that has rendered us as slaves
Our mothers will cry, is there something in the sky?
We know we are present here, but may never know why

Tucked in the corner of Earth
Naked in light we are birthed
Oh, can you hear the sea calling?
Calling us into the world

Tucked in the corner of Earth
Naked in light we are birthed
Oh, can you hear the sea calling?
Calling us into the world

Tucked in the corner of Earth
Placed on the wayside at birth
Down on the open road
Making our way back home

Tucked in the corner of Earth
Naked in light we are birthed
Oh, can you hear the sea calling?
Calling us into the world

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Kelly Hogan se ha movido por diferentes estilos musicales durante toda su carrera artística. Esta cantante y compositora originaria de Georgia (EEUU) ha explorado diversas concepciones y panoramas musicales. Desde el mismo jazz y el blues, al pop y rock más indies. A comienzos de la década de los 90 cantó junto a The Grind Jody. Dos de los miembros del grupo murieron trágicamente en un accidente de coche y el grupo se disolvió. Cuando ya corría 1996 apareció su primer álbum titulado ‘Whistle only dogs can hear’. Apostaba por una serie de canciones teñidas de su país y de su rock más melancólico, poniendo de relieve su voz. Colaboraron en este estreno Vic Chesnutt y Will Oldham. Una agradable sorpresa que presagiaba mejores momentos. Pero tardó cuatro años en aparecer su segundo álbum titulado ‘Beneath the country underdog’ (2000). Para aquel entonces ya se había mudado a Chicago y se había adentrado definitivamente en la escena del country moderno aunque trabajó durante mucho tiempo como camarera. Este disco ayudó a confirmar su talento y también dejaba colaboradores de la talla de Pine Valley. Combinó perfectamente el R&B, pero dejaba claro que su apuesta era la mezcla personal de estilos. Su voz es el centro neurálgico de sus temas y todo pasa por ella. Muchos ya la definían como una de las mejores vocalistas blues-country del momento. En 2001 apareció ‘Because it feel good’. Para muchos era más de lo mismo, pero mostraba aspectos más sólidos y más expresivos que en los dos anteriores. Ya se hacía más difícil encasillarla musicalmente hablando. Se asoció esta vez con estupendos músicos del aérea de Chicago. El resultado fueron patrones de guitarra, percusión retumbante y su siempre deliciosa voz imperando en el ambiente. Parecía engullirse en aspectos más tradicionales pero intentando alejarse de las fórmulas típicas del country. Se mudó a Wisconsin, trabajó a tiempo completo para el proyecto de Neko Case y siguió a partir de entonces colaborando con distintos proyectos en la zona de Chicago. Junto a Case colaboró en el álbum de Jakob Dylan ‘Women and country’. Y entre tantas colaboraciones parecía que no se iba a dedicar nunca más a su experiencia personal. Pero como declaró recientemente, ‘le gusta mantenerse en el dolor’. Pidió colaboración a un grupo de músicos favoritos para su siguiente proyecto y en 2012 publicó el que posiblemente sea su mejor trabajo hasta la fecha: ‘I like to keep myself in pain’ (2012). El resultado es estelar, un triunfo sin duda para su calidad y su talento. Destaca su voz fantástica y maravillosa pero acaba convenciendo a todos sus seguidores de forma total y acapara la atención de muchos que todavía no la habían descubierto. Tenemos una muestra de su gran amor por el country, pero también por el blues, por el R&B y por el pop con mayúsculas. Un disco perfecto por el cual ha merecido la pena esperar más de diez años.

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‘WE CAN’T HAVE NICE THINGS’

KELLY HOGAN

Álbum: I LIKE TO KEEP MYSELF IN PAIN (2012)

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Welcome to our humble home, we can’t you invite you in
Cause someone’s gone and made a wreck of everything again
Like this coffee table footrest where the whisky glass leaves rings
and i guess we just can’t have nice things

The phone must not be working cause you haven’t called me yet
the chair that i wake up has been burned by cigarettes
I tell myself it’s only smoke that suffocates and clings
And I guess we just can’t have nice things

Step around the wedding presents we’re returning to the store
the lamp inside the window isn’t burning any more
The mirror only shows me someone else’s face it seems
And I guess we just can’t have nice things

A teardrop on each pillow here, a hole in every wall
Still I’d rather these things than have nothing

Keep the bedroom door shut just to hide our broken dreams
It’s where we tried to rise up on our torn and tattered wings
The vows have lost their meaning and memory only stings
And I guess we just can’t have nice things
No I guess we just can’t have nice things

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Robert Dwayne Womack, más conocido como Bobby Womack, nació en marzo de 1944 en Cleveland, Ohio (EEUU). Cantautor, músico y productor musical. En activo desde comienzos de la década de los 60, como cantante y como guitarrista. Una carrera de más de 40 años navegando por distintos estilos musicales. Desde el R&B hasta el soul, pasando por el rock, pop, country, funk, gospel o jazz. Una leyenda viva que consiguió al fin su éxito personal en su carrera, gracias a su perseverancia y sobreviviendo en esta industria tan competitiva. Capaz de destacar como cantante, compositor y productor. Sus inicios estaban repletos de soul, pero ha sabido adaptar su toque personal, añadiendo buenas muestras de su propia reinterpretación de la música tal y como él la ha entendido. Ha colaborado con los más grandes durante todos estos años. En 1969 debutó en solitario con el disco ‘Fly me to the moon’ y han pasado cuatro décadas y casi treinta discos para lanzar al mercado su álbum ‘The bravest man in the Universe’ (2012) con lo que ha demostrado un abanico de posibilidades musicales en sus manos. Un gran maestro de estilos. Innovador, enemigo de los encasillamientos, sigue buscando fórmulas que le atraigan. Y sigue disfrutando haciendo música. Y nosotros disfrutando con ella. Tras aventurarse junto a Damon Albarn en 2010 en su proyecto Gorillaz’s, ganó inspiración tras más de diez años en silencio y volvió a la carga. Contó con la colaboración de Albarn para su nueva apuesta, además de Harol Payne y Russell. Cada uno aportó su granito de arena. El resultado es un disco fabuloso, sorprendentemente moderno para un artista como Womack pero repletos de poesía, arte y fascinación. Ritmos de ahora, melodías profundas y adornos electrónicos justos y precisos y, sobre todo, su gran voz, destacando por encima del resto. Al contrario de lo que se podría suponer, este disco no es ni tranquilo ni espeso. Su pasado está presente, pero en forma actual. La nostalgia se adivina pero se transforma, para salir reforzada. Se afirma el poder de la vida, de la música y del tiempo. Un desorden maravilloso puesto en oídos de los privilegiados que consigan disfrutarlo.

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‘STUPID’

BOBBY WOMACK

Álbum: THE BRAVEST MAN IN THE UNIVERSE (2012)

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Preacher is preaching
How you should live
Instead of teaching
With the love they give
They ask for money
In the name of the Lord
And they line their pockets; keep coming back for more
Dragging you down
Chipping away
Misleading you all with the things they say
What they feed you
Strive to believe
Giving you just enough to make you needy
By the time you wake up they’re already gone
Looking for the next fool to come along

Dragging you down.
Chipping away
Misleading you all with the things they say
Shatters your world
Spoiling your mind
Keeping your heart
Prayer divine

Dragging you down
Chipping away
Misleading you all with the things they say
Shatters your heart
Foiling your mind
Prayer divine

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Dire Straits

Publicado: 24 de enero de 2013 en Música
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“La música sólo tiende a ser

un vehículo para que la poesía fluya”

(Mark Knopfler)

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Dire Straits (Una situación desesperada) aparecieron a finales de la década de los 70, en plena era del post-punk británico. Aunque su sonido poco o nada tenía que ver con ello. Quizá su origen se debía más bien a esos sonidos de rock de local, de pub inglés, de banda que se reúne para tocar los fines de semana en alguno de los miles de locales donde se puede escuchar música en el Reino Unido. Una tradición que sigue estando vigente. Se inspiraron en la melancolía pero también en un sonido definido, limpio y claro, que sonaba fresco aunque conocido, emergiendo en un momento en que la mayoría buscaba otras fórmulas de experimentación.

Tenían un líder y era evidente. El guitarrista y vocalista Mark Knopfler supo echarse a las espaldas todo el proyecto. Supo calibrar magistralmente las dosis precisas de rock, de blues, de jazz y de folk para construir melodías que se celebraron por todas partes. Un sonido de culto que no puede ni debe pasar de moda. También supo incorporar buenas letras, con reminiscencias ‘dylanianas’ pero que completaban a la perfección todas sus grabaciones. Evidentemente, la música del grupo fue desarrollándose de forma lenta pero segura. Y con cada nueva grabación se iba distanciando de los primeros sonidos pero siempre llevando su sello personal.

La banda se convirtió en un emblema de la generación musical de los ochenta, junto a otros nombres similares como Génesis, Clapton o Winwood. Mark Knopfler nació en agosto de 1949 en Inglaterra. Hijo de arquitecto decidió estudiar literatura inglesa en la Universidad de Leeds mientras colaboraba ocasionalmente como crítico de rock en la revista de la misma ciudad ‘Yorkshire Evening Post’. Una vez terminada su carrera se hizo profesor de inglés e hizo sus primeros pinitos musicales con una banda que no llegó a cuajar. Para aquel entonces se valía de la colaboración de su hermano David Knopfler (guitarrista), del bajista John Illsley y el batería Pick Withers. Grabaron una pequeña maqueta que llegó a oídos del DJ londinense Charlie Gillett. Consiguieron ser la banda telonera del grupo neoyorquino Talking Heads y su primer contrato con una discográfica (Vertigo). Su primer éxito fue el single ‘Sultans of swing’ que triunfó tanto en el Reino Unido como en EEUU.

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Su primer álbum homónimo también fue todo un éxito. Ese primer single ayudó a que se conocieran y la calidad de su música era evidente. Además, la mezcla de sonidos era atractiva para los dos lados del Atlántico. Se publicó en otoño del 1978 y era un conjunto melódico de rock y blues con raíces evidentes del jazz. Quizá no era un álbum con mucha fuerza pero sí se adivinaba lo que podrían dar de sí en el futuro y el listón de su calidad quedaba en todo lo alto. Las nueve canciones del álbum no desentonaban aunque algunos temas destacaron por encima del resto. Junto al exitoso single se podrían añadir ‘Down to the waterline’, ‘Water of love’ y ‘Wild west end’.

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Su segundo álbum titulado ‘Communiqué’ apareció en 1979. No defraudó, y además consolidó a su público. Vendió más de tres millones de copias en todo el mundo. Salió cuando todavía no se había cumplido un año de su primer estreno, y aunque para muchos era una pequeña decepción y una pequeña copia del anterior, con el paso del tiempo se ha llegado a valorar en su justa medida. Una obra maestra en todo. Desde el comienzo hasta el final. El sonido que ya habían evolucionado tenía una firma y un sello propio, tan sólo había que desarrollarlo y afinarlo. No tuvo el éxito esperado y sólo un single se coló entre los mejores del año ‘Lady writer‘. Pero hay temas que no se pueden menospreciar de ese álbum como ‘Once upon a time in the west’, ‘News’ o ‘Where do you think you’re going?’.

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Para la grabación del tercer disco el grupo vio cómo David Knopfler abandonaba el proyecto para encauzar su carrera en solitario. Le sustituyó Hal Lindes. Esa ausencia hizo que Mark se replanteara un poco sus orígenes del mismo proyecto y se alejó un tanto de las raíces jazz-country-rock para centrarse en algo más ambicioso. El éxito de ‘Making movies’ (1980) no se hizo esperar. Había motivos. Excelentes temas que relanzaron la carrera del grupo. La producción también varió de sintonía, con toques más new wave, una variante de jazz más moderna. Para muchos uno de los mejores trabajos de la banda, un disco que consiguió ser disco de oro tanto en Reino Unido como en EEUU. aunque con los últimos temas el disco va bajando de intensidad o en calidad. Varios singles ocuparon la lista de éxitos: ‘Tunnel of love’ o ‘Romeo and Julieta’. 

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Dos años tuvieron que esperar sus fans para volver a reencontrarse con un nuevo álbum del grupo. Se trataba de ‘Love over gold’ (1982). Aquí aumentaron las ganas de Knopfler para llegar más allá del rock progresivo. Creó una guitarra más virtuosa si cabía y ambicionó temas más extensos con mayores dosis de interpretación. El disco quedó formado finalmente con tan sólo cinco temas pero todos ellos de una duración más profunda y un trabajo más dedicado. El inicio era espectacular, con un ‘Telegraph road’ que duraba casi quince minutos y hacía presagiar una gran obra maestra. Era el momento para Knopfler de consagrarse como un gran guitarrista, decorando los sonidos en forma de ambientes y atmósferas personales, pero no llegó a cuajar del todo. Quizá las expectativas eran demasiado ambiciosas, quizá todos esperaban que el grupo siguiera una senda ascendente, pero lo cierto es que la realidad mostró un disco en esencia menor, un alto en el camino. Con el tiempo parecía que el líder de la banda experimentaba más que fabricaba.

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Porque por aquel entonces, Mark comenzó a explorar otras vías musicales, colaborando en el cine y con algunos otros músicos consagrados, como Van Morrison. De hecho, desapareció del grupo durante los dos siguientes años. No fue hasta 1985 que apareció el siguiente disco del grupo titulado ‘Brothers in arms’. El éxito fue contundente e inmediato. Uno de los discos más vendidos en la década de los ochenta en el Reino Unido. La gira de aquel año tuvo más de 200 fechas. Tras la cual el grupo tuvo que tomarse un merecido respiro. Fue un disco que trajo atmósferas de jazz-rock pero con ambientes de pop. El disco tuvo una aceptación brutal y mundial. Se adhirieron nuevos millones de fans y para muchos de sus seguidores fue considerado como el mejor álbum de la banda. Varios temas ayudaron al tremendo éxito: ‘Money for nothing’, ‘Ride across the river’ y, sobre todo, el que daba título al álbum ‘Brothers in arms’.

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A partir de ahí se abrió otro paréntesis que se interrumpió cinco años después, cuando Mark se juntó con Illsley, Clark y Fletcher, más algún que otro músico de sesión más, y se pusieron a grabar lo que sería el sexto álbum de la banda y que saldría publicado en 1991 con el título de ‘On every street’. No cumplió las expectativas, sobre todo cuando los fans llevaban años esperando otra nueva entrega con tanto ahínco. Aún así, fue disco de platino en los EEUU, pero no pudo entrar ni siquiera en el top 40 de las listas del Reino Unido. La conclusión fue que se trataba de una gran decepción. A finales de ese mismo año la banda anunció su disolución. Su líder se centraría en su carrera particular y en bandas sonoras para películas junto al teclista Fletcher. Illsley, el único que se había mantenido fiel desde el inicio dejó la carrera musical para dedicarse a su otra afición: la pintura. Withers, por su parte se dedicaría a tocar en bandas de jazz. Han sido varios los rumores de una posible vuelta de la banda pero nunca se han confirmado.


Un nuevo grupo aparecido en 2012 y que ha sorprendido. Originalmente fue un proyecto que se dio a conocer como Dive en 2011 formado por su líder Zachary Cole Smith (guitarra y voz), Andrew Bailey (guitarra), Devin Rubén Pérez (bajista) y Colby Hewitt (batería). Con esa denominación lanzaron varios singles en 2011 pero en 2012 aparecieron con su primer álbum ‘Oshin’y con su nuevo nombre DiiV. Pero antes que apareciera en el mercado su disco de estreno varios singles ya habían hecho que se conocieran: primero con ‘Sometime’, ‘Human’, ‘Geist’ y luego con ‘How long have you known’. El origen de la banda se sitúa en Brooklyn, Nueva York (EEUU). En el inicio de la década de 2010 se ha producido un auge del sonido de playa, fresco y dulce, con bandas de indie pop llegadas de todos lados. Su sonido es el clásico de guitarras melódicas, voz atractiva, una estética turbia e innovadora recuperando sonidos de antes. Ahora ese sonido se ha hecho más ecléctico, más cavernoso y más instrumental. DiiV han apoyado a bandas nuevas también y sobre todo su apuesta por el fenómeno británico The Vaccines durante su gira por el Reino Unido, al igual que con el grupo canadiense Japandroids durante su gira por la costa este de EEUU. Con su primer álbum alcanzaron el número 22 de la lista de los mejores 50 discos del 2012. Un disco totalmente recomendable y un grupo a seguir en el futuro sin duda.

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‘PAST LIVES’

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Álbum: OSHIN (2012)

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The Police

Publicado: 16 de enero de 2013 en Música
Etiquetas:

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” Yo veo la música como un lenguaje.

Si una forma musical se come su propia cola, se muere.

Por lo tanto, tiene que ser un perro mestizo, necesito ser hibrido ”

(Sting)

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La idea y el concepto original fue crear un grupo de punk rock con un sentido del término bastante amplio. Era también una mezcla de estilos, pasando por el pop y el reggae pero sin caer en la etiqueta única de punk. La guitarra debía ser precisa, densa, creando sonidos y efectos interrelacionados. La percusión debía ser notoria pero secundaria. La voz se mostraba  sugerente y distinta. El resultado del conjunto fue la creación de una de las mejores bandas de la época que sigue deleitando a sus millones de fans. Porque los grandes grupos nunca dejan de sonar, aunque se separen y aunque desaparezcan. Crearon una nueva forma de adentrarse en el punk mediante el pop. Y con el paso de sus discos sus experimentos fueron creciendo, poniendo notas de jazz y de blues y dándole al pop mayor protagonismo. Tuvieron un gran protagonismo pero su fama duró poco porque no duraron mucho tiempo juntos.

” Yo hago mi mejor trabajo cuando estoy en el dolor y la confusión ”

(Sting)

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Stewart Copeland (batería) y Gordon Sumner (guitarra y voz), más conocido como ‘Sting, formaron el grupo The Police en 1977. Copeland nació en julio del 52 en Virginia (EEUU) y su padre fue un ex agente de la CIA. Estudió en la Universidad de California y después se trasladó a vivir a Inglaterra donde conoció a Sting. Gordon Sumner nació en octubre del 51 en el norte de Inglaterra. Se inició en el bajo para seguir con la guitarra. También contribuyó con su voz y sus letras. Su carrera es impresionante. Tanto dentro del grupo como durante su carrera en solitario ha sido capaz de vender más de cien millones de discos. Ha recibido más de quince Premios Grammy e innumerables premios musicales al conjunto de su carrera. Desde muy joven ya evidenció su talento para la música, quizá su origen irlandés le sirvió de algo para ello. Comenzó en grupo de jazz y tocaba en locales de su ciudad vistiendo la segunda camiseta de su equipo favorito de fútbol (Newcastle United), que por aquel entonces era a rayas amarillas y negras. Un compañero de esa época comenzó a llamarle ‘abeja’ y al final todos le conocieron con el sobrenombre de ‘sting’ (aguijón). Años después se trasladaría a Londres donde conocería a Copeland y Summers. Andrew Summers nació en Lancashire (Inglaterra) en 1942. Fue un obsesionado por el piano y la guitarra y dejó los estudios para trabajar en una tienda de música y actuar en locales de jazz.

Cuando Copeland y Sting se unieron para formar The Police contaron en principio como guitarrista con el francés Henri Padovani, pero éste carecía de la suficiente experiencia. Cuando descubren a Andy se dan cuenta de que era el ideal para completar el proyecto. Quizá Sting fue su máximo avalista. Encontró en él a alguien con quien compartía gustos, influencias  y opiniones musicales. El grupo quedaría así formado hasta su final. En la primavera del 78 firmaron con el sello A&M y poco después apareció el primer sencillo titulado ‘Roxanne’. Comenzaron una gira ese verano por los EEUU con una furgoneta y equipos alquilados sin demasiada repercusión. Tuve que salir su primer álbum ‘Outlandos D’Amour’ (1978) en el otoño de ese mismo año para notar un ascenso en las listas británicas y norteamericanas. La primavera siguiente ese primer sencillo ya estaba en el número 12 en las listas del Reino Unido, mientras que el álbum se colocó en el puesto número 6. Quizá los posteriores discos de la banda fueron más ambiciosos y precisos, pero su debut fue un canto hacia su versión más directa y sencilla. Se veía que todos sus miembros tenían una amplia base musical, con esencia de jazz, y las combinaciones sonoras se efectuaron de la mejor manera posible. Considerado como uno de los mejores álbumes de debut de la década de los 70.

” Se necesita un hombre para sufrir la ignorancia y la sonrisa “

(Sting)

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El primer sencillo de su segundo álbum consiguió el número uno. ‘Message in a bottle’ (1979) les consagró en su país y también en Europa. La gira por diversos países no se hizo esperar. Pero esta vez fue a escala mundial. Países que no estaban acostumbrados a albergar estrellas de fama mundial vieron como tocaron para ellos. Países como México, India, Grecia, Egipto o Tailandia. Y es que ese segundo disco, ‘Reggatta de Blanc’ (1979), superaba al disco de inicio en ambición y en mezcla de sonidos. Ahora la fusión del reggae y del rock eran evidentes pero la forma de realizarlo resultaba fascinante. También marcó un cambio en el camino del grupo. Fue una terminación más pulida, más nítida. Varios de sus temas siguen siendo eternos y fueron grandes composiciones, como ‘Bring on the night’ o ‘The bed’s too big without you’. 

En 1980 apareció su tercer disco, ‘Zenyatta Mondatta’. Fue un disco que pegó con fuerza en los EEUU, llegando al top ten. Pero en Inglaterra alcanzó el número uno y se mantuvo ahí durante cuatro semanas. Quizá se esperaba ese disco para confirmar a la banda como una de las mejores de los ochenta, recién comenzados, y no bajaron el listón. Para muchos el mejor disco de la banda. Acaso porque fue un conjunto de excelentes temas con perfecta definición y producción. Varios temas llegaron a los top de las listas, pero su auténtico fondo fue su atmósfera sonora, muy instrumentista y de percusión. También Sting cargó las tintas en sus letras, siendo más crítico políticamente. Curiosamente, siempre dijo del disco que no llegó a ser lo verdaderamente bueno que ellos desearon y que pudo haber sido mucho mejor.

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En su cuarto álbum, el grupo entró de lleno en las esferas del pop más de la época. ‘Ghost in the machine’ (1981) dejó de lado su esencia más reggae y más rock. Aparecieron más sonidos enfocados al jazz, con instrumentos como los saxos. Digamos que se adaptaron al sonido más clásico de los 80. Y comenzó a crearse al mejor Sting en el terreno pop. Un camino que ya no dejaría. Varios temas del disco tuvieron éxito. Y quizá no sería reconocido como un gran álbum de pop aunque sí que fue un buen disco. Lo que dejaba claro el grupo es que seguía experimentando dentro de las apuestas musicales. No se conformaron con seguir un estilo, intentaron siempre crear nuevas mezclas, adaptarse a los nuevos tiempos. Pero también aprovecharon su popularidad y su fama para ir creando nuevas expectativas a su gusto, aunque claramente su calidad iba decreciendo. En 1983 apareció el que sería su último disco ‘Synchronicity’, para ese momento ya eran estrellas en todo el mundo. Sus giras eran siempre llenos históricos y ese disco generó cinco sencillos que coparon todas las listas de los países más importantes. Apuntaron a toques más electrónicos y siguieron por la senda del pop. Para muchos críticos, muchos de esos temas tenían el problema de estar rellenados de momentos intrascendentes. Se aliaron más con el jazz que tanto conocían y los instrumentos de percusión aumentaron. Quizá lo que dejó más claro ese álbum es que Sting ya estaba preparando su salto hacia su carrera en solitario y en el mundo del pop más emergente de esos tiempos.

Pero no deja de sorprender que ese último disco llegó a lo más alto de las listas tanto en el Reino Unido como en los EEUU y se mantuvo ahí durante varias semanas. Fue un éxito comercial y de ventas y recibieron muchos premios por ello. Quizá la fama estaba ganada y con poco se conseguía lo que no se consiguió con otros títulos anteriores. La gira de ese disco resultó otro éxito sin precedentes pero al terminarla se anunció que se tomaban un año sabático. Era el inicio del fin. Pasaron más de 3 años hasta que el grupo se volvió a reunir. Sting propuso grabar un disco reinterpretando los mejores temas del grupo, pero la iniciativa nunca cuajó. La relación entre Copeland y Sting ya estaba deteriorada y la idea no animó al grupo. Para entonces Sting ya había comenzado su proyecto personal y publicó su primer álbum en solitario en 1985. Copeland comenzó su carrera en solitario grabando partituras para cine y televisión. Formó banda de rock progresivo con el nombre de Animal Logic. Por su parte Summers se limitó a seguir por la senda experimental del jazz y de su fusión y colaboró con otros músicos en diferentes proyectos. A pesar de los continuos rumores de un posible retorno de la formación y de la grabación de un nuevo disco nada de eso ocurrió.


Es momento de ir descubriendo nuevas bandas que han aparecido en el último año 2012. Este es un proyecto personal del británico Adam Bainbridge, que se bautizó artísticamente como Kindness. Vive a caballo entre Londres y Berlín. Enamorado de todo lo que suene a funk, electrónico, psicodélico y sampleado. Se ha ganado un lugar en el mundo de la música gracias a su primer álbum denominado ‘World, you need a change of mind’ (2012), título que deja entrever cuáles son sus inquietudes personales. Ha sorprendido a todos con un álbum fresco y dinámico, que deja pistas sobre su pasado de club, rodeado de ambiente ‘dubby’. Influencias variadas y muy distintas que le dan aromas eclécticos y modernos. Sonidos emergentes y llenos de contenido. Poco dado a los conciertos hasta ahora, que se le cuentan dos. Uno en cada una de sus ciudades favoritas, Londres y Berlín. No es bastante comunicativo con los medios pero es amante de todas las representaciones artísticas y las sabe manejar perfectamente. Sus inicios fueron prometedores, haciendo una versión punk de una canción del grupo Replacements en 2009. También lanzó vídeos promocionales de sus singles. Se le comparó desde un principio con el grupo de los 80 Talking Heads y a uno más actual LCD Soundsystem. Uno de sus singles fue conocido por emitirse en la clásica serie británica ‘Eastenders’. Su disco contagia con cada minuto de escucha. Incluyó todos sus singles anteriormente lanzados. Y se demuestra que Adam es un maestro en la creación de estados de ánimo a lo largo de un tema. Muchos podrían decir que un tanto pesimista pero su voz suena cálida y sus sonidos te envuelven fácilmente. Una grata sorpresa que habrá que seguir atentamente…

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‘SEOD’

KINDNESS

Álbum: ‘WORLD, YOU NEED A CHANGE OF MIND’ (2012)

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Dark Dark Dark es una banda que se originó y fundó en Minneapolis (Minnesota, EEUU) allá por el año 2006. Difíciles de catalogar aunque se podría decir que su origen viene de la americana folk con esencia de rock indie y algo de pop. Pero trajeron frescura y originalidad junto a otras bandas norteamericanas que buscaban darle otro aliento al folk de siempre. Su álbum de debut ya fue una grata muestra de lo que podrían llegar a producir. ‘The Magic Snow’ se publicó en 2008 y produjo muy buenas críticas. Destacaba sobre todo la voz temblorosa y flexible de Nona Marie Invie junto a un acompañamiento exquisito de muchos músicos, con mucha instrumentación y esencias de jazz. Junto a Invie el grupo fue constituido por Marshall LaCount, Todd Chandler, Jonathan Kaiser, Walt Mc Clements, Brett Bullion, Marcos Trecka y Adan Wozniak. Saben mezclar muy bien todos los instrumentos, aportando notas de viento y de piano según las necesidades. En su segundo disco ‘Wild go’ (2010) destacó el sencillo ‘Daydreaming’ que les daría el salto definitivo a todo el mundo gracias a ser utilizado en uno de los episodios de la serie de moda ‘Anatomía de Grey’. Comenzaron las giras y el éxito en el Reino Unido tampoco se hizo esperar, aportando también sencillos a alguna serie británica. Ese disco sorprendió porque sonaba a cualquier década, bien podía ser un disco de los 50 como del 2000. El piano sonaba fresco, los encajes de jazz eran perfectos y los tonos de acordeón, violines y tambores le daban una exquisita combinación y terminación. Las letras fueron mejoradas y la voz constituía el principal atractivo. En su último disco publicado en 2012 ‘Who needs who?’ se demuestra que la influencia de la cantante y de LaCount es cada vez más decisiva. Se han decantado por atraer a más público y más diferente y lo han conseguido, demostrando que siguen lentamente su desarrollo personal. Las letras han sido más intensas y profundas, muy personales. El mismo título del álbum era una pista de lo que quería narrar. Siguen experimentando nuevos sonidos y posiblemente en el futuro sigan sorprendiendo.

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‘DAYDREAMING’

DARK DARK DARK

Álbum: WILD GO (2010)

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Think of a place I would go,
I’m daydreamin’,
Where the sycamore grow,
I’m daydreamin’,
And oh if you knew what it meant to me,
Where the air was so clear,
Oh if you knew what it meant to me,
Anywhere but here.

Oh now look to the east,
Great mountains remember me,
Oh I wound around you for miles,
I sat down right there and stretched my bones.
And oh if you knew what it meant to me,
Oh if you knew what it meant to me,
Oh if you knew what it meant to me,
You would see, too.

Oh the unspeakable things,
It’s land I can see for miles,
With only the wind whispering,
Land I can see for miles,
With only the wind whispering,
Oh land I can see for miles,
With only the wind whispering,
Oh I’d run as fast as I can
Land I can see for miles
Oh I’m searching,
With only the wind whispering,
Oh if you knew what it meant to me,
Oh if you knew what it meant to me,
Oh if you knew what it meant to me,
You would see, too.

Oh the unspeakable things,
Oh the unspeakable things,
Oh the unspeakable things,
Oh the unspeakable things.

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Nuevamente en esta sección un grupo que sigue maravillando. Si su primer disco homónimo fue una revolución y un auténtico descubrimiento, no han dejado nada al azar en su segundo disco y el listón sigue estando ahí arriba. Estos jóvenes siguen sorprendiendo y parece que ya son una auténtica realidad. Canciones perfectamente diseñadas, un formato parecido pero con nuevos aires, frescos y variados. Siguen anclados en atmósferas especiales creadas con su particular estilo y ‘Coexist’ (2012) va para ser catalogado como uno de los mejores discos del año sin duda. Tiene varios singles que no dejan indiferente a nadie y el número de sus seguidores sigue aumentando a un gran nivel y rapidez. Esta banda original del este de Londres que sigue comandada por Romy Madley, Oliver Sim y Jamie Smith hacen difícil poder catalogar su música pero llega un momento que a todo el mundo le da absolutamente igual; el placer consiste en relajarse y escucharles. El talento que se les adivinaba podría quedarse realmente corto a este paso. Porque si siguen por este camino podríamos hablar de una de las mejores bandas electrónicas del momento.

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‘REUNION’

THE XX

Álbum: COEXIST (2012)

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We visit a life we both left behind

Ignore the heart
Move to the ever-moving
Or, blazin’, we go over
And over and over and over againIf I wait too long,
I’ll lose you from my sight
Maybe tonight
I could stop dreaming
And start believing in forever
And ever and ever and ever againReunion, reunion
Reunion, reunion
Never not ever, never not ever againAnd it’s burning inside ‘til you give it up
How long should I wait?
There’s no need to hide, from this
Only you in here

There’s an end to us with someone else inside
You shine your light
There goes that feeling, won’t let me see them
Never not ever, never not ever again

Did I see you, see me, in a new light?
Did I see you, see me, in a new light?
Did I see you, see me, in a new light?
Never not ever again
Did I (Never not ever) see you (Never again)
See me (Never not ever) in a new light? (Never not ever again)
Did I see you, see me?
Never not ever, never not ever again

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Aparecieron en Canadá como una combinación perfecta de rock indie, con frescura, combinando aspectos teatrales y una originalidad que se deseaba. Originalmente formados por Régine Chassagne, Richard Parry, Tim Kingsbury y los hermanos William y Win Butler. Estilo definido, o sea, un tanto barroco y repleto de arte ecléctico. Se unieron en 2003. La idea era mezclar cuantos más sonidos mejor. Y así lo hicieron. Las esencias de la bossa nova, del punk, de la chanson francesa, la clásica y cómo no, el pop y el rock completaron una perfecta sintonía. Sus influencias eran claras y nunca las negaron: David Bowie y U2, entre otros muchos. Su nombre Arcade Fire. Realmente quienes formaron el grupo fueron el matrimonio compuesto por Win Butler y Régine Chassagne. Lo primero que apareció fue un EP homónimo en 2003 y en 2004 llegó su gran debut con un magnífico álbum titulado ‘Funeral’, que les consagró a la primera sin necesidad de mucho tiempo y con absoluta unanimidad. Apuesta clara, muchos instrumentos, repertorio variado, sonidos originales, una paleta de combinaciones con voces y coros y una puesta en escena soberbia, porque cuidaron desde el principio sus conciertos. Un disco de estreno que despertó las buenas críticas por parte de todos. Un reconocimiento que les llegó apareciendo en la portada de la revista Time como iconos de la nueva música canadiense. Dos temas de ese disco consiguieron el número uno en las listas del Reino Unido. Un álbum que les hizo estar nominados a Mejor Grupo Internacional, Mejor Álbum Internacional y Mejor Debut Internacional de los Brit Awards. Tras ese éxito se encerraron en una iglesia abandonada que compraron a las afueras de Quebec (Montreal) para trabajar en su segundo disco. Fue un ambicioso proyecto que acabó con el título de ‘Neon Bible’ y que se publicó en 2007. Aquí introdujeron variaciones y ampliaron su sonido con órganos, coros militares y orquesta casi completa. Un álbum que consiguió llegar al número dos de las listas y que les obligó a tocar más de cien conciertos durante la gira de ese año. Sus acompañamientos de instrumentos de cuerda ya son habituales en sus producciones y en sus conciertos, incluso a veces han utilizado instrumentos medievales. Este disco también conseguiría ser número uno en las listas de Rock e Indie.  Digamos que el deseado reencuentro con el público tras su sensacional debut no decepcionó a nadie, muy al contrario, consiguió que alcanzaran cotas más altas y más seguidores. Y tras otros tres años de elaboración llegó su tercer disco ‘The Suburbs’ (2010). Aquí quisieron innovar e indagar dentro de los aspectos musicales de su sonido. Un disco diferente con un estilo más eléctrico y evolucionado. Este disco tardó sólo una semana en ponerse como número uno en los Estados Unidos y el Reino Unido. Sus apariciones por los mejores festivales del mundo no se dejaron esperar, pero ya han conseguido crear una gran espectáculo en sus conciertos, añadiendo cada vez más participantes, más escenarios, creando una atmósfera teatral muy sugerente, combinando la estética y la música a partes iguales.

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‘NEIGHBORHOOD #3 (POWER OUT)’

ARCADE FIRE

Álbum: FUNERAL (2004)

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I woke up with the power out, not really somethin to shout about.

Ice has covered up my parents hands, don’t have any dreams don’t have any
plans.

I went out into the night, i went out to find some light.

Kids are swingin from the power lines, nobody’s home so nobody minds

I  woke up on the darkest night, neighbors all were shouting that they
found the light – “we found the light.” – shadows jumpin’ all over my
walls, some of them big, some of them small.

I went out into the night
I went out to pick a fight with anyone. light a candle for the kids,
jesus christ don’t keep it hid!

Ice has covered up my parents eyes, don’t know how to see, don’t know
how to cry.

Growin’ up in some strange storm, nobody’s cold, nobody’s
warm.

I went out into the night, i went out to find some light.

Kids are dyin’ out in the snow, look at them go – look at them go!
and the power’s out in the heart of man, take it from your heart put
it in your hand.

What’s the plan? what’s the plan? is it a dream? is
it a lie? i think i’ll let you deceide. just light a candle for the
kids, jesus christ don’t keep it hid! cause nothing’s hid, from us
kids!

You ain’t foolin’ nobody – with the lights out! and the power’s
out in the heart of man, take it from your heart put it in your hand.

And there’s something wrong in the heart of man, you take it from your
heart and put it in your hand! where’d you go?!

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Banda creada en Pamplona (España) en 1999. Un estilo un poco difícil de clasificar, con raíces punk y rock, pero dando una muestra de sello personal en todas sus canciones, mezclando notas de electrónica y de sintetizadores. Juego de voces diferentes entre melodías y guitarras, experimentando caminos sonoros muy variados. Quizá un poco flojos en sus letras pero siempre cargadas de ironía y de crudeza. El grupo está formado por los hermanos Arizaleta (Álbaro, voz y batería; Raúl, guitarra), Unai Medina (sintetizadores) y Xabier Ibero (bajo). Como infuencias más destacables se encuentran los Pixies, The Clash o Sonic Youth. Su primera maqueta nació en 1999 y ya intuía su estilo ecléctico. En 2001 ganan el Proyecto Demo organizado por la cadena Radio 3, pero otro premio en junio del 2002 patrocinado por Astro Discos les da la oportunidad de grabar su primer álbum. Su título será homónimo y será presentado en 2003, en pleno festival de Benicàssim. No dejarán de tener buenas críticas a partir de entonces. En 2006 aparecerá su segundo álbum titulado ‘De mi sangre a tus cuchillas’, donde siguieron desarrollando su peculiar estilo. En 2008 aparece su tercero ‘La gallina’ y en 2011 ‘Diamantes‘, un disco que ha recibido grandes halagos, incluido el premio al mejor disco nacional del año según la revista Mondosonoro.

‘TORO’

EL COLUMPIO ASESINO

Álbum: DIAMANTES (2011)

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Vamos niña, ven conmigo,
vamos hoy a divertirnos
yo te pintaré un bigote
necesito un buen azote

Maraca loca, piano ardiente
nunca fuimos delicuentes
gafas negras en la noche
vamos niño, sube al coche

Con amigos y extraños
coincidimos en los baños
siempre te gustaron largas
amarga baja, amarga baja

Ni valiente ni inconsciente
es la marca en nuestra frente
amantes en el precipicio
no me vengas con que es vicio
no me vengas con que es vicio
no me vengas con que es vicio

Subimos hasta el cielo
caímos hasta el fondo
lo apostamos siempre todo
bailando, danzando entre los muertos,
se hunden los cascabeles

Mataderos de uralita rodean la ciudad,
no caímos en la trampa, hemos visto la cocina
nuestros hornos no nos gustan como huelen

Te voy a hacer bailar toda la noche,
nos vamos a Berlin, no quiero reproches,
carretera y speed toda la noche…

Te voy a hacer bailar toda la noche,
nos vamos a Berlin, no quiero reproches,
carretera y speed toda la noche, toda la noche…

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A comienzos de la década de 2000, Canadá vio como resurgía un movimiento musical indie-pop-rock por todo su territorio. Fue un aluvión de bandas de todos los estilos que inundaron el panorama musical mundial con nuevos aires y música que encandiló a muchísimos seguidores. Dentro de esa oleada de apariciones, The Organ asomó la cabeza como un nuevo grupo post-punk con muchas esencias de pop influenciado por grupos clásicos británicos como The Smiths o The Cure. En 2001 ya se juntaron para comenzar a grabar los primeros temas. El grupo fue compuesto por Katie Sketch (voz), Deb Cohen (guitarra), Jenny Smyth (órgano), Shelby Stocks (batería) y Ashley Webber (bajo). Fue en 2002 cuando publicaron el EP ‘Sinking Hearts’. No tardaron en conseguir buenas críticas, tanto en su país como en Estados Unidos. El pop fresco que mostraban se echaba de menos y su aparición hizo las delicias de muchos espectadores. Al firmar entonces por un sello discográfico la realidad de poder lanzar un álbum al mercado parecía cerca. Pero tuvieron muchos problemas con la producción y tras mucho trabajo tuvieron que comenzar de cero nuevamente. Tuvieron que cambiar al productor para poder publicar finalmente su álbum de debut en 2004 ‘Grab that gun’. Enseguida consiguieron muchas fechas para su primera gira internacional pero los cambios dentro del grupo impidieron esa primera salida. La bajista se fue debido a diferencias creativas aunque volvió para poder cumplir las obligaciones contractuales del grupo por Europa. Tras la gira sí que decidió irse. Ya al año siguiente comenzaron a oírse voces de disolución debido a diferencias entre todas las componentes del grupo. Y todos los rumores se convirtieron en ciertos cuando lo comunicaron a finales de 2006. A partir de ahí Sketch se dedicó a su carrera personal como modelo, Cohen colaboró con otro proyecto. Tan sólo se unieron nuevamente para dar por finalizadas todas las canciones que tenían pendientes de grabación y lo hicieron con un EP titulado ‘Thieves’ en 2008.

‘STEVEN SMITH’

THE ORGAN

Álbum: GRAB THAT GUN (2004)

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As i was saying
i know that i’ve been one of the few who walks away from you
steven smith , we all lose
one look at you
and they’re suddenly covered in shrapnel too
it’s true, most die in your bedroom

all the time i’m getting shot
oh, barrels roll and hammers drop
come on now
grab that gun and we’ll go drive around

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Funk

Publicado: 28 de noviembre de 2012 en Música
Etiquetas:

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“La música es sinónimo de libertad,
de tocar lo que quieras y como quieras,
siempre que sea bueno y tenga pasión,
que la música sea el alimento del amor”
(Kurt Cobain)
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El origen de la palabra ‘funky’ se aplicó por primera vez en la década de los años 50, aplicado a un tipo de jazz que se denominó ‘funky jazz’. Se utilizaba por extensión para toda la música que contenía determinadas características relacionadas con las raíces musicales negras. Su ritmo se caracterizaba por ser fuerte, muy acentuado. Para conocer el verdadero significado de la palabra ‘funky’ habría que pensar en el mismo sustantivo ‘funk’ que viene a decir temor o pánico. El mismo verbo da a entender ‘tener miedo’. Pero en el siglo XVII la palabra se utilizaba en Inglaterra para calificar a todos los lugares donde había mal olor, y sobre todo, aquellos lugares con mal olor por culpa del humo del tabaco. Y la palabra ‘funk’ de aquella época identificaba locales y antros malolientes.
“La música puede dar nombre a lo innombrable
y comunicar lo desconocido”
(Leonard Bernstein)
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Y si al principio el término se usó para definir un estilo de jazz que estaba dentro del ‘hard bop‘, con un sabor muy visceral, muy rítmico, con muchas influencias del gospel y del blues y con una gran tradición africana, pasó  luego a denominarse ‘soul jazz’. Pero como conocemos el término, y como se desarrolló su fama y su moda, fue a raíz de ser utilizado para definir a una nueva música de ambiente muy sonoro y bailable, una música animada que contagiaba las ganas por bailar y moverse, manteniendo las dosis perfectas de ritmo. Es en la década de los 60 cuando el término quedó completamente afianzado, y cuando se le relacionó perfectamente con música negra bailable, con raíces de blues y de soul. Su máximo exponente fue sin duda James Brown.

“La música es una cosa amplia,
sin límites, sin fronteras, sin banderas”
(León Gieco)
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James Brown nació en EEUU en mayo de 1933. Se le conoce por haber sido uno de los grandes cantantes de la música soul, rock y funky norteamericana. Su sobrenombre más famoso fue ‘The godfather of soul’ (El padrino del soul). Un personaje que desde niño tuvo que aprender a subsistir de la mejor manera posible. Recogió algodón, limpió zapatos e incluso confesó haber robado piezas de coche para poder venderlas. De hecho, con veinte años recién cumplidos fue arrestado por robo a mano armada y condenado a pena de cárcel. Tres años cumplió de condena cuando de nuevo vio la libertad, pasando a estar 3 años más en un reformatorio. Tuvo la suerte en ese momento de ser recogido por la familia de Bobby Byrd, un cantante de la época que le ayudaría en su carrera. Junto compartieron también escenarios. Desde la década de los sesenta comenzó a acumular éxitos, uno tras otro, títulos ya emblemáticos que alcanzaron los primeros puestos de ventas y de éxitos, títulos como ‘It’s a man’s world’, ‘I’ll go crazy’, ‘Think’ o ‘Prisioner of love’. Uno de esos títulos ‘Papa’s got a bran new bag’ llamó poderosamente la atención por tratarse de un tema realmente original. El ritmo destacaba de manera espectacular y los rasgueos de guitarra de fondo hizo que se comenzara a descubrir y a degustar el ‘funky’.

Pero es que el funk supuso una aire fresco a toda esa música de baile originada por músicos negros. Toda la música creada por este colectivo llevaba implícita una reivindicación política y social. Brown supo desarrollar toda esa música inspirada en el gospel, con mucho y ritmo y mucho blues, transformándola en un soul bailable que inundó todo el planeta. Comienzos la música disco como hoy la conocemos, origen del hip hop, del afrobeat, del rap y del breakdance. Pero el funky era una creación colectiva, una agrupación de todos los ritmos a expensas de la melodía. Junto al gran Brown no podemos olvidarnos de otros nombres que fueron el detonante del estilo musical: gente como The Meters o Sly & the family Stone. El denominado estilo funky soul con nombres como Temptations o Spinners y algunos de la escena Motown del momento como Stevie Wonder o Marvin Gaye. Pero el funk no se detuvo ahí y siguió desarrollándose en los setenta y ochenta. Todas las combinaciones posibles se pusieron en marcha, reminiscencias de jazz, de soul, de blues, de la nueva música callejera y de bandas, un cúmulo de sonidos que tenían todos el mismo origen y que reinterpretaron de manera genial la nueva música de baile. Seguramente con el tiempo seguirá siendo influencia para los sonidos nuevos y más creativos.


El grupo The Go Betweens estaba formado por Robert Forster y Grant McLennan. Y tras participar en él con varios álbumes comenzó su carrera en solitario, gracias a su facilidad para crear canciones, baladas, melodías sumergidas en el pop, combinando estilos propios con otros. Robet Forster nació en Brisbane (Australia) y junto a McLennan fundó aquel grupo en 1978. Seis álbumes crearon para conformar una banda con sello personalizado, un pop-art musical con toques comerciales. Su última publicación fue justo a comienzos de la década de los 90. Cuando ya habían compuesto canciones para su siguiente disco McLennan falleció de repente con 47 años y el grupo desapareció. Forster aprovechó las que había escrito y estaban pendientes de grabación para preparar su primer disco en solitario, ayudado por Mick Harvey y algunos miembros de la banda de Nick Cave, Bad Seeds. No era un retorno a los orígenes de sus orígenes, pero su sello personal seguía intacto. En 1990 apareció su primer álbum titulado ‘Danger in the past’. Su apariencia quería consolidar la imagen de clásico entre clásicos. Ciertamente, la colaboración de esos miembros fue motivo para que el éxito de su debut fuera afortunado. De todas formas, constituyó su renacimiento musical tras los últimos trabajos con su anterior banda. Los vaivenes no habían sido estimulantes y esta nueva dirección le daba nuevos bríos. En 1993 apareció su segundo disco ‘Calling from a country phone’. No tuvo una gran audiencia y no fue publicado en EEUU, y quizá tampoco hubiera salido bien parado. Y tras dos publicaciones más, en 1995 con ‘I had a New York girlfriend’ y con ‘Warm nights’ en 1996 desapareció de la escena por unos cuantos años, concretamente once años, para publicar en 2008 su mejor álbum hasta el momento ‘The Evangelist’. Se ha creído que este disco es una elegía o un homenaje especial para su excompañero. De hecho, para esta grabación contó con el apoyo de antiguos miembros de la banda que compartía con él. Lo cierto es que la apuesta de Forster para este disco fue diferente, sobre todo si se compara con las publicaciones anteriores. Siempre fue un escritor poético, metafórico y con aspiraciones literarias. Ahora se ha mostrado más vulnerable, más directo, sin adornos y florituras, sin máscara para ninguna de sus historias. Se ha convertido en un narrador particular, conversaciones personales mediante la música. Ha expresado simplemente lo que siente, llegando a ver la madurez en todas sus notas. Un disco muy completo que hace las delicias de todo aquel que lo escucha.

‘DID SHE OVERTAKE YOU’

ROBERT FORSTER

Álbum: THE EVANGELIST (2008)

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Did she overtake you as you stalled to wait for her friend
And was there a circus that she saw had hoped for and left

Did she overtake you or bemuse you with how hard she’d push
And then surprise you or were you not ready enough

And then out-angle you or did you play dumb pretending you knew
That one day she’d make it without you
That one day she’d make it beside you
That one day she’d make it without you

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Jason Pierce formó parte del proyecto Spacemen 3. Un estilo de trance-rock que perfeccionó al formar Spiritualized. La base era clara, crear un sonido con influencias de The Velvet Underground, una combinación del minimalismo sonoro alimentado también con detalles simples y ricos. Una alquimia perfecta para crear una música muy particular. Una unión del soul, pop, rock de manera creativa, sin límites. Se unieron al proyecto el guitarrista Marcos Refoy, el bajista Willie Carruthers y el batería Jon Mattock. Tras el lanzamiento de una serie de EPs publicaron su primer álbum en 1992 con el título de ‘Lazer guided melodies‘, un cúmulo de melodías pop innovador. En 1993 apareció ‘Fucked up inside’ y para 1995 el grupo se había convertido en un trío compuesto por Pierce, la guitarrista Kate Radley y el bajista Sean Cook. Cambiaron y apostaron por una producción más fuerte y más densa y con mezclas más independientes. Fue el año del disco ‘Pure phase’. Fue la época en la que Pierce quiso dar un giro al grupo y dotarle de aspectos más personales. Varios artistas colaboraron en la grabación. Los cambios eran continuos y al año siguiente se iría Cook. Más adelante también saldría del grupo Kate tras casarse con el vocalista de The Verve, Richard Ashcroft. Los cambios en sus integrantes han ido cambiando disco a disco y ya es una costumbre. Pierce se ha habituado a escribir, componer y cantar todo el material de la banda y es el único miembro que ha permanecido desde el inicio. Quizá su mayor éxito de ventas y crítica fue el álbum ‘Ladies & gentlemen we are floating in space’ publicado en 1997 y elegido por la revista británica NME como álbum del año. Desde entonces tres discos más hasta el último, ‘Sweet heart, sweet light’, aparecido este mismo año y donde se sigue detectando creatividad por todos los costados. Sigue Pierce dejándonos huella y grandes temas para seguir disfrutando de una apuesta un tanto original, espacial y diferente. Para muchos será difícil lograr el nivel de ‘Ladies…’ y se critica su angustia, su oscuridad y sus temas de noches interminables. Pero las baladas siguen siendo su esencia y no hay duda de que algunos temas de su último disco siguen estando a la altura de su creador.

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‘I AM WHAT I AM’

SPIRITUALIZED

Álbum: SWEET HEART, SWEET LIGHT (2012)

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I am the tide that pulls the moon
I am the planet that lights the sun
I am the way that leads the stars
I am the road that drives the cars
I am the rocket ship that blasts the bit that takes you to the stars

I am what I am
Got it in my hand
Hear what I say
See what I am
You understand?

I am the song that writes the mind
I am the man who don’t wait for time
I am the heart that feeds your kiss
I am the faith that gets your soul
I am the pound of flesh that signifies the sum of all you’re told

I am what I am
Got it in my hand
Hear what I say
See what I am
You understand?

I am the heart that calls you home
I am the grave that marks your stone
I’m misunderstood do you understand?
Like the sea holds back the land
I’m the mishap and coincidence that came out as you planned

I am what I am
Got it in my hand
Hear what I say
See what I am
You understand?

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