Archivos de la categoría ‘Música’

Bob Dylan

Publicado: 1 de noviembre de 2013 en Música
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“Ansío verte a la luz de la mañana,

ansío tenerte cerca por la noche,

quédate, dama, quédate,

quédate mientras nos quede algo de noche”

***

Bob Dylan es el nombre artístico de Robert Allen Zimmerman. Nació en Duluth, Minnesota (EEUU) en 1941 y todavía hoy sigue cantando y escribiendo canciones. Este compositor de folk y rock es una de las grandes figuras de la música contemporánea, un icono para muchas generaciones, un pedazo de la historia del rock, un símbolo para millones de personas, seguidores, fans y críticos musicales. El nombre de Dylan lo adoptó por la admiración que sentía por el poeta Dylan Thomas. Fue capaz de crear un estilo propio e inconfundible, convirtiéndose rápidamente en la voz de una juventud revolucionaria de su país en la década de los 60.  Consiguió, con algunas de sus canciones, revolucionar el panorama pop mundial, y abrió el camino para muchos otros cantautores que se vieron influidos por su obra y por su estilo.

Cuando a mediados de la década de los 60 comenzó a utilizar instrumentos electrónicos para sus temas recibió muchas críticas de todos aquellos que defendían el purismo del folk en todos sus ámbitos. Sus primeros textos estaban profundamente influidos por la situación del mundo en ese momento, tocó temas sociales controvertidos, además de introducirse en temas filosóficos que para él eran de suma importancia y vitales para su existencia. Pudo comprobarse su preocupación y su interés por los libros, por toda clase de libros. Gran aficionado a la historia, a la sociología, filosofía y también a la poesía. Supo adaptar todas sus ideas realizando sus canciones. Expandió y desarrolló su propio sello personal, pero nunca abandonando sus raíces musicales ni su esencia estilística. Todas sus canciones tenían algo de folk, de pop, de blues, de country, de rock and roll, con toques irlandeses, escoceses e ingleses, con esbozos de jazz y de swing.

“El vagabundo que está llamando a tu puerta

tiene puestas las ropas que tú llevaste una vez” 

***

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Y no ha dejado de ser premiado, valorado y reconocido por toda su obra durante todas estas décadas incansables de trabajo. Acapara Grammys, Globos de Oro, Oscars. En 1999 fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. Hoy en día sería difícil cuantificar su verdadera influencia musical. Fue pionero en varias escuelas diferentes dentro de la música pop. Rompió los estereotipos que decían que un cantante tenía que tener una gran voz y desarrolló cambios musicales mezclando el pop con el rock más folk y el country-rock.

Quizá sus inicios fueron los realmente importantes, los que crearon adicción, influencia y seguimientos masivos, y cuando su popularidad cuajó de forma aplastante. Quizá la calidad de su música fue dando escarceos y la calidad de sus temas fueron también un poco irregulares, pero es evidente que no ha dejado de estar en el candelero durante muchos años por méritos propios. De niño aprendió a tocar la guitarra y la armónica. Mientras estaba en la universidad comenzó a componer canciones populares en pequeños cafés y a finales de 1960 se dio cuenta de que quería ser cantautor. Se mudó a Nueva York en enero de 1961 y comenzó a tocar en cafés. Su primer disco apareció con el título homónimo en 1962 pero fue el siguiente ‘The freewheeling Bob Dylan’ (1963) el que consiguió provocar un gran impacto en EEUU. El tema ‘Blowin’ in the wind’ fue un gran éxito en el verano de 1963. Por esa época tuvo una relación sentimental con la cantante Joan Baez. La rapidez de sus composiciones fueron espectaculares.

“Venid gente , reuníos,

dondequiera que estéis y admitid que las aguas han crecido a vuestro alrededor

y aceptad que pronto estaréis calados hasta los huesos,

si creéis que estáis a tiempo de salvaros

será mejor que comencéis a nadar u os hundiréis

como piedras

porque los tiempos están cambiando…”

***

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En 1964 apareció ‘The time they are a-changing’. La influencia de la poesía ya era toda una realidad. Autores como Rimbaud y Keats estaban presentes en sus letras. ‘Another side of Bob Dylan’ también se lanzó ese mismo año. Sus desarrollos musicales no se detuvieron ni un instante. Para entonces ya había roto su relación con Baez y comenzó a salir con Sara Lowndes, con quien se casaría más tarde. Para cuando apareció ‘Bringing it all back home’ (1965) ya se descubrió que se estaba alejando del purismo folk. En 1965 su éxito ‘Like a rolling stone’ consiguió el número 2 de la lista de sencillos. A partir de ahí su fama se desató. Miles de artículos por todo el mundo y un montón de cantantes queriendo emularle. El álbum ‘HIghway 61 revisited’ (1965) fue una de sus cimas de su carrera.

En julio de 1966 resultó herido en un accidente de moto sufriendo serias lesiones en las vértebras del cuello y una gran conmoción cerebral. A partir de entonces se convirtió en un recluso en su casa de Woodstock. Encerrado allí comenzó de nuevo a escribir canciones. ‘Blonde on blonde’ (1966), ‘John Wesley Harding’ (1967), ‘Nashville skyline’ (1969), ‘Self portrait’ (1970), ‘New morning’ (1970) fueron sus siguientes trabajos. Y aunque iba desarrollando nuevos estilos dentro del suyo propio no dejó de componer. Sus obras no paraban de salir. ‘Dylan (1973)‘ , ‘Planet waves’ (1974), ‘Blood on the tracks’ (1975) hasta el aclamado ‘Desire’ (1976), el cual estuvo cinco semanas en todo lo alto de las listas. Dentro de ese disco aparecía el tema ‘Hurricane’, una canción protesta escrita específicamente en defensa del boxeador Rubin Carter, encarcelado injustamente por asesinato.

En los ochenta se decantó por un rock&roll más profundo, ganando nuevos adeptos aunque perdiendo a otros. Con el paso de los años las generaciones cambiaban y sus seguidores también. De hecho, su música fue un continuo cambio aunque siempre conservando sus raíces. Quizá con el paso del tiempo Dylan ha encarado su música de otra manera, de una forma más personal y diferente, compartiendo otras aficiones, disfrutando de todo un poco, colaborando con viejos amigos o dedicándose a otras cosas que no había hecho hasta entonces. Su repertorio no se ha detenido, tan sólo ha tenido transcursos e intervalos, paradas obligadas y necesarias, y todavía hoy sigue componiendo con más de setenta años en sus espaldas. La música forma parte de su vida y Dylan forma parte de nuestra vida, de una u otra forma.

“Tan feliz de estar vivo bajo el cielo azul,

en esta nueva mañana,

nueva mañana,

en esta nueva mañana contigo”

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Leonard Cohen

Publicado: 10 de agosto de 2013 en Música
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‘Aunque estoy convencido de que nada cambia,

 para mí es importante actuar como si no lo supiera’

***

Está considerado como uno de los más fascinantes y enigmáticos cantautores de finales de los 60. Pero tras más de cuatro décadas de trabajo su audiencia ha ido aumentando progresivamente,  y tan sólo se han visto pausadas por breves interrupciones en la búsqueda personas de su exploración creativa. Pocos, muy pocos, pueden presumir de una carrera parecida y de un seguimiento similar. Leonard Cohen nació en septiembre de 1934 en Montreal (Canadá), en el seno de una familia judía de clase media. Su madre era de origen lituano y su padre de origen polaco. Con sólo nueve años tuvo que vivir la muerte de su padre. Desde muy joven se interesó por la literatura, y especialmente por la poesía. Uno de sus ídolos era Federico García Lorca. Con poco más de veinte años ya había publicado su primer poemario ‘Let us compare mythologies’. Pero con sólo trece años ya tenía una guitarra en su poder.

En 1961 publicó su segundo libro de poesía ‘The spice box of earth’, que se convirtió por sorpresa en un gran éxito de ventas. Consiguió varias becas y pudo sentirse auto suficiente y capacitado para viajar por medio mundo. Su experimentación en el mundo de la literatura le llevó a la novela, y publicó un par de ellas en la década de los 60: ‘El juego favorito’ (1963) y ‘Beautiful losers’ (1966), mientras seguía escribiendo poesía: ‘Flores para Hitler‘ (1964) y ‘Los parásitos del cielo‘ (1966). Pero durante todos esos años no dejó de escribir música. Su primer álbum se tituló ‘The songs of Leonard Cohen’ (1967), y ya detectaba su toque íntimo y personal, empapado de imágenes un tanto pesimistas y un espíritu de búsqueda y de descubrimiento continuos.

‘Con el poder mantenemos una relación ambigua:

sabemos que si no existiera autoridad nos comeríamos unos a otros,

pero nos gusta pensar que,

si no existieran los gobiernos,

los hombres se abrazarían’

***

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A pesar de ser un poco melancólico y lleno de tristeza fue un éxito inmediato. Consiguió llegar a un público masivo.  Pero no dejó de escribir y de seguir publicando. Su segundo álbum ‘Songs from a room’ (1969) profundizó todavía más en el terreno melancólico, con héroes solitarios y lleno de sensibilidades un tanto deprimentes, pero con mensajes disimulados como por ejemplo contra la tiranía. Igualmente fue recibido muy bien por crítica y público. Se descubrió como un cantante único, con un poder de escritura bestial y con influencia suficiente para una generación ardiente de creadores en un momento especialmente delicado. Creó un estilo particular y dejó simplemente que sus canciones y sus discos se fueran desarrollando a través del tiempo. Muchos de sus seguidores adoraban a otros como Bob Dylan, buscaban respuestas en frases impecables, en sonidos simples pero con profundidad.

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‘El amor no tiene cura,

pero es la única cura para todos los males’

***

Su tercer álbum fue su consagración: ‘Songs of love and hate‘ (1971). Un disco poderoso, con letras profundas y un sonido conmovedor y minimalista. Para un adolescente de su época escuchar a Cohen podía suponer una preocupación para sus padres o la creación de una generación más inteligente y sensible ante los hechos que acontecían en la sociedad global. Ese disco le dio el título de autor de culto, intelectual y comprometido. Más de tres años hasta publicar su siguiente disco supuso un buen puñado de rumores sobre su posible sequía productiva. Pero en 1974 apareció ‘New skin for the old ceremony’ y todo volvió a su lugar de origen. Un sonido más lujoso demostrando ser capaz de mantener su propio estilo con reminiscencias pop pero sin dejar de lado su aroma triste y deprimente. Y en 1977 publicó su álbum más polémico: ‘Death of a ladie’s man’, un disco del que él mismo nunca se sintió orgulloso. Para enmendar eso publicó en 1979 ‘Recent songs‘, volviendo un poco a sus orígenes, mostrando una forma más atractiva y dinámica, hablando de amor y de vida, de relaciones y de amistad. En 1984 apareció ‘Various positions’, un álbum considerado espiritual que contenía la célebre ‘Hallelujah’. Cuatro años después cambiaría un tanto el rumbo tanto en su escritura como en su composición con ‘I’m your man’ (1988). Por primera vez el fondo de sintetizadores aparece en sus canciones.  Sus letras son más comprometidas. Se retiró a vivir a su Montreal natal, con 73 años reapareció para una gira mundial (2008). Cuando nada hacía presagiar que volviera al mercado,  en 2012 publicó ‘Old ideas’, considerada sin duda como la obra más madura, más íntima y más personal del escritor, del poeta y del cantante. En definitiva, una carrera larga y llena de sensaciones, una carrera para degustar como se merece y no dejar de escucharla jamás. Varios temas fueron principales durante toda su carrera: el amor, la religión y las relaciones de pareja. Metáforas poéticas y líricas, mezclas de pop con folk, una voz grave, pausada, llena de profundidad, una absoluta depresión artística que ha desatado pasiones. Gran escritor, habilidoso con las letras, con el juego de las palabras. Una carrera extensa, repleta de discos enormes y que influyó en la vida de muchas personas que crecieron junto a su música.

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‘Cualquier sistema que montéis sin nosotros será derribado.

Ya os avisamos antes y nada de los que construisteis ha perdurado.

Oídlo mientras os inclináis sobre vuestros planos.

Oídlo mientras os arremangáis.

Oídlo una vez más.

Cualquier sistema que montéis sin nosotros será derribado.

Tenéis vuestras drogas, vuestras pirámides, vuestros pentágonos, con toda vuestra hierba y vuestras balas ya no podéis cazarnos.

Lo único que revelaremos de nosotros es este aviso…nada de lo que construisteis ha perdurado.’

Cualquier sistema que montéis sin nosotros será derribado».

El tango

Publicado: 1 de junio de 2013 en Música
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“No basta con tener la voz más melodiosa para entonar un tango.

No.

Hay que sentirlo, además.

Hay que vivir su espíritu”

(Carlos Gardel) 

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El tango se originó dentro de la fusión cultural que se creó entre inmigrantes europeos (españoles e italianos), esclavos africanos y nativos de la región del Río de la Plata, en la confluencia entre Argentina y Uruguay. Su esencia era cien por cien urbana, culturalmente hablando. Un argumento del mestizaje cotidiano de la época rioplatense a partir de las últimas décadas del siglo XIX. Tiene muchísimas variedades en cuanto a sus formaciones musicales se refiere, aunque los instrumentos más utilizados desde sus inicios han sido las guitarras, el bandoneón, el piano y el contrabajo. Y en muchos casos las orquestas de tango estaban compuestas por un sexteto habitual.

Quizá el bandoneón es el instrumento que le caracteriza. Un instrumento de viento, de forma rectangular, diseñado originariamente en Alemania y que según la leyenda parece ser que se diseñó como órgano portátil para tocar música religiosa, de ahí que su sonido sea un poco melancólico. El instrumento arribó al Río de la Plata de la mano de marineros y de inmigrantes y fue adoptado rápidamente por los músicos de la época locales. Hoy es considerado uno de los símbolos del tango. Parece ser que su diseñador fue Carl Friedrich Uhlig sobre 1830 y mejorado por Carl Zimmermann en 1849. Su nombre se debe a Heinrich Band, quien fue una de las primeras personas en dedicarse a comercializarlos. Al músico que lo toca se le denomina bandoneonista.

“El tango es un pensamiento triste que se baila”

(Enrique Santos Discépolo)

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Una curiosidad del tango es que muchas de sus letras están compuestas basándose en un argot local denominado lunfardo. Realmente es una jerga que se originó y se desarrolló en la capital argentina y todo su cono urbano. Desde allí se extendió rápidamente a ciudades cercanas y a provincias más lejanas, así como a diferentes ciudades de Uruguay, en especial, a su capital Montevideo. De hecho, la situación socio cultural de ambas ciudades (Buenos Aires y Montevideo) era bastante similar, debido principalmente a que la inmigración europea fue la misma para los dos países.

En principio, esta jerga era utilizada por los delincuentes, para pasar luego a formar parte de las clases bajas. Con el tiempo, muchos de sus vocablos se introdujeron en la misma lengua popular de la población mayoritaria y se mezcló con el castellano. A principios del siglo XX, el lunfardo ya estaba difundido por todas las clases sociales y muchos años después se introdujo en países vecinos como Chile, Paraguay o Bolivia.

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“El tango está lleno de despedidas”

(Ramón Gómez de la Serna)

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Si nos detenemos en el origen del término parece provenir de algunos países africanos y podría ser de la palabra ‘tamgú’, que significaría ‘tambor’ o ‘bailar al son del tambor’. Lo único que se sabe con certeza es que en el siglo XIX en las Islas Canarias y en algunos otros puntos del continente americano, la palabra ‘tango’ significaba reunión de negros para bailar al son del tambor’. Pero los significados para la palabra se hicieron muy numerosos. Para los traficantes de esclavos españoles la palabra quería decir el lugar donde se encerraban a los esclavos, y también al lugar donde se les vendía. Y para los esclavos significaba espacio cerrado o privado donde había que pedir permiso para entrar. El diccionario de la lengua española, en su edición de 1899, definía el término ‘tango’ como una fiesta y danza de negros o de gente del pueblo en América. Pero en la edición de 1925 ya se definía como una danza de alta sociedad importada de América a principios del siglo XX. Un ejemplo claro de que el tango pasó de ser de clase baja a ser de clase alta.

Pero justo después de la Primera Guerra Mundial, el tango se expande a Europa, concretamente a Francia y a su capital París. Comienza a sonar ese sonido que provenía de burdeles y de barrios bajos con un nuevo aporte de músicos más y mejor preparados, incorporaciones de letras más centradas en el paisaje de suburbio, de infancia y de amores perdidos. Durante esa época precisamente es cuando apareció en escena uno de los mitos y símbolos del tango. Carlos Gardel, aunque nacido en Francia, se naturalizó argentino. Fue cantante, compositor y actor de cine, su fama se expandió por todo el mundo, y todavía hoy es un icono del tango y de su historia. Muchos de los temas que interpretaba eran compuestos por él mismo y muchas de sus letras eran escritas por el poeta y amigo Alfredo Le Pera.

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La lista de cantantes simbólicos como de músicos se ha hecho eterna con el paso de las décadas. Quizá la década de oro del tango fue la de los 40. Fueron tiempos donde el tango era cosa de locales de moda y de lujo. Una mezcla de letras de barrios bajos entre gente de clase alta. Aparecieron las grandes orquestas y los cabarés del momento llenaban sus aforos con espectadores ansiosos por disfrutar de esa música. Pero quizá después hubo un momento en que el tango no supo desarrollarse dentro del paso del tiempo. Y no fue hasta la década de los 60 y 70, con la aparición de nombres como Ástor Piazzolla u Horacio Ferrer, cuando se decide por una renovación a fondo del género. Ya en los 50 hubieron músicos innovadores, se trataba de ajustar nuevas sonoridades y temáticas.

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“La música es más que una mujer,

porque de una mujer de puedes divorciar,

pero de la música no.

Una vez que te casas,

es tu amor eterno,

para toda la vida

y te vas a la tumba con ella encima”

(Ástor Piazzolla)

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Pero fue Piazzolla quien alternó sus dos pasiones, la música de tango con la música clásica. Su motivación fue la fusión musical desde las influencias más diversas. Introdujo armonías disonantes y bases rítmicas intensas y nerviosas que produjeron una auténtica transformación radical del género. Lógicamente esa innovación trajo defensores y detractores. Conservadores tradicionalistas y renovadores se pusieron manos a la obra para criticar o alabar el trabajo de Piazzolla. Y también introdujo la renovación instrumental del tango, incluyendo instrumentos hasta entonces inéditos como la guitarra, el bajo, los teclados o el sintetizador. También incluyó el saxo o la batería. Desde los ochenta, la fusión del tango con nuevos estilos no ha dejado de crecer. Una de las más utilizadas ha sido la unión entre el jazz y el tango, pero también con el rock, el pop o la electrónica. De hecho, la fusión con la música electrónica ha sido un fenómeno muy creciente y que ha puesto al tango en un panorama nuevo de difusión mundial.

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Dire Straits

Publicado: 24 de enero de 2013 en Música
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“La música sólo tiende a ser

un vehículo para que la poesía fluya”

(Mark Knopfler)

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Dire Straits (Una situación desesperada) aparecieron a finales de la década de los 70, en plena era del post-punk británico. Aunque su sonido poco o nada tenía que ver con ello. Quizá su origen se debía más bien a esos sonidos de rock de local, de pub inglés, de banda que se reúne para tocar los fines de semana en alguno de los miles de locales donde se puede escuchar música en el Reino Unido. Una tradición que sigue estando vigente. Se inspiraron en la melancolía pero también en un sonido definido, limpio y claro, que sonaba fresco aunque conocido, emergiendo en un momento en que la mayoría buscaba otras fórmulas de experimentación.

Tenían un líder y era evidente. El guitarrista y vocalista Mark Knopfler supo echarse a las espaldas todo el proyecto. Supo calibrar magistralmente las dosis precisas de rock, de blues, de jazz y de folk para construir melodías que se celebraron por todas partes. Un sonido de culto que no puede ni debe pasar de moda. También supo incorporar buenas letras, con reminiscencias ‘dylanianas’ pero que completaban a la perfección todas sus grabaciones. Evidentemente, la música del grupo fue desarrollándose de forma lenta pero segura. Y con cada nueva grabación se iba distanciando de los primeros sonidos pero siempre llevando su sello personal.

La banda se convirtió en un emblema de la generación musical de los ochenta, junto a otros nombres similares como Génesis, Clapton o Winwood. Mark Knopfler nació en agosto de 1949 en Inglaterra. Hijo de arquitecto decidió estudiar literatura inglesa en la Universidad de Leeds mientras colaboraba ocasionalmente como crítico de rock en la revista de la misma ciudad ‘Yorkshire Evening Post’. Una vez terminada su carrera se hizo profesor de inglés e hizo sus primeros pinitos musicales con una banda que no llegó a cuajar. Para aquel entonces se valía de la colaboración de su hermano David Knopfler (guitarrista), del bajista John Illsley y el batería Pick Withers. Grabaron una pequeña maqueta que llegó a oídos del DJ londinense Charlie Gillett. Consiguieron ser la banda telonera del grupo neoyorquino Talking Heads y su primer contrato con una discográfica (Vertigo). Su primer éxito fue el single ‘Sultans of swing’ que triunfó tanto en el Reino Unido como en EEUU.

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Su primer álbum homónimo también fue todo un éxito. Ese primer single ayudó a que se conocieran y la calidad de su música era evidente. Además, la mezcla de sonidos era atractiva para los dos lados del Atlántico. Se publicó en otoño del 1978 y era un conjunto melódico de rock y blues con raíces evidentes del jazz. Quizá no era un álbum con mucha fuerza pero sí se adivinaba lo que podrían dar de sí en el futuro y el listón de su calidad quedaba en todo lo alto. Las nueve canciones del álbum no desentonaban aunque algunos temas destacaron por encima del resto. Junto al exitoso single se podrían añadir ‘Down to the waterline’, ‘Water of love’ y ‘Wild west end’.

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Su segundo álbum titulado ‘Communiqué’ apareció en 1979. No defraudó, y además consolidó a su público. Vendió más de tres millones de copias en todo el mundo. Salió cuando todavía no se había cumplido un año de su primer estreno, y aunque para muchos era una pequeña decepción y una pequeña copia del anterior, con el paso del tiempo se ha llegado a valorar en su justa medida. Una obra maestra en todo. Desde el comienzo hasta el final. El sonido que ya habían evolucionado tenía una firma y un sello propio, tan sólo había que desarrollarlo y afinarlo. No tuvo el éxito esperado y sólo un single se coló entre los mejores del año ‘Lady writer‘. Pero hay temas que no se pueden menospreciar de ese álbum como ‘Once upon a time in the west’, ‘News’ o ‘Where do you think you’re going?’.

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Para la grabación del tercer disco el grupo vio cómo David Knopfler abandonaba el proyecto para encauzar su carrera en solitario. Le sustituyó Hal Lindes. Esa ausencia hizo que Mark se replanteara un poco sus orígenes del mismo proyecto y se alejó un tanto de las raíces jazz-country-rock para centrarse en algo más ambicioso. El éxito de ‘Making movies’ (1980) no se hizo esperar. Había motivos. Excelentes temas que relanzaron la carrera del grupo. La producción también varió de sintonía, con toques más new wave, una variante de jazz más moderna. Para muchos uno de los mejores trabajos de la banda, un disco que consiguió ser disco de oro tanto en Reino Unido como en EEUU. aunque con los últimos temas el disco va bajando de intensidad o en calidad. Varios singles ocuparon la lista de éxitos: ‘Tunnel of love’ o ‘Romeo and Julieta’. 

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Dos años tuvieron que esperar sus fans para volver a reencontrarse con un nuevo álbum del grupo. Se trataba de ‘Love over gold’ (1982). Aquí aumentaron las ganas de Knopfler para llegar más allá del rock progresivo. Creó una guitarra más virtuosa si cabía y ambicionó temas más extensos con mayores dosis de interpretación. El disco quedó formado finalmente con tan sólo cinco temas pero todos ellos de una duración más profunda y un trabajo más dedicado. El inicio era espectacular, con un ‘Telegraph road’ que duraba casi quince minutos y hacía presagiar una gran obra maestra. Era el momento para Knopfler de consagrarse como un gran guitarrista, decorando los sonidos en forma de ambientes y atmósferas personales, pero no llegó a cuajar del todo. Quizá las expectativas eran demasiado ambiciosas, quizá todos esperaban que el grupo siguiera una senda ascendente, pero lo cierto es que la realidad mostró un disco en esencia menor, un alto en el camino. Con el tiempo parecía que el líder de la banda experimentaba más que fabricaba.

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Porque por aquel entonces, Mark comenzó a explorar otras vías musicales, colaborando en el cine y con algunos otros músicos consagrados, como Van Morrison. De hecho, desapareció del grupo durante los dos siguientes años. No fue hasta 1985 que apareció el siguiente disco del grupo titulado ‘Brothers in arms’. El éxito fue contundente e inmediato. Uno de los discos más vendidos en la década de los ochenta en el Reino Unido. La gira de aquel año tuvo más de 200 fechas. Tras la cual el grupo tuvo que tomarse un merecido respiro. Fue un disco que trajo atmósferas de jazz-rock pero con ambientes de pop. El disco tuvo una aceptación brutal y mundial. Se adhirieron nuevos millones de fans y para muchos de sus seguidores fue considerado como el mejor álbum de la banda. Varios temas ayudaron al tremendo éxito: ‘Money for nothing’, ‘Ride across the river’ y, sobre todo, el que daba título al álbum ‘Brothers in arms’.

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A partir de ahí se abrió otro paréntesis que se interrumpió cinco años después, cuando Mark se juntó con Illsley, Clark y Fletcher, más algún que otro músico de sesión más, y se pusieron a grabar lo que sería el sexto álbum de la banda y que saldría publicado en 1991 con el título de ‘On every street’. No cumplió las expectativas, sobre todo cuando los fans llevaban años esperando otra nueva entrega con tanto ahínco. Aún así, fue disco de platino en los EEUU, pero no pudo entrar ni siquiera en el top 40 de las listas del Reino Unido. La conclusión fue que se trataba de una gran decepción. A finales de ese mismo año la banda anunció su disolución. Su líder se centraría en su carrera particular y en bandas sonoras para películas junto al teclista Fletcher. Illsley, el único que se había mantenido fiel desde el inicio dejó la carrera musical para dedicarse a su otra afición: la pintura. Withers, por su parte se dedicaría a tocar en bandas de jazz. Han sido varios los rumores de una posible vuelta de la banda pero nunca se han confirmado.

The Police

Publicado: 16 de enero de 2013 en Música
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” Yo veo la música como un lenguaje.

Si una forma musical se come su propia cola, se muere.

Por lo tanto, tiene que ser un perro mestizo, necesito ser hibrido ”

(Sting)

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La idea y el concepto original fue crear un grupo de punk rock con un sentido del término bastante amplio. Era también una mezcla de estilos, pasando por el pop y el reggae pero sin caer en la etiqueta única de punk. La guitarra debía ser precisa, densa, creando sonidos y efectos interrelacionados. La percusión debía ser notoria pero secundaria. La voz se mostraba  sugerente y distinta. El resultado del conjunto fue la creación de una de las mejores bandas de la época que sigue deleitando a sus millones de fans. Porque los grandes grupos nunca dejan de sonar, aunque se separen y aunque desaparezcan. Crearon una nueva forma de adentrarse en el punk mediante el pop. Y con el paso de sus discos sus experimentos fueron creciendo, poniendo notas de jazz y de blues y dándole al pop mayor protagonismo. Tuvieron un gran protagonismo pero su fama duró poco porque no duraron mucho tiempo juntos.

” Yo hago mi mejor trabajo cuando estoy en el dolor y la confusión ”

(Sting)

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Stewart Copeland (batería) y Gordon Sumner (guitarra y voz), más conocido como ‘Sting, formaron el grupo The Police en 1977. Copeland nació en julio del 52 en Virginia (EEUU) y su padre fue un ex agente de la CIA. Estudió en la Universidad de California y después se trasladó a vivir a Inglaterra donde conoció a Sting. Gordon Sumner nació en octubre del 51 en el norte de Inglaterra. Se inició en el bajo para seguir con la guitarra. También contribuyó con su voz y sus letras. Su carrera es impresionante. Tanto dentro del grupo como durante su carrera en solitario ha sido capaz de vender más de cien millones de discos. Ha recibido más de quince Premios Grammy e innumerables premios musicales al conjunto de su carrera. Desde muy joven ya evidenció su talento para la música, quizá su origen irlandés le sirvió de algo para ello. Comenzó en grupo de jazz y tocaba en locales de su ciudad vistiendo la segunda camiseta de su equipo favorito de fútbol (Newcastle United), que por aquel entonces era a rayas amarillas y negras. Un compañero de esa época comenzó a llamarle ‘abeja’ y al final todos le conocieron con el sobrenombre de ‘sting’ (aguijón). Años después se trasladaría a Londres donde conocería a Copeland y Summers. Andrew Summers nació en Lancashire (Inglaterra) en 1942. Fue un obsesionado por el piano y la guitarra y dejó los estudios para trabajar en una tienda de música y actuar en locales de jazz.

Cuando Copeland y Sting se unieron para formar The Police contaron en principio como guitarrista con el francés Henri Padovani, pero éste carecía de la suficiente experiencia. Cuando descubren a Andy se dan cuenta de que era el ideal para completar el proyecto. Quizá Sting fue su máximo avalista. Encontró en él a alguien con quien compartía gustos, influencias  y opiniones musicales. El grupo quedaría así formado hasta su final. En la primavera del 78 firmaron con el sello A&M y poco después apareció el primer sencillo titulado ‘Roxanne’. Comenzaron una gira ese verano por los EEUU con una furgoneta y equipos alquilados sin demasiada repercusión. Tuve que salir su primer álbum ‘Outlandos D’Amour’ (1978) en el otoño de ese mismo año para notar un ascenso en las listas británicas y norteamericanas. La primavera siguiente ese primer sencillo ya estaba en el número 12 en las listas del Reino Unido, mientras que el álbum se colocó en el puesto número 6. Quizá los posteriores discos de la banda fueron más ambiciosos y precisos, pero su debut fue un canto hacia su versión más directa y sencilla. Se veía que todos sus miembros tenían una amplia base musical, con esencia de jazz, y las combinaciones sonoras se efectuaron de la mejor manera posible. Considerado como uno de los mejores álbumes de debut de la década de los 70.

” Se necesita un hombre para sufrir la ignorancia y la sonrisa “

(Sting)

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El primer sencillo de su segundo álbum consiguió el número uno. ‘Message in a bottle’ (1979) les consagró en su país y también en Europa. La gira por diversos países no se hizo esperar. Pero esta vez fue a escala mundial. Países que no estaban acostumbrados a albergar estrellas de fama mundial vieron como tocaron para ellos. Países como México, India, Grecia, Egipto o Tailandia. Y es que ese segundo disco, ‘Reggatta de Blanc’ (1979), superaba al disco de inicio en ambición y en mezcla de sonidos. Ahora la fusión del reggae y del rock eran evidentes pero la forma de realizarlo resultaba fascinante. También marcó un cambio en el camino del grupo. Fue una terminación más pulida, más nítida. Varios de sus temas siguen siendo eternos y fueron grandes composiciones, como ‘Bring on the night’ o ‘The bed’s too big without you’. 

En 1980 apareció su tercer disco, ‘Zenyatta Mondatta’. Fue un disco que pegó con fuerza en los EEUU, llegando al top ten. Pero en Inglaterra alcanzó el número uno y se mantuvo ahí durante cuatro semanas. Quizá se esperaba ese disco para confirmar a la banda como una de las mejores de los ochenta, recién comenzados, y no bajaron el listón. Para muchos el mejor disco de la banda. Acaso porque fue un conjunto de excelentes temas con perfecta definición y producción. Varios temas llegaron a los top de las listas, pero su auténtico fondo fue su atmósfera sonora, muy instrumentista y de percusión. También Sting cargó las tintas en sus letras, siendo más crítico políticamente. Curiosamente, siempre dijo del disco que no llegó a ser lo verdaderamente bueno que ellos desearon y que pudo haber sido mucho mejor.

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En su cuarto álbum, el grupo entró de lleno en las esferas del pop más de la época. ‘Ghost in the machine’ (1981) dejó de lado su esencia más reggae y más rock. Aparecieron más sonidos enfocados al jazz, con instrumentos como los saxos. Digamos que se adaptaron al sonido más clásico de los 80. Y comenzó a crearse al mejor Sting en el terreno pop. Un camino que ya no dejaría. Varios temas del disco tuvieron éxito. Y quizá no sería reconocido como un gran álbum de pop aunque sí que fue un buen disco. Lo que dejaba claro el grupo es que seguía experimentando dentro de las apuestas musicales. No se conformaron con seguir un estilo, intentaron siempre crear nuevas mezclas, adaptarse a los nuevos tiempos. Pero también aprovecharon su popularidad y su fama para ir creando nuevas expectativas a su gusto, aunque claramente su calidad iba decreciendo. En 1983 apareció el que sería su último disco ‘Synchronicity’, para ese momento ya eran estrellas en todo el mundo. Sus giras eran siempre llenos históricos y ese disco generó cinco sencillos que coparon todas las listas de los países más importantes. Apuntaron a toques más electrónicos y siguieron por la senda del pop. Para muchos críticos, muchos de esos temas tenían el problema de estar rellenados de momentos intrascendentes. Se aliaron más con el jazz que tanto conocían y los instrumentos de percusión aumentaron. Quizá lo que dejó más claro ese álbum es que Sting ya estaba preparando su salto hacia su carrera en solitario y en el mundo del pop más emergente de esos tiempos.

Pero no deja de sorprender que ese último disco llegó a lo más alto de las listas tanto en el Reino Unido como en los EEUU y se mantuvo ahí durante varias semanas. Fue un éxito comercial y de ventas y recibieron muchos premios por ello. Quizá la fama estaba ganada y con poco se conseguía lo que no se consiguió con otros títulos anteriores. La gira de ese disco resultó otro éxito sin precedentes pero al terminarla se anunció que se tomaban un año sabático. Era el inicio del fin. Pasaron más de 3 años hasta que el grupo se volvió a reunir. Sting propuso grabar un disco reinterpretando los mejores temas del grupo, pero la iniciativa nunca cuajó. La relación entre Copeland y Sting ya estaba deteriorada y la idea no animó al grupo. Para entonces Sting ya había comenzado su proyecto personal y publicó su primer álbum en solitario en 1985. Copeland comenzó su carrera en solitario grabando partituras para cine y televisión. Formó banda de rock progresivo con el nombre de Animal Logic. Por su parte Summers se limitó a seguir por la senda experimental del jazz y de su fusión y colaboró con otros músicos en diferentes proyectos. A pesar de los continuos rumores de un posible retorno de la formación y de la grabación de un nuevo disco nada de eso ocurrió.

Funk

Publicado: 28 de noviembre de 2012 en Música
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“La música es sinónimo de libertad,
de tocar lo que quieras y como quieras,
siempre que sea bueno y tenga pasión,
que la música sea el alimento del amor”
(Kurt Cobain)
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El origen de la palabra ‘funky’ se aplicó por primera vez en la década de los años 50, aplicado a un tipo de jazz que se denominó ‘funky jazz’. Se utilizaba por extensión para toda la música que contenía determinadas características relacionadas con las raíces musicales negras. Su ritmo se caracterizaba por ser fuerte, muy acentuado. Para conocer el verdadero significado de la palabra ‘funky’ habría que pensar en el mismo sustantivo ‘funk’ que viene a decir temor o pánico. El mismo verbo da a entender ‘tener miedo’. Pero en el siglo XVII la palabra se utilizaba en Inglaterra para calificar a todos los lugares donde había mal olor, y sobre todo, aquellos lugares con mal olor por culpa del humo del tabaco. Y la palabra ‘funk’ de aquella época identificaba locales y antros malolientes.
“La música puede dar nombre a lo innombrable
y comunicar lo desconocido”
(Leonard Bernstein)
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Y si al principio el término se usó para definir un estilo de jazz que estaba dentro del ‘hard bop‘, con un sabor muy visceral, muy rítmico, con muchas influencias del gospel y del blues y con una gran tradición africana, pasó  luego a denominarse ‘soul jazz’. Pero como conocemos el término, y como se desarrolló su fama y su moda, fue a raíz de ser utilizado para definir a una nueva música de ambiente muy sonoro y bailable, una música animada que contagiaba las ganas por bailar y moverse, manteniendo las dosis perfectas de ritmo. Es en la década de los 60 cuando el término quedó completamente afianzado, y cuando se le relacionó perfectamente con música negra bailable, con raíces de blues y de soul. Su máximo exponente fue sin duda James Brown.

“La música es una cosa amplia,
sin límites, sin fronteras, sin banderas”
(León Gieco)
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James Brown nació en EEUU en mayo de 1933. Se le conoce por haber sido uno de los grandes cantantes de la música soul, rock y funky norteamericana. Su sobrenombre más famoso fue ‘The godfather of soul’ (El padrino del soul). Un personaje que desde niño tuvo que aprender a subsistir de la mejor manera posible. Recogió algodón, limpió zapatos e incluso confesó haber robado piezas de coche para poder venderlas. De hecho, con veinte años recién cumplidos fue arrestado por robo a mano armada y condenado a pena de cárcel. Tres años cumplió de condena cuando de nuevo vio la libertad, pasando a estar 3 años más en un reformatorio. Tuvo la suerte en ese momento de ser recogido por la familia de Bobby Byrd, un cantante de la época que le ayudaría en su carrera. Junto compartieron también escenarios. Desde la década de los sesenta comenzó a acumular éxitos, uno tras otro, títulos ya emblemáticos que alcanzaron los primeros puestos de ventas y de éxitos, títulos como ‘It’s a man’s world’, ‘I’ll go crazy’, ‘Think’ o ‘Prisioner of love’. Uno de esos títulos ‘Papa’s got a bran new bag’ llamó poderosamente la atención por tratarse de un tema realmente original. El ritmo destacaba de manera espectacular y los rasgueos de guitarra de fondo hizo que se comenzara a descubrir y a degustar el ‘funky’.

Pero es que el funk supuso una aire fresco a toda esa música de baile originada por músicos negros. Toda la música creada por este colectivo llevaba implícita una reivindicación política y social. Brown supo desarrollar toda esa música inspirada en el gospel, con mucho y ritmo y mucho blues, transformándola en un soul bailable que inundó todo el planeta. Comienzos la música disco como hoy la conocemos, origen del hip hop, del afrobeat, del rap y del breakdance. Pero el funky era una creación colectiva, una agrupación de todos los ritmos a expensas de la melodía. Junto al gran Brown no podemos olvidarnos de otros nombres que fueron el detonante del estilo musical: gente como The Meters o Sly & the family Stone. El denominado estilo funky soul con nombres como Temptations o Spinners y algunos de la escena Motown del momento como Stevie Wonder o Marvin Gaye. Pero el funk no se detuvo ahí y siguió desarrollándose en los setenta y ochenta. Todas las combinaciones posibles se pusieron en marcha, reminiscencias de jazz, de soul, de blues, de la nueva música callejera y de bandas, un cúmulo de sonidos que tenían todos el mismo origen y que reinterpretaron de manera genial la nueva música de baile. Seguramente con el tiempo seguirá siendo influencia para los sonidos nuevos y más creativos.

Sonido Filadelfia

Publicado: 7 de noviembre de 2012 en Música
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“La música comienza

donde acaba el lenguaje”
(E.T. Hoffmann)

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Las combinaciones musicales nunca han dejado de detenerse. Las variaciones de un estilo y la experimentación con otros han hecho posible diferentes pruebas de que se pueden lograr estupendas mezclas de sonido. El sonido de Filadelfia  (Philadelphia Sound o Sweet Philly) es buen ejemplo de ello. Para algunos el origen de la música disco tal y como comenzó y tal y como hoy la conocemos. Y sin duda con esencia de música negra por todos los costados. Influencias del funk, del soul, del jazz y del blues, unido todo ello, como un buen cóctel a un pop pegadizo y bien acompasado, con ritmos que invitaban a bailar y menearse. Muchos arreglos de orquesta, cuerdas y viento. Una fantástica muestra de creatividad. Se considera a Isaac Hayes como el detonante de este estilo, gracias a la banda sonora que grabó para Blaxploitation, un movimiento cinematográfico que se originó en EEUU a principios de la década de los 70 dentro de la comunidad afroamericana y que consistió básicamente en el boom de cine negro con bandas sonoras de artistas conocidos. Nació durante el gran éxito del cine de explotación y tenía como audiencia potencial al público urbano de raza negra. Quizá esa década presenció el crecimiento progresivo de los artistas negros en aquel país. Aparecieron directores de cine, actores, músicos y creadores de diferentes artes urbanas. Uno de los referentes de esa época fue el actor Sidney Poitier. Durante la década de los 60 aparecieron los famosos movimientos sociales de los negros, gracias a grupos como Black Power o los Black Panthers, que generaron un hervidero social, cultural y político para las siguientes generaciones. Algunos intelectuales negros incluso criticaron los métodos violentos de estos grupos, y por primera vez se abría un debate entre la misma cultura afroamericana. El disco de Hayes estaba formado por un sonido de soul sinfónico influenciado por el sonido del soul de Memphis.

En 1970 se estrenó en el cine la película ‘Cottom Comes’, la novela escrita por Chester Himes y dirigida por Ossie Davis. La historia estaba ambientada en el barrio neoyorquino de Harlem y fue plenamente protagonizada por actores negros y con una banda sonora de funky-soul. Fue el comienzo de una larga lista del movimiento Blaxpoitation, que tenían unos rasgos muy característicos como los pelos afro, las gafas enormes y los pantalones de campana. También apareció por aquella época otro embrión de este estilo musical: Barry White, sobre todo con el disco ‘Love’s theme’, el cual sorprendió y triunfó. Aunque el inicio del famoso sonido Filadelfia tiene que ver con el nacimiento de un sello discográfico llamado PIR (Philadelphia International Records). Un sello creado en 1971 por Kenny Gamble y Leon Huff, dos productores con extensa experiencia. Lo primero que idearon fue instalar una orquesta que daría el soporte a todas las grabaciones del sello. Los siguientes años los éxitos de este sello fueron más que evidentes y continuos. Todo ese sonido se caracterizó por restar protagonismo al artista principal y otorgárselo más a escritores, arreglistas, productores, músicos y solitas. Una parte profunda del soul pero llevada por el camino de la música disco, con una gran riqueza instrumental y muchos avances en la técnicas de grabación.

La música disco se generó como mezcla de la conocida como rhythm & blues (R&B) mezclando elementos como el funky o el soul y toques latinos. Su moda ocupó el espacio de los años setenta. Tras una década de los sesenta donde el pop concentró todas las emociones, se buscó un nuevo tipo de música que llenara las ‘modernas’ discotecas del momento. Para comenzar con ese estilo se utilizó la orquesta como medio conductor y dentro de esa orquesta destacaron los instrumentos de cuerda y de viento, pero además se incluían otros como la guitarra eléctrica y el piano también eléctrico. Su mayor apogeo fue durante los setenta pero se extendió después desarrollando sus formas y sonidos. Muchos grupos obtuvieron fama y éxito durante esa época: The Bee Gees, Village People, Boney M o ABBA, pero dentro de la música negra destacaron muchísimos más, como Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor. Todo ese espíritu musical estuvo acompañado del cine que aprovechó el momento para estrenar películas ya legendarias como ‘Saturday Night Fever’.

El lugar por el cual se identifica la música disco es la célebre sala neoyorquina ‘Studio 54‘, donde los DJs lograron extender la duración de los éxitos musicales del momento. Se crearon nuevas versiones de discos de moda y el objetivo evidente era bailar o invitar a bailar, disfrutando de la música según el término del momento: ‘Boogie’. Uno de los temas que más éxito tuvieron fue ‘Rock the boat’ (1974) del grupo The Hues Corporation. Marvin Gaye fue otro de los motores del movimiento. Al período comprendido entre 1974 y 1979 se le conoció como ‘La edad de oro’ del sonido.  Y quizá el sonido posterior en la música disco se inspiró en este movimiento cultural, social y musical, puesto que se diseñó con ese objetivo y el desarrollo del estilo fue totalmente natural.