Archivos de la categoría ‘Arte (Fotografía/Escultura/Pintura)’


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“Tienes que pedirte más a ti mismo.

Tienes que empezar a buscar fotografías que nadie más pueda hacer.

Tienes que coger tus herramientas e ir más allá.”

(William Albert Allard)

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Judy Dater nació en Hollywood (California, EEUU) en 1941  y se crió en Los Ángeles. Gracias a que su padre era dueño de una sala de cine, las películas representaron su primer acercamiento hacia las imágenes. Descubrió así otro mundo y la fotografía comenzó a ser una necesidad en su vida. Estudio arte en la Universidad de Los Ángeles (UCLA) aunque acabó la carrera en la Universidad Estatal de San Francisco tras su mudanza. Y fue allí donde comenzó a estudiar fotografía junto a Jack Welpott, con el que se casaría más adelante. Su obra tuvo una gran influencia pero también su ideología con marcado carácter feminista.

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Pero si en alguien se inspiró Dater fue en la fotógrafa Imogen Cunningham. Nacida en 1883 en Portland, Oregón (EEUU), comenzó su trabajo con la fotografía en 1901 como estudiante en Washington. En 1910 abrió su propio estudio en Seatlle y comenzó a recibir elogios y reconocimiento por su trabajo en retratos y en trabajos pictoralistas. Hacía encargos para la alta sociedad debido a su alta popularidad dentro del panorama local. Se trasladaría más adelante a California. En 1932, junto a varios artistas, creó el Grupo f/64.

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La carrera de Dater ha sido larga y fructífera. Ha combinado varias facetas, entre la enseñanza, los libros, sus viajes, sus vídeos, talleres e impresiones y, cómo no, sus infatigables fotografías a lo largo de toda su vida. Compartía con Cunningham el interés por el retrato y fueron muy buenas amigas. Tres años después de su muerte Dater publicó el libró Imogen Cunningham: un retrato, un repertorio de entrevistas, fotografías, amigos y familiares, repleto de fotografías de las dos artistas. Una de las fotos más famosas de Dater era esa que tomó en los bosques del Parque Yosemite en 1974, donde aparece Cunnigham descubriendo a una ninfa de los bosques, protagonizada por la modelo Twinka Thiebaud. Esa fotografía se convirtió en el primer desnudo frontal publicado por la revista Life. El vello púbico seguía siendo tabú en la sociedad norteamericana. Y según Dater, esa fotografía era un homenaje a Cunningham.

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“Me he acostado con algunos de mis modelos,

pero siempre les hice fotos después del sexo,

nunca antes,

la fotografía no fue un camino para llevarlos a la cama”

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Para Dater la belleza es imperfecta e incompleta, pero la busca por todos los medios. Y en cada una de sus obras se puede apreciar esa búsqueda. Se refleja en sus fotografías el anhelo de la contemplación y el silencio. Una sexualidad femenina potencialmente protagonista. Pero un desnudo en blanco y negro bien estimulante, original, haciendo pensar al espectador. Una obra cargada de sensualidad, de poder de atracción.

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Se plasma su rechazo por la sonrisa fácil, deseando más bien unas miradas interrogativas, pensativas, melancólicas. Una oposición frontal contra lo establecido, contra lo que es normal. Una rebelde que utiliza la fotografía para protestar. Una naturalidad por encima de todo y una apuesta por la sexualidad ante todo. Una conjugación perfecta de espontaneidad, amor y sexo en dosis perfectas…


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“¿Qué sería la vida si no tuviéramos el valor de intentar cosas nuevas?” 

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El postimpresionismo es el término con el que se conoce a todos los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue la etapa posterior al impresionismo y de ahí su nombre. Roger Fry fue el que tuvo la idea del término con motivo de una exposición de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, celebrada en Londres en 1910. Y es que el término engloba diversos estilos personales y como una extensión del impresionismo mismo, como un claro rechazo a las limitaciones que contenía. Se seguían utilizando colores muy vivos, unas pinceladas muy distinguibles y temas muy reales, pero querían abarcar más emociones y más expresión en su pintura. Se trataba de reflejar fielmente a la naturaleza en todos sus aspectos y una visión más subjetiva del mismo mundo. Lógicamente, la base era el impresionismo, aunque supuso una auténtica revolución y muchos de sus artistas fueron muy criticados. Muchos de ellos, al ser rechazados, se unieron y organizaron sus propias exposiciones. El impresionismo había representado una ruptura de los conceptos más dominantes en la pintura y en la escultura. Se trataba de reflejar la esencia, el estímulo, la sensación por encima de todo. Los artistas salieron a la calle, querían paisajes, edificios, personas. Había que pintar allí donde la sensación se creaba.

“Desde luego que para el arte,

donde se tiene necesidad de tiempo,

no estaría mal vivir más de una vida”

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Vincent Willem Van Gogh nació en Zundert (Holanda) en marzo de 1853. Considerado uno de los principales artistas del postimpresionismo. Un artista que se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocando siempre sus emociones por encima de todo. Fue el preludio del expresionismo. Pintó casi mil cuadros y más de mil quinientos dibujos. La figura central de su vida fue su hermano menor Theo, el cual le prestó dinero durante toda su vida. Desde muy joven se inclinó por el dibujo y con sólo 26 años se hizo misionero en una región minera de Bélgica. Allí comenzó a dibujar a la gente de la comunidad. Su primera gran obra la pintó en 1885 ‘Los comedores de patatas’, y ahí todavía utilizaba tonos sombríos. No fue hasta más adelante cuando comenzó a usar la luz de los colores más vivos, cuando descubrió el sur de Francia, sobre todo en Arlés hacia 1888. Toda la calidad de su obra no fue reconocida hasta después de su muerte, y con el paso de las décadas ha quedado marcado como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. Su influencia fue básica en todo el siglo XX, tanto para expresionistas alemanes o franceses.

Los comedores de patatas, 1885. Óleo sobre lienzo, 82 x 114 cm. Fundación Vincent van Gogh-Museo Van Gogh, Amsterdam

“He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que,

bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato,

ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues,

el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente…”

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Desde muy joven tuvo un carácter difícil, con un fuerte temperamento. Empezó a trabajar muy joven (16 años) tras abandonar los estudios. Tuvo una época muy religiosa. Se entusiasmó con la lectura de la Biblia y en mayo de 1877 se trasladó a Amsterdam donde intentó hacerse teólogo. Desistió, más que nada porque fue rechazado al desconocer griego y latín, y también por su dificultad para hablar en público, pero también su falta de subordinación ayudó a ello. No se adaptaba a ningún orden y mucho menos a someterse a reglas o a jefes. Sobre 1880 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas donde estudió dibujo y perspectiva. Comenzó a pintar en óleo, a pintar paisajes, con trazos gruesos. Y también comenzó a sentir soledad. En diciembre de 1883 regresó a su casa paterna, en ese momento Nuenen. Le acondicionaron una habitación como taller y se dedicó a pintar a los tejedores rurales. Los telares se convirtieron en su centro artístico en esa época. Intentó demostrar la solidaridad y naturalidad de los trabajadores, representando la idea de una sociedad libre de la industrialización. Al morir su padre repentinamente en marzo de 1885 se creó un conflicto entre su madre y sus hermanas por su herencia, lo que provocó que se fuera de esa casa.

“Sueño con pintar y luego pinto mis sueños”

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En noviembre de 1885 llegó a Amberes y ocupó un pequeño taller. Todo el alquiler lo pagaba su hermano. Descubrió a Rubens, y su colorido le abrió las puertas a nuevas ideas. Un año después se mudó a París para vivir junto a su hermano. Y fue Theo quien le enseñó obras impresionistas que le ayudaron a ser todavía más luminoso. Fue un cambio radical en su obra a partir de entonces. Ya se codeó con los más importantes artistas franceses de la época: Bernard, Seurat, Gauguin, Cézanne, etc… Se puede resumir su etapa parisina como muy fértil a nivel artístico pero agotadora físicamente, donde la absenta y las salidas nocturnas fueron habituales. En febrero de 1888 llegó a Arlés, al sur de Francia. Allí pintó todo lo que vio. Pero se concentró en lo que le rodeaba, en los campos de trigo, en los pantanos del Ródano, en los paisajes que veía cada día. Utilizó pinceladas ondulantes, muchos verdes, amarillos y azules. Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de toda su vida, que le llevó a hacerse una herida de bala que acabaría con su vida con sólo 37 años.

“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores

que ser estrecho de mente y demasiado prudente”

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“Las obras de arte nacen siempre de quien ha afrontado el peligro,
de quien ha ido hasta el extremo de la experiencia,
hasta el punto que ningún humano puede rebasar.
Cuanto más se ve, más propia, más personal, más única se hace una vida”
(Rainer María Rilke) 
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Kjell Nupen es un artista noruego nacido en la ciudad de Kristiansand (Noruega) en septiembre de 1955. Estudió en la Statens Kunstakademi (Academia de Cultura del Estado) de Oslo entre 1972 y 1975. Un artista contemporáneo que desde muy joven destacó y con sólo 17 años ya estudiaba are. Experimentó desde sus inicios, sin haber cumplido todavía los 20. Por aquellos años sus expresiones artísticas destacaban por sus coloridos lienzos, y muy influenciado por las políticas turbulentas que ocurrían en Europa. Más adelante residiría y estudiaría en Düsseldorf (Alemania) y es cuando descubrió realmente el arte como concepto. Algunas de sus mejores obras las realizó durante ese período.
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En los años ochenta comenzó una nueva etapa, separando sus viejas ideas y mostrando motivos de naturaleza. Buscaba la tranquilidad y la estabilidad. La soledad como estado de necesidad. Pintor figurativo que emplea técnicas de artista gráfico. Muy respetado dentro del mundo del grabado, de la litografía y del woodprint. E incluso ha trabajado como asesor para otros artistas. Sus mejores obras se pueden encontrar alrededor de todo Noruega y en varios países extranjeros. Y aunque él siempre se ha considerado un pintor tal cual, la escultura ha sido otra de sus aficiones. Ha trabajado el granito, la cerámica, el vidrio, el bronce y el acero. Muchas de sus obras se pueden contemplar al aire libre.
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“El arte es el placer de un espíritu

que penetra en la naturaleza

y descubre que también ésta tiene alma”

(Auguste Rodin)

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Lo que conocemos como ‘graffiti’ viene del mismo vocablo italiano y también es conocido popularmente como pintada. Su significado viene del antiguo vocablo del latín ‘scariphare‘, que viene a llamar al punzón o al estilite con el que los antiguos escribían sobre tablillas, aunque actualmente se trate de inscripciones o pinturas realizadas generalmente sobre mobiliario urbano. Sus orígenes se podrían remontar a todas aquellas inscripciones que quedaron en las paredes del Imperio romano, generalmente de carácter satírico o crítico. Para muchos artistas actuales, el graffiti se ha convertido en la única forma que poseen para poder expresarse de una manera pública y artística. Pintando textos abstractos en cualquiera pared o fachada de la vía pública, de una manera absolutamente libre y creativa, con el único fin de expresar y divulgar su obra, donde la esencia es básicamente evolucionar buscando ser ante todo original y creando un impacto considerable al público que pueda verlo al caminar por la calle. Se podría decir que el graffiti es un arte revolucionario, urbano y rebelde, y que se puede utilizar para criticar cualquier comportamiento humano o acción política. En muchas ocasiones, es una obra espontánea, rápida, precisa y anónima.

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Uno de los elementos básicos para realizar un grafiti es el aerosol, uno de los cuatro elementos básicos también de la cultura urbana del hip hop. Se comenzó a utilizar la palabra a nivel coloquial en periódicos neoyorquinos de la década de los 70. El término se propagó rápidamente y pasó a popularizarse en todo el mundo. Curiosamente, en italiano se utiliza el vocablo inglés ‘writing’ para referirse a los graffiti de estilo hip hop, dado que el término se utiliza solamente para su sentido original. Pero la costumbre de escribir y firmar obras públicamente, tanto en paredes como en calles es muy antigua. Entre los romanos la costumbre estaba muy extendida. En la actualidad, el graffiti es un arte callejero global, que se puede encontrar en cualquier rincón del planeta. A finales de la década de los 60 había nacido en Filadelfia (EEUU) una subcultura que tenía un estilo propio: letras largas con bases en el inferior. Cuando años más tarde llegó a Nueva York se le denominó Elegante Broadway. Los sprays se vieron por todas partes; en colegios, en universidades, en parques, en fachadas de ministerios, mensajes pintados con mensajes en contra del racismo, de la guerra, a favor del movimiento ‘hippie’. Los primeros grafiteros neoyorquinos firmaban sus obras con un número que indicaba la calle donde ellos mismo vivían. La mayoría eran del lado superior del oeste de Manhattan pero también los había importantes tanto en Bronx como en Brooklyn.

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Quizá cuando su fama logró la cima de popularidad fue a principios de la década de los 70. A finales de esa década, una gran remesa de grafiteros del área de Brooklyn comenzaron a hacerse famosos. La Autoridad Metropolitana del Transporte de Nueva York comenzó su lucha particular contra el movimiento grafitero, puesto que eran sus trenes los primeros en ser pintados. Se les llamó entonces a los grafiteros ‘buffs’ (entusiastas) y muchos de ellos llegaron a Europa en busca de nuevos espacios libres por donde desarrollar su arte. Hubo en EEUU una maquinaria para mediatizar a la gente en contra de la cultura grafitera y mucha gente se volvió contra ellos. A finales de los ochenta, los trenes de Nueva York transitaban en su mayoría limpios. Muchos grafiteros ya se habían ido de la ciudad y pocos continuaban pintando. Esa época fue conocida con el nombre de ‘Clean train movement’ (El movimiento tren limpio).

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A mediados de los 70 nació Banksy, el pseudónimo del artista grafitero británico. Al menos eso se cree. Y parece ser que fue en Bristol en 1974. Pero todo lo que concierne a su identidad y a sus datos son realmente rumores sin confirmar. Se desconocen muchos detalles de su biografía. Parece ser que comenzó su carrera como grafitero en el boom del aerosol de Bristol a finales de los 80. Sus obras, en su mayoría, son piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias urbanas, combinando la escritura con el graffiti de plantilla (‘stencils’). Su arte está influenciado con el artista Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos a comienzos de los ochenta en París. De hecho confesó que su arte ya lo había hecho Blek veinte años antes. Se hizo muy famoso en las calles de Londres.

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Siempre ha ocultado su identidad real a toda la prensa. Muchos han apuntado que su nombre podría saber Robert Banks o Robin Banks, pero son simples conjeturas. Simon Hattenstone, el único periodista que lo entrevistó cara a cara lo describió como una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner, varón de no llegado a la treintena, vestido con jeans y bastante informal. Las conjeturas han continuado y se ha filtrado que podría ser un varón de 35 años, de pelo rubio, alto, y que viste ropa típica de grafitero. Más adelante se filtró que su nombre podría ser Robin Gunningham, un trabajador de clase media y que carecería de ningún perfil en redes sociales y con pocos datos sobre su vida. Su andadura artística comenzaría en las calles de Bristol entre 1992 y 1994. En el 2000 organizó una exposición en Londres y su obra se ha visto por todas las ciudades del mundo.

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Su obra se ha centrado en promover visiones distintas  a las de los grandes medios de comunicación. Cobra también para ONG’s como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV. Algunos de sus cuadros se han vendido  hasta por 25 mil libras y hasta un juego de sus obras fue vendido en Sotheby’s mediante subasta, por lo que recibió la crítica de muchos por ser un vendido. En los últimos días se ha burlado de mercado del arte y ha vendido algunas de sus obras en el centro de Nueva York, mediante un vendedor ambulante a un precio de 60 dólares cuando se calcula que cada una podría costar en el mercado más de 10 mil dólares.


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“El mundo está lleno de pequeñas alegrías:
el arte consiste en saber distinguirlas” 
(Li Tai-Po)
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Odd Nerdrum, nacido en abril de 1944 en Helsingborg, Suecia, es uno de los pintores figurativos noruegos más importantes del momento. Aunque muy controvertido por los temas que gusta expresar, no se aleja demasiado de la anécdota y de la narrativa, sin haber negado nunca sus influencias de Rembrandt y Caravaggio. El arte abstracto es una imagen que representa algo de distinta manera desde el punto de vista del mismo pintor. Un concepto contrario al arte figurativo, donde se remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales.
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El arte figurativo, figurativismo o arte representacional es el arte que se define por la representación de figuras, entendiéndolas como objetos identificables mediante imágenes reconocibles; procurando su verosimilitud (realismo artístico), o bien distorsionándolas de alguna forma; idealizándolas e intensificando alguno de sus aspectos, optando finalmente por darle una u otra forma de representación, ya sea el simbolismo, el detallismo o el preciosismo, por poner unos ejemplos. De hecho, en la obra de Nerdrum se ve un continuo conflicto directo y personal entre la abstracción y el arte conceptual.
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“Las obras de arte nacen siempre de quien ha afrontado el peligro,
de quien ha ido hasta el extremo de la experiencia,
hasta el punto que ningún humano puede rebasar.
Cuanto más se ve,
más propia, más personal,
más única se hace una vida”
(Rainer María Rilke)
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Son artes figurativas aquellas que tienen un mayor componente icónico en sus producciones. Habitualmente confundidas con las artes visuales, no coinciden exactamente, dado que entre las artes visuales son especialmente dos: la pintura y la escultura, las que suelen entenderse como figurativas, la arquitectura tiene un componente figurativo menos evidente. Nerdrum es un pintor con una actividad sorprendente. Puede pintar desde bodegones a pequeños objetos, todos esos objetos cotidianos que tenemos a nuestro alrededor y de los que quizá no prestamos demasiada atención, ya sean ladrillos, retratos o marcos. Todos sus temas parecen sacados de otro momento o de otro tiempo y lugar; son pinturas de gran formato, de naturaleza alegórica que representan un sentido de lo apocalíptico y referidas al mundo en el que vivimos. Afirma Nerdrum que su arte debe ser entendido como ‘kitsch’ en lugar de arte como tal. De hecho, escribió un manifiesto titulado ‘On kitsch’, donde describe lo que para él supone la distinción entre kitsch y arte.

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A finales del siglo XIX surgieron en Europa unas tendencias arquitectónicas que rompían con los criterios más tradicionales y que buscaban principalmente nuevas formas de edificar de manera futurista, vislumbrando el siglo XX que se avecinaba. Se centraban por encima de todo en la estética. Fue un movimiento que tuvo su origen en la Revolución Industrial, que ya había arraigado en varios países y que había provocado el crecimiento espectacular de las ciudades. Se podría decir que el modernismo era un estilo urbano y burgués. En general, el modernismo rechazaba el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX, desarrollando nuevos conceptos basados en la misma Naturaleza, definidos en los materiales de construcción, las formas de los edificios y en las figuras en las fachadas. Era habitual ver en las fachadas todo tipo de flores, hojas o pájaros, adosados o como simples adornos de piedra o cerámica. Pero también fue habitual ver personas o animales fabulosos en las cornisas con colores llamativos. Las ventanas y balcones destacaban por sus rejas de hierro forjado, labradas artísticamente y con motivos de la naturaleza.

“Quienes deben hacer cosas son precisamente aquellos que no han hecho nada”

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Una de las regiones donde el modernismo se desarrolló de forma magistral fue en Cataluña, fomentado por una burguesía incipiente, orgullosa de su cultura y de su pasado, muy sensible al arte y al diseño. Con ese nuevo estilo, la burguesía catalana vio la forma idónea de satisfacer sus ansias de modernización, expresando la identidad catalana y poniendo de manifiesto su riqueza, gusto y distinción. Pero el modernismo catalán también se desarrolló en otras artes, como en la pintura o la escultura, y sobre todo en el diseño y en las artes decorativas. En Cataluña, este arte recibió una atención especial, adquiriendo una personalidad propia y muy diferenciada. Su denominación se debió a su relación geográfica con Cataluña y sobre todo por su capital, Barcelona. Una región que intentaba a toda costa diferenciarse de la cultura española por diferentes razones, tanto sociales, históricas como lingüísticas. Dos hitos se enmarcan perfectamente en ese círculo: la Exposición Universal de Barcelona de 1888 y la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Es necesario alternar la reflexión y la acción,

que se completan y corrigen la una con la otra.

También para avanzar se necesitan las 2 piernas: la acción y la reflexión”

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La lista de todos los artistas que estuvieron influenciados por este movimiento es muy extensa pero algunos ejemplos fueron los pintores Santiago Rusiñol, Joaquín Sunyer o Joan Brull, o los arquitectos Rogent i Amat, Lluís Domènech o Josep Puig. Pero uno de estos artistas destacó por encima del resto: Antoni Gaudí i Cornet nació en Reus (Tarragona) en junio de 1852. Arquitecto y máximo representante del modernismo catalán. Tenía un sentido innato de la geometría y del volumen, con una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de ellas. Los prefería recrear sobre maquetas tridimensionales, moldeando los detalles según los iba ideando mentalmente. Muchas veces improvisaba sobre la marcha y daba las instrucciones oportunas a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer exactamente.

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Concebía sus edificios de una forma global. No dejaba ni el más mínimo detalle al azar. Y muchos trabajos artesanales los integraba a la realización arquitectónica, como la cerámica, la vidriería, la forja de hierro o la carpintería. Además, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso ‘trencadís’, hecho con piezas de cerámica de desecho. Una especie de mosaico realizado con fragmentos cerámicos unidos con argamasa. Utilizando piezas rechazadas de las fábricas, así como fragmentos de platos y de tazas de café de cerámica blanca y baldosas de cerámica, las resaltaba esmaltándolas para crear un cromatismo de colores vivos, aprovechando la superficie lisa y pulida y poder causar el máximo efecto de brillo al incidir la luz sobre ellas.

“El gran libro, siempre abierto y que tenemos que hacer un esfuerzo para leer,

es el de la Naturaleza,

y los otros libros se toman a partir de él,

y en ellos se encuentran los errores

y malas interpretaciones de los hombres”

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Sus inicios arquitectónicos estuvieron marcados por el arte neogótico y ciertas tendencias orientales, pero desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia. Pero se situó más allá del simple modernismo ortodoxo, creando un sello personal, un estilo propio basado en la observación de la naturaleza, utilizando formas geométricas regladas, como la paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. Su vida fue un continuo experimento, dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno. Su obra culminó en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder toda la experiencia adquirida en estilos anteriores. Hoy en día, el nombre de Gaudí tiene repercusión en todo el mundo. Es aclamado y admirado por todos los amantes del modernismo y de la arquitectura. Uno de los mayores atractivos de visitar Barcelona pasa por visitar sus obras, muchas de ellas consideradas de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

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Nació en una familia de caldereros y se trasladó a Barcelona para estudiar arquitectura, graduándose en 1878. Sus inicios profesionales pasaron por colaborar con algunos renombrados estudios de la época, como el de José Fonseré, con quien proyectó la cascada, las rejas metálicas y las puertas del parque de la Ciudadela de Barcelona. En 1883 fue nombrado arquitecto del templo de la Sagrada Familia, una obra que ocupó toda su vida y que sigue en construcción actualmente. Quizá fue su ‘obra’. Su principal argumento artístico, que quedó inconclusa con su muerte y sin un proyecto definido. Pero durante la realización de dicho templo, tuvo tiempo para encargarse de otras obras, como la villa El Capricho, en Comillas (Cantabria) o la casa Vicens, en el barrio de Gracia de Barcelona.

“Para hacer las cosas bien es necesario: primero, el amor, segundo, la técnica”

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Y fue por entonces cuando contactó con el conde de Güell, quien no dejaría de encargarle trabajos a partir de entonces. Primero algunos pabellones para su finca de Pedralbes y el Palacio de la calle Nou de la Rambla de Barcelona. Más adelante el colegio de las teresianas de la calle Ganduxer y el palacio episcopal de Astorga, que no pudo terminar debido a la muerte del conde. Ya comenzaba a vislumbrarse su estilo, desde la recreación del gótico hasta su atracción por las curvas y la decoración artesanal. En 1892 recibió el encargo de una casa en León, conocida como la Casa de los Botines. Fueron muchos inmuebles los que fueron encargados al arquitecto, como la Casa Calvet, la Casa Batlló y la Casa Milá, conocida como La Pedrera y que se puede considerar como la culminación de su genio. La fachada de ese edificio habla por sí sola de su genialidad como artista y como arquitecto, con una concepción ondulada de piedra y hierro forjardo y un conjunto de chimeneas en la azotea. Una de sus obras más visitadas es el Parc Güell.

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“Toda obra de arte debe ser seductora

y si por ser demasiado original se pierde la cualidad de la seducción,

ya no hay obra de arte” 

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Sería difícil calificar la obra de Gaudí y quedarse con una de sus obras por encima del resto. A cada persona que preguntáramos podría decirnos una diferente. Su arte atrajo y atrae a millones de personas en todo el mundo, y su atracción va intrínseca al sentimiento de belleza. Su muerte al ser atropellado por un tranvía quizá fue tan sólo una anécdota, pero tras su ella dejó una leyenda y un legado. Ya era conocido dentro y fuera de España pero su genio innovador y creativo no fue mayormente aceptado hasta décadas después. Hoy es una de las influencias arquitectónicas más importantes del mundo.

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“En parte,

el arte completa lo que la naturaleza no puede elaborar y

en parte,

imita a la naturaleza…”

(Aristóteles)

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Gustav Vigeland nació en Mandal (Noruega) en 1869. Su pasión y su profesión fue la escultura. Su familia estaba integrada por artesanos y contables. Ya desde joven demostró grandes dotes para el arte, especialmente en la talla de madera, en sus primeros años de escuela. Sus estudios de arte los inició en el taller del escultor Floed, pero debido a la muerte de su padre se vio obligado a abandonarlos súbitamente. Con 17 recién cumplidos volvió al hogar de su madre, donde se encargó incluso de la manutención de su familia. Sus inquietudes culturales eran variadas, porque además de la escultura, la literatura y la pintura eran otras de sus pasiones. Su lectura favorita fueron los clásicos.

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Comenzó a dibujar esbozos, pequeñas gotas de su juventud y de su estado innato de creatividad, y al volver a Oslo intentó mostrarlos aunque su timidez se lo impidió. Trabajó como escultor de madera para ganarse un sueldo, que de hecho era ridículo. Aún así fue una persona que se adaptó a las circunstancias. Supo ir tirando con su pequeño sueldo, aunque nunca negó haber pasado momentos de hambre y miseria. Con el tiempo consiguió el valor de enseñar sus dibujos y lo hizo al escultor Bergslien, quien se entusiasmó con ellos y provocó que se los enseñara a Lorenz Dietrichson, un profesor de historia del arte que convino que ese joven era un genio en ciernes. El propio Bergslien le dio autorización para trabajar en su taller.

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Y con sólo 20 años expuso su primera obra en la Exposición Nacional de escultores. La obra era ‘Agar e Ismael’. Gracias a esa primera exposición recibió una beca del estado y se trasladó a Copenhague para trabajar junto al famoso profesor y escultor danés Christian Visen. Más de un año trabajó allí hasta que recibió una nueva beca y se trasladó a París donde descubriría a Rodin y se quedaría prendado por su obra. Fue a visitarle a su taller y se dejó influenciar por la potencia de su arte. Cuando volvió a su país ya corría el año 1893. Tardaría un año para exponer por fin su primera exposición, la cual despertó entre el público y los críticos diversos sentimientos.

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En 1895 se trasladó a Berlín y a Florencia.  En su paso por Italia entró en contacto con el arte antiguo y con el Renacimiento. Fue el germen en su obra de temas que dominaron el mayor tiempo de su producción artística: como la muerte, el hombre y la mujer o la vida cotidiana. Pero también fueron tiempos donde volvió a acumular miseria, una vez que ya había regresado a Noruega. Y para combatirla se unió al grupo de trabajo de restauración de la catedral de Trondheim, donde esculpió varias excelentes estatuas.

Trondheim: Nidaros Cathedral

Pero su pasión no estaba ahí. Encontró muchas limitaciones artísticas y su rumbo y su arte andaban por otro lado. Abandonó el lugar para instalarse en un mísero taller en Hammersborg donde según él mismo padeció la dureza del invierno nórdico. Pero fue en ese época cuando creó quizá sus obras más bellas:’ Nordraak’, ‘Beethoven’, ‘Wergeland’ o ‘Abel’, entre otras. De regreso a Oslo vivió el período de la gran efervescencia nacionalista noruega y que culminó con la independencia de Suecia en 1905.

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El país deseaba entonces celebrar su propia historia y su propia cultura. Para entonces, ya estaba considerado como el escultor noruego con más talento y recibió muchos encargos de estatuas y bustos conmemorativos de ilustres compatriotas, como por ejemplo Henrik Ibsen o Henrik Abel. Para 1906, presentó un modelo de yeso de una fuente monumental, que debía adornar la plaza frente al Parlamento Nacional. Su obra fue bien acogida pero hubo discrepancias con el lugar donde ubicarla. Esa espera la aprovechó para incrementar la propuesta con varios grupos escultóricos y una alta columna de granito. Su fama se consolidó en su obra realizada en el Parque Vigeland, un área interior del Parque Frognerparken de Oslo (Noruega). Ahí se encuentran más de 200 obras suyas.

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En 1921, el consistorio de Oslo decidió demolir el viejo edificio donde se encontraba el estudio de Vigeland para construir una biblioteca. Para ello se llegó a un acuerdo: el consistorio se comprometía a construir un nuevo edificio destinado al estudio y a la vivienda del artista, para ser transformado en museo tras su muerte y, a cambio, el artista se comprometía a donar a la ciudad todo su trabajo, sus esculturas, sus diseños, etc… La ubicación finalmente de su estudio sería Kirkeveien y estuvo activo desde 1924. A partir de esa fecha el escultor se dedicó al proyecto, realización e instalación del área destinada a la exposición permanente de sus esculturas y que tomaría en el futuro el nombre de Parque Vigeland. En esa casa y en ese estudio vivió y trabajó hasta 1943, fecha en que murió. Y allí reposan sus cenizas, conservadas en la torre. Y tal como había sido dispuesto se convirtió en el Museo Vigeland.

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“La escultura no consiste en el simple labrado de la forma de una cosa,

sino el labrado de su efecto”

(John Ruskin)

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Nicolaus Wideberg, más conocido como Nico Wideberg, nació en Oslo en octubre de 1960. Considerado uno de los mejores artistas noruegos del momento. Escultor y pintor, aunque artista por encima de todo. Estudió en la Academia Nacional de las Artes y en la Academia Nacional de Arte de Oslo. Nico ya provenía de una familia unida al arte, dado que su padre Frans es pintor, al igual que su hermano Thomas.

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El mundo de Wideberg toca múltiples disciplinas. Su inmersión en el mundo de la escultura le ha hecho desarrollar su carrera a través de la piedra, sobre todo granito y diabasa. El granito es una roca constituida esencialmente por cuarzo, feldespato y mica. Para su uso se utiliza el nombre de granitoide, roca abundante en la corteza continental y con alto índice de sílice. La diabasa es conocida como granito negro, una roca de granulado fino con muchos cristales de color gris oscuro o negro. Pero además utiliza también el bronce y el cristal. Sus trabajos han ido alternando la escultura con la pintura, tanto al óleo como en gráficos.

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Se ha centrado sobre todo en plasmar las figuras humanas, en su concepto, sobre todo cabezas y torsos. Según él, quiere transmitir un estado de ánimo, una sensación humana de presencia, una expresión artística al fin y al cabo. Su idea de arte está unida a la tradición figurativa clásica. El arte figurativo, también llamado figurativismo o arte representacional, es aquel que contrariamente al arte abstracto, es la representación de las figuras, y se entiende por figuras todos esos objetos identificables mediante imágenes reconocibles, dándole realismo artístico o distorsionándolas de alguna forma. También mediante la idealización de las figuras (idealismo artístico), ya sea mediante la caricatura o el mismo expresionismo. La denominación de arte imitativa creada por Platón asociaba al arte figurativo al concepto de mimesis o la imitación de la naturaleza.

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Nico Widerberg hizo su debut artístico en 1984. Cuenta en la actualidad con más de 30 exposiciones individuales y ha participado en más de 40 exposiciones colectivas, tanto a nivel nacional como internacional. Sus obras más importantes y conocidas son los monumentos de Thor Heyerdahl y Trygve Lie, también la decoración del edificio del gobierno noruego en Oslo, el aeropuerto de la capital noruega y la escultura ‘Pilar Man’ en la Universidad de Newcastle (Reino Unido) que se inauguró en 2004.

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Ha sido un artista innovador, utilizando también herramientas eléctricas para sus trabajos de escultura, haciéndolo a un ritmo asombroso. Y es famoso por sus técnicas en el uso de la arcilla, como el bronce o el cristal. Su fama incluso ha dejado en un segundo plano a su padre, pintor muy reconocido del siglo XX en el panorama artístico noruego. Y es que el arte de Nico no deja de sorprender.

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“Vi al ángel en el mármol

y tallé hasta que lo dejé en libertad”

(Miguel Ángel Buonarroti)

***


“Lo importante

es ver aquello

que resulta invisible para los demás”

(Robert Frank)

***

William Klein nació en abril de 1928 en Nueva York, aunque casi toda su vida se desarrolló en Francia. Construyó su carrera gracias a la fotografía y al cine. Dirigió un buen número de largometrajes y ganó el Premio Nadar de fotografía en 1956. Un galardón anual que se otorga por un jurado de expertos fotoperiodistas al mejor libro de fotografía editado en Francia. Premio que se comenzó a conceder en 1955. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial desarrolló su trabajo desde París. Trabajó junto al escultor Fernando Leger y estudió pintura y fue en la década de los 50 cuando descubrió el mundo de la fotografía y todas las posibilidades que ese mundo le permitían abarcar. Fue el inicio de la búsqueda de la imagen perfecta, todas esas imágenes que le rodeaban, que estaban simplemente en su entorno y que su ojo debía plasmar en su cámara. Colaboró en el revista Vogue  desde 1954 con la moda como tema principal, y gracias a ese trabajo pudo financiar sus propios proyectos personales, dedicándose más adelante al cine.

“Empecé a tomar fotografías de moda para ganar dinero”

***

Los temas que tocó mediante el mundo del cine rozaban la estética social, la política y la moda. Todos esas escenas le atraían especialmente. Participó en la película ‘Lejos de Vietnam’ (1967), producida por Chris Marker. Como bien declaró, muchos lo consideraron comunista por apoyar el proyecto, además de tener también el adjetivo de ‘intelectual francés’. El largometraje pretendía dar respuesta a la penetración del imperialismo norteamericano durante la Guerra de Vietnam. Otro proyecto fue ‘Mr.Freedom’ (1969), una caricatura del super hombre norteamericano que destruía todo lo que encontraba a su paso, una estética auténticamente pop con toques de Warhol. Pero su apoyo al cine independiente fue una constante. Donde consiguió la fama mundial fue con ‘Muhamed Alí’ (1974), retrato del famoso boxeador. Entre el deporte y el racismo, una crítica social gracias a la fama de uno de los grandes ídolos negros del momento.

“Siempre pensé

que las buenas fotos son como las buenas bromas,

si se tienen que explicar es que no eran tan buenas”

(Anónimo)

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Su trabajo fue considerado un tanto revolucionario por su enfoque ambivalente e irónico sobre todo en el mundo de la moda. Era claro su rechazo intransigente de las reglas vigentes de la fotografía. Usaba casi siempre el gran angular y lentes con teleobjetivo, iluminación natural y desenfoque del movimiento. También calificado como uno de los padres de la fotografía de la calle junto a Robert Frank.  De todas formas siempre fue difícil clasificarle como artista. Durante toda su carrera dirigió numerosos documentales cortos, largometrajes y más de 250 anuncios publicitarios. Se crió en el seno de una familia judía de Nueva York, y con catorce años se matriculó en el City College para estudiar sociología. Tras unirse al ejército de los EEUU se instaló en Alemania y después en Francia, donde se afincó tras recibir el alta hospitalaria. En 1948 se matriculó en la Sorbona. Siempre estuvo atraído por la escultura y la pintura abstracta.



“Si en un incendio

tuviera que escoger

entre salvar a un gato o un Rembrandt,

salvaría al gato, y luego lo dejaría libre”

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La escultura es el arte de modelar el barro, tallar en piedra, en madera u otros materiales. Una manera de expresión artística donde se crean volúmenes y se conforman espacios. Una forma de arte absolutamente espectacular, donde los sentidos toman forma y las expresiones admiran al espectador. Se pueden usar diferentes combinaciones de materiales y medios, creando un gran repertorio artístico que comprende una serie de procesos como el constructivismo y el ensamblaje. Obras plásticas que impactan por su belleza y creatividad. Desde que el hombre es hombre siempre ha tenido la necesidad de esculpir. Si al principio sólo lo pudo hacer con materiales simples, como por ejemploe, la piedra, la arcilla o la madera, más adelante utilizó otro como el hierro, el bronce, el plomo, el yeso, la cera, los plásticos y el poliéster, por poner otro ejemplos. También se han introducido novedades más modernas, como la fibra de vidrio o la reflexión de luz.

“El escultor saca todo lo superfluo

y reduce el material a la forma

que existe dentro de la mente del artista”

(Giorgio Vasari)

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Alberto Giacometti nació en  Borgonovo, Suiza en 1901, cerca de la frontera con Italia. Desde su infancia estuvo rodeado de artistas. Su padre había sido pintor impresionista. Tras terminar sus estudios secundarios se trasladó a Ginebra para cursar pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes. En 1922, viajó a París para estudiar en la prestigiosa Académie de la Grande Chaumieère en Montparnasse bajo la tutela del escultor Antoine Bourdelle. Y fue precisamente allí donde comenzó su experimentación con el cubismo. Aunque más tarde se introdujo en el estilo surrealista para no abandonarlo. De hecho, ya en 1927 empezó a mostrar sus primeras esculturas surrealistas en el Salón de las Tullerías. No tardó mucho en ser considerado uno de los escultores más importantes del momento. Como no pudo ser de otra manera, el vivir en un barrio como Montparnasse, repleto de artistas y de arte, comenzó a relacionarse con grandes artistas del lugar y del momento, como Joan Miró o Picasso, además de tener interminables tertulias con escritores como Beckett, Sartre o Breton. Con éste ultimo colaboró en la publicación ‘Le suréalisme au service de la révolution’ mediante sus dibujos y artículos.

“Es un gran privilegio ser capaz de trabajar

con mis sentimientos

(y también fuera de ellos)

a través de la escultura”

(Louise Bourgeois)

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Su obra apareció en un momento de inflexión en el movimiento surrealista, que evolucionó desde la exploración del universo interior, en los años veinte, adentrándose en mundos de los sueños, locura y experiencias hipnóticas, hasta el descubrimiento del universo real o inventado de los objetos en la década de los 30. En algunos de sus artículos para la revista ya ensalzó el magnetismo inquietante con que le hechizaban los objetos: “Todas las cosas, las que están cerca, y lejos, todas las que han pasado y las futuras, las que mueven, mis amigas, cambian (se pasa junto a ellas, se apartan), otras se acercan, suben, descienden, patos en el agua, aquí y allá, en el espacio, suben y bajan…”.

El surrealismo fue un movimiento literario y artístico que preconizaba la renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico. Su gran precursor fue André Breton, quien descubrió por 1916 las teorías de Freud y Jarry. El conocimiento del dadaísmo por medio de amistades como Vache o Apollinaire y el descubrimiento al mismo tiempo de la construcción romántica sirvieron para proyectar el movimiento. Dado que tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía como la fabricación de objetos. Se extendió el principio del collage al ensamblaje de objetos incongruentes. Breton definió el movimiento surrealista como el automatismo psíquico mediante el cual se proponía expresar, de la forma que fuera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón y al margen de toda preocupación estética o moral. Los máximos exponentes del movimiento fueron el mismo Breton, Giacometti, Ernst, Ray o Marcel Jean, entre otros muchos. Ese movimiento surrealista fue un claro exponente que inspiró en el futuro al expresionismo abstracto y al informalismo.

“La escultura no consiste en el simple labrado de la forma de una cosa,

sino el labrado de su efecto”

(John Ruskin)

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“Ser moderno es vivir hechizado

por la salvaje autonomía del detalle”

(Susan Sontag)

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Los arquitectos suizos Herzog & de Meuron se llevaron el prestigioso premio Pritzker por su transformación de la Central Eléctrica de Bankside (diseñada por Giles Gilbert Scott y construida entre 1947 y 1963). Varios detalles sobresalieron: dejar la chimenea central del edificio, añadir una caja de cristal de dos plantas sobre el techo y utilizar la cavernosa sala de Turbinas como impactante espacio de entrada. La Tate Modern es el nombre con el que se conoce al Museo Nacional Británico de Arte Moderno. Esta central eléctrica fue cerrada en 1981 y fue entonces cuando se decidió convertirla en museo. Se inauguró en mayo de 2000. Y desde entonces ya se ha convertido en la segunda mayor atracción de Londres. Hay un dato que indica que en 2007 fue el museo de arte moderno más visitado del mundo y el tercero en general, tras el Louvre en París y el Museo Británico de Londres. Superó los 5 millones de visitas. Su entrada es gratuita para la exhibición permanente mientras que las exposiciones temporales funcionan según como gratuitas o de pago según su carácter.

También ha tenido importancia su construcción para todo el barrio de Southwark donde está situado. Le ha dado a la zona un impulso tanto social, económico y cultural y es considerado como un ejemplo para futuros proyectos culturales para fomentar el desarrollo en zonas degradadas de la ciudad y así poder convertirlas en focos dinámicos y de desarrollo económico. La zona donde está ubicado se llama Bankside, dentro del área de Southwark, justo en la ribera del río Támesis. A Bankside lo delimita el puente de Blackfriars por el oeste y el puente de Londres por el este.

“En todos los lugares del mundo moderno hay abandono,

la necesidad de ser reconocidos,

que no está satisfecha.

El arte es una forma de reconocerse a uno mismo,

razón por la cual,

siempre será moderno”

(Louise Bourgeois)

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Se puede acceder fácilmente desde la otra orilla del río gracias al Puente del Milenio. Fue fundada originalmente en 1897 como Galería Nacional de Arte Británico pero en 1917 se modificó su contenido para incluir también la colección nacional británica de arte moderno y salió renombrada como Tate Britain en honor a Henry Tate, quien mediante sus donaciones fue el impulsor del desarrollo posterior de la galería. Durante esa época está ubicada en la céntrica zona de Millbank. Se discutió durante mucho tiempo la conveniencia de separar el arte moderno y liberar espacio para exposiciones y fortalecer la independencia de las colecciones. A finales de los 80 se tomó la decisión de crear una galería dedicada exclusivamente al arte moderno. Y en 1992 se anunció la idea de crear la nueva Tate Gallery para el año 2000. Tras muchas deliberaciones se eligió la Central Eléctrica, que estaba sin uso desde 1981. Tras su cierre se barajaron dos opciones: o bien derribarla para levantar un nuevo edificio, o reconvertirla para un nuevo uso. Su ubicación era ideal y en el mismo centro de Londres y con una accesibilidad envidiable por transporte público. En 1995 se anunció el proyecto ganador valorando sobre todo la simplicidad de su propuesta y el respeto por la arquitectura original de la central. La aportación de 12 millones de libras por parte de particulares fue decisiva para comenzar las obras.

Desde entonces el idilio del público con esta galería no se ha detenido nunca. En los primeros 10 años de funcionamiento se contaron más de 50 millones de visitas. La colección permanente (plantas 3 y 5) está ordenada por tema y por cronología. Se cuentan más de 60 mil obras en constante rotación y los autores van desde Matisse a Mondrian, pasando por Pollock, Rothko, Warhol o Rodin. Se separa la pintura y la escultura surrealista de la década de los 40 y 50 de la planta tercera sumergiendo al espectador en un mundo lleno de surrealismo, expresionismo y abstracción, invadiendo su mente con autores como Bacon o Pasmore. De hecho, la colección permanente de este museo es considerada como la más completa e importante de arte contemporáneo del mundo. En la quinta planta se exponen los trabajos recientemente adquiridos. Se basa en los movimientos vanguardistas de principios del siglo XX como el cubismo, el futurismo y el vorticismo. Se mide entre el dinamismo y el arte revolucionario.


“La pintura es una poesía que se ve sin oírla;

y la poesía es una pintura que se oye y no se ve;

son, pues, estas dos poesías o, si lo prefieres, dos pinturas, que utilizan dos sentidos diferentes para llegar a nuestra inteligencia.

Porque si una y otra son pintura,

pasarán al común sentido a través del sentido más noble que es el ojo;

y si una y otra son poesía, habrán de pasar por el sentido menos noble, es decir, el oído”

(Leonardo Da Vinci)

***

Frida Kahlo se llamaba realmente Magdalena Carmen Frida Kahlo y nació en la localidad de Coyoacán (Ciudad de México), en julio de 1907, y murió en la misma localidad 47 años más tarde. Famosa pintora internacional que tuvo obstáculos físicos desde que fue pequeña pero que aún así supo sobreponerse a todos ellos para crear y crear durante toda su vida. Cuando era una niña sufrió una poliomielitis que le provocó una serie de sucesivas enfermedades, así como lesiones diversas. Eso le hizo estar nueve meses en cama y le dejó una importante secuela: una pierna mucho más delgada que la otra. Para recuperarse practicó varios deportes. Fue alumna del Colegio Alemán hasta 1921, o al menos eso parece, porque no se ha tenido documentación al respecto.

“Intenté ahogar mis dolores, pero ellos aprendieron a nadar”

Pero en septiembre de 1925 sufrió un grave accidente cuando el autobús donde viajaba fue arrollado por un tranvía. Su columna vertebral quedó fracturada en tres partes además de sufrir diversas fracturas por todo su cuerpo. Siempre señaló que fue su forma personal de perder su virginidad. Fue un hecho que le marcó a partir de entonces en su vida. La mantuvo postrada en cama muchos meses y sufrió más de 30 operaciones quirúrgicas. Pero ese hecho le sirvió y lo utilizó para pintar de forma más continuada. Para aquella época ya había comenzado a frecuentar ambientes políticos, artísticos e intelectuales. Su ideología siempre se desvió hacia la izquierda, la influencia comunista estaba latente dentro de sus amistades.  Tiempo después se haría militante del Partido Comunista. Su vida fue espontánea, poco convencional, fuera de lo que se llevaba en su época y en su entorno.

“Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior”

Declarada bisexual, tuvo diferentes amantes distinguidos, entre los cuales estaba León Trotski, durante el exilio de éste a México, aunque se casó con otro de las grandes figuras artísticas mexicanas como era Diego Rivera en 1929. Su relación era amor, aventura, experiencias, relaciones con otras personas, un vínculo de amor y odio, pero muy creativo que finalizó en divorcio diez años después para volver a unirse un año después. A esa relación muchos la denominaron el amor entre un elefante y una paloma, por los físicos de ambos. Las limitaciones físicas de Frida nunca le permitieron tener hijos, algo que tardaría mucho tiempo en aceptar como una realidad en su vida. Diego le fue infiel en muchas ocasiones pero eso no rompió su unión. Diego amaba su pintura y era su máximo admirador y amigo. En cambio, Frida fue la mayor crítica para Diego. Tras su divorcio continuaron compartiendo multitud de cosas, su vida social, su vida artística y su vida política. Cuando volvieron a unirse llegaron al acuerdo de compartir gastos, arte, pero excluir de su relación todo lo que tuviera con el sexo.

“A veces prefiero hablar con obreros y albañiles que con esa gente estúpida que se hace llamar gente culta”

En 1953 se organizó en la Ciudad de México la única exposición individual que se realizó en su país mientras estuvo viva. Muchas críticas concluyeron que su obra y su vida iban de la mano sin discusión. Su obra era su propia autobiografía. La exposición fue un rotundo éxito. Pero tristemente ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla por una infección. Eso supuso caer en una gran depresión que la llevó al intento de suicidio en un par de ocasiones. Fue el momento que aprovechó para escribir poemas, casi todos relacionados con el dolor y el sufrimento.

“Pinto auto retratos porque estoy mucho tiempo sola”

Frida tuvo la suerte de poder exponer su obra en New York y en París. Hasta esas exposiciones internacionales había pintado en privado y sin exhibir su obra a nivel público, y siempre le costó comprender que su obra pudiera tener interés en el resto del mundo. Y esa idea la tuvo durante mucho tiempo a pesar de recibir muy buenas críticas por parte de destacados pintores de su época, como Picasso o Kandinski. Con el tiempo su obra alcanzó fama y reconocimiento unánime, sobre todo después de su muerte y a partir de la década de los 70. Calificada como surrealista ella siempre negó ese hecho pues alegaba que siempre creaba en función de su propia realidad.

“Vé por el camino que desees, que la marea de la maldad te hunda y te entierre”

Murió en su localidad natal en julio de 1954. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista Mexicano, algo que fue criticado por la misma prensa nacional. Fue incinerada y sus cenizas descansan en la Casa Azul de Coyoacán, el mismo lugar que la vio nacer. Su obra fue amplia, y se pueden contar más de 200 obras, aunque la mayor parte de ella se concentró en sus propios autorretratos, en los que intentó describir su lucha y su dificultad para intentar sobrevivir. La influencia de Rivera en su obra parece evidente, dado que compartió con él toda la identificación del arte popular mexicano con las raíces indígenas, al igual que otros pintores mexicanos de la época en el llamado período post-revolucionario. Es complicado clasificar su escuela aunque su obra se caracterizó por elementos expresionistas y surrealistas con temática popular.

“No sé si mis pinturas son o no surrealistas pero de lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser”


“El que quiere interesar a los demás tiene que provocarlos”

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Como genio es denominado todo aquel que posee una capacidad mental extraordinaria, fuera de lo normal, una persona dotada con unas facultades sobrenaturales, que sobresale con mucha facilidad del resto. Nunca sabremos si los genios que han existido o que existen en la actualidad saben, conocen y son conscientes de que lo han sido o de que lo son realmente, es una duda razonable dado que desde fuera nunca podremos indagar en el interior de sus cerebros. Puede ser que algunos de ellos sí se den cuenta de que poseen una magia especial que los hace diferentes, ni peores ni mejores, simplemente distintos.

Ser genio o no es difícil de catalogar, puesto que normalmente los calificados como tales lo son por medio de los simples humanos, con lo cual su apreciación puede ser errónea, exagerada o distinta de la real. Cuántos genios han habitado en la tierra, cuántos hay actualmente, son cuestiones que se nos van de las manos. Pero, algunas veces, la mayoría de la gente coincide en señalar a alguien con el adjetivo de genio y queda así para siempre, digamos que con tanta coincidencia se hace hasta creíble. El caso de Salvador Dalí es uno de ellos. Considerado como un genio por parte de tantos que ya nos lo creemos sin necesidad de que nos lo demuestren. Porque su mismo arte, su forma de ser y su forma de hacer fueron suficientes para que no quedaran incrédulos y que pocos fueran los incapaces de apreciar su creatividad. Lógicamente, siempre existirán aquellos que no ven forma artística ni aunque se les caiga encima y les abra la cabeza, pero quizá sirven como excepciones perfectas para confirmar la regla.

Considerado como el máximo representante del surrealismo, Salvador Dalí nació en Figueras en mayo de 1904 y murió en enero de 1989. Fue un pintor que destacó por encima de todo por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Su habilidad para crear era fantástica, porque aparte de  la pintura era amante del dibujo. Era un gran amante del renacentismo. Pero se dedicó a más campos, abordando también la escultura, el cine y la fotografía, y todo ello le empujó a colaborar con diferentes artistas de diferentes estilos y campos. Y como buen genio era egocentrista y buscaba el protagonismo en todo momento, muchas declaraciones suyas así lo demuestran. Su narcisismo era un hecho. Le gustaba atraer la atención y provocar al público.

Todo ello le llevó a ser criticado pero era igualmente admirado. Muchos dijeron que aprovechaba la provocación para llamar la atención más allá de su producción artística, pero es innegable que su obra es admirable. Un hermano mayor que él había muerto 9 meses antes de nacer él, un hecho que siempre dijo llevar en el alma, que le marcó e incluso dijo que le provocó crisis de personalidad, ya que creía tener algo de la copia de su hermano, pues se llamaron igual. Su padre era abogado de clase media y notario y su madre siempre le alentó a desarrollar sus dotes artísticas. Con cinco años le llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era la reencarnación de su hermano.

Con doce años descubrió la pintura contemporánea y conoció a Ramón Pichot, un artista local. Siguiendo sus consejos la familia le envió a clases de pintura con el maestro Juan Núñez. Y con catorce años participó en una exposición colectiva de artistas locales en Figueras, su pueblo natal. En 1921 murió su madre de cáncer de útero. El pequeño Salvador tenía 16 años. Un golpe que le marcó para siempre. Su padre se casaría más tarde con la hermana de su esposa fallecida. Un hecho que Dalí no aprobaría nunca.

Otro momento que le marcó en su juventud fue cuando en 1922 se trasladó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Se alojaría en la célebre Residencia de Estudiantes. Ya entonces atrajo la atención por su aspecto, por su forma de vestir, por su melena, sus patillas, por su habitual gabardina, muy al estilo de los artistas victorianos. Pero cuando comenzó a pintar su atracción fue diferente. En aquella residencia conoció a futuras figuras del arte como Federico García Lorca, Pepín Bello o Luis Buñuel. Se inició en el cubismo sin saber realmente que lo estaba haciendo.

Se familiarizó pronto con el dadaísmo, un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire de Zurich (Suiza), y con el cual se vio influenciado el resto de su vida. En sí el dadaísmo se caracterizaba por la oposición al concepto de razón instaurado por el positivismo. Se rebelaba contra las convenciones literarias y artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Hubo muchas manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura, pasando por la música, la danza o la música.  Los artistas dadaístas provocaban a través de la expresión. El dadaísmo creó una especie de antiarte, una provocación abierta al orden establecido.

Fue expulsado de la Academia en 1926, justo antes de sus exámenes finales, cuando afirmó que no había nadie capaz ni en condiciones de poder examinarlo. Justo ese mismo año visitó París por primera vez y conoció a Pablo Picasso, del cual era un gran admirador. Algunas de sus características de su pintura se convirtieron como distintivas de su obra posterior. Absorbió multitud de influencias, pero se basó en algunos clásicos como Rafael, Zurbarán o Vermeer, aunque su favorito fue Velázquez. Alternó técnicas tradicionales con sistemas modernos, y a veces lo hacía en una misma obra.

En agosto de 1929 conoció a la que sería su musa de por vida y su futura esposa Gala. Su nombre real era Elena Dmitrievna Diakonova, inmigrante rusa, once años mayor que él y que estuvo casada con el poeta francés Paul Éluard. Se unió profesionalmente con el grupo surrealista de Montparnasse (París) y durante los dos años siguientes su trabajo se orientó hacia el surrealismo. Un hecho que su padre no consintió y que provocó una degradación en las relaciones con su hijo, acabando de manera violenta echando a Salvador de la casa paterna, desheredándole  y prohibiéndole regresar jamás. Se dice que Dalí devolvió un preservativo con su esperma a su padre diciéndole: ‘Toma, ya no te debo nada’. Pero al año siguiente, Salvador y Gala alquilaron una pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Portlligat, compró el terreno y fue ampliando la casa hasta convertirla en una fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. En 1934 se casaron.

En 1934 pudo exponer en Estados Unidos gracias al marchante de arte Julian Levy. Allí levantó un enorme revuelo en medio de un baile organizado en su honor y a la vuelta a París tuvo que dar explicaciones a los surrealistas por haberse disculpado públicamente por haber realizado un acto supuestamente surrealista. Lo cierto es que se relacionaban las acciones surrealistas como ideas políticas de izquierdas, pero Dalí siempre jugó una posición totalmente ambigua. André Breton le acusó de defender lo nuevo e irracional del fenómeno hitleriano aunque Dalí negó tal hecho. Todo ello le llevo a la expulsión del movimiento surrealista a finales de 1934.

En 1936 pudo viajar a Londres gracias al mecenas Edward James. Fueron buenos amigos y colaboraron en dos iconos del movimiento: el teléfono-langosta y el sofá de los labios. Muchos le criticaron por su afición al dinero y a la buena vida. Sus excentricidades siempre estaban en boca de todos. Durante la Segunda Guerra Mundial huyó a Estados Unidos con Gala donde residieron durante más de ocho años. Fue una de las épocas más fructíferas de su vida. A partir de 1949 regresó a Cataluña y haber elegido España para vivir en tiempos de la dictadura hizo que muchos antiguos colegas le criticaran de nuevo.

No se limitó a la pintura, desarrolló nuevos procesos experimentales, fue uno de los pioneros de la holografía artística, muchos le aplicaron el calificativo de fundador del pop art. Mostró atracción por las ciencias naturales y las matemáticas y la geometría. La época de la posguerra le abrió una nueva etapa artística, caracterizada por su virtuosismo y el recurso a ilusiones ópticas. Se acercó cada vez más al catolicismo, de hecho llamó a su período ‘místico-nuclear’. En la década de los 60 comenzó a trabajar en teatro y museo personales en su casa de Figueras, un trabajo que le llevará hasta 1974. Hacia 1980 su salud se deterioró enormemente y era casi incapaz artísticamente hablando. Con 76 años su salud era lamentable y daba buenas muestras de la enfermedad de Parkinson. Gala murió en 1982 y eso le hizo caer en una gran depresión a Dalí. Parece ser que intentó suicidarse deshidratándose a propósito. En 1988 fue ingresado por un fallo cardíaco y en enero de 1989 falleció.


“A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo”
(Eugène Delacroix)
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Aunque nació en Dublín (Irlanda) y casi toda su niñez transcurrió en ese país, a Francis Bacon siempre se le ha considerado un pintor inglés debido a sus raíces familiares inglesas y que desarrolló buena parte de su producción en Londres. De todas formas, era irlandés y eso no se puede negar. Nació en octubre de 1909 y murió en Madrid (España) en abril de 1992. Tratado y definido como un artista expresionista. Sus cuadros tienen influencia de Munch en los trazos y en las tonalidades de Van Gogh. Hay influencias manifiestas de Goya por la angustia que quiso describir en sus obras. Trabajó la representación de la figura masculina y femenina, aunque por regla general de forma desfigurada y aterradora, dentro de espacios cerrados y ténebres.
“Un pintor es un hombre que pinta lo que vende.
Un artista, en cambio,
es un hombre que vende lo que pinta”
(Picasso)
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Destacaron sus retratos y autorretratos, sobre todo ‘George Dyer en un espejo’ (1968) donde se refleja la fragilidad del ser y también la época que vivió y que le marcó, la Segunda Guerra Mundial. También supo reflejar con realidad cruda el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia. Ejemplos claros y rotundos de ello fueron ‘Cabeza rodeada de carne de vaca’ (1954) o ‘Perros que gruñen’. Fue una carrera larga y fructífera, donde supo introducirse en el informalismo, en el expresionismo y en el surrealismo, pero quizá sus obras entran dentro del racionalismo. Para algunos, su obra no pertenece a esa corriente. Una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque realmente nunca perteneció a ningún movimiento artístico.

Él consideró que proseguía una línea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano. Según el filósofo Gilles Deleuze, Bacon es el que mejor representaba al hombre del siglo XX. Junto con Giacometti, Bacon llevó al hombre a su mejor representación artística, en relación al hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.

“El ojo recibe de la belleza pintada el mismo placer que de la belleza real”
(Leonardo Da Vinci) 
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Su infancia transcurrió entre los entrenamientos de su padre dedicados a los caballos en Dublín pero, que debido a la Primera Guerra Mundial, tuvo que mudarse con su familia a Londres en 1914. De hecho, la familia Bacon vivió entre Londres y Dublín durante 1914 y 1925. Su infancia no fue fácil. Su asma crónica le hizo tener una formación escolar algo irregular, dado que su enfermedad le impedía a menudo acudir al colegio. Cuando sus ataques asmáticos eran fuertes le administraban morfina. Y cuando tenía 16 su padre le echó de casa ya que manifestó sus inclinaciones homosexuales. En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St.Martin School of Arts de Londres. Luego se trasladó a vivir entre Berlín y París donde comenzó a trabajar como decorador de interiores y es precisamente en esa época cuando comienza a pintar, sin alcanzar ningún reconocimiento.
Durante medio año vivió cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido anteriormente en una exposición en París. Hubo un cuadro conservado en el Museo Condé de esa localidad que le inspiró de forma desmedida. Se trataba de ‘La masacre de los inocentes’ de Poussin. Pero, sin duda, la influencia mayor llegó cuando visitó una exposición de Picasso en París, para el joven Francis fue un antes y un después en su carrera: “Aquellos pierrots, desnudos, paisajes y escenarios me impresionaron mucho, y después pensé que quizá yo también podría pintar”.
Ahí decide que el tema de sus pinturas sería la vida en la muerte. Deseaba buscar a su yo más vital, pero también al más autodestructivo. En 1929 regresó a Londres y comenzó a pintar en óleo. Sin lograr todavía ningún reconocimiento, con 35 años decide destruir casi todos sus cuadros. Es en 1944, con la finalización de su tríptico titulado ‘Tres estudios de figuras junto a una crucifixión’ cuando gana la aceptación del público y de la crítica, considerando dicha obra como uno de los cuadros más originales en el arte del siglo XX. Otro rasgo que destacó en Bacon fue su propio carácter, tan atípico como dado a llamar la atención. En 1964 conoció a George Dyer, que sería a la postre su amante durante muchos años. La forma de conocerle fue sorprendente, le sorprendió robando en su taller y esa misma noche acabaron acostándose juntos. Aunque dicha relación fue tormentosa, la utilizó de forma inspiradora, y el final fue dramático, con Dyer suicidándose con pastillas en 1971. Más tarde comenzaría otra relación con un joven llamado John Edwards, quien sería el heredero de sus bienes, valorados en más de 10 millones de libras.
“El arte de la pintura consiste en aclarar y oscurecer los tonos sin decorarlos”
(Pierre Bonnard)
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La vida de Bacon siempre fue solitaria y dada a escándalos. Vivió grandes etapas de actividad sexual y tenía gustos e intereses muy inusuales, vestía de forma austera y seguía una rutina diaria más propia de un trabajador. Acostumbraba a ir al pub tras la jornada laboral. Era curioso y descuidado. Acumulaba recortes de prensa y fotografías de obras de arte antiguas, sobre todo de Velázquez. Le interesaban las películas de atletas, de animales, le fascinaba el movimiento de los seres vivos. Su taller era el desorden y acostumbraba a pisar sus propias obras acumuladas en el suelo. Muchas de sus obras fueron desechadas por él cuando no se sentía satisfecho. Algunas de ellas fueron regaladas al electricista que le reparaba alguna cosa en la casa. Su taller, tras su muerte, fue donado por el heredero Edwards al museo Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín. De hecho, fue desmontado y trasladado como una obra de arte en sí misma a dicho museo.
Lo más curioso de su obra fue que en vida sólo fue muy apreciado por conocedores y coleccionistas hasta que alcanzó una edad madura. Y, sin embargo, tras su muerte, su obra experimentó un espectacular repunte de precios en el mercado de las subastas. Algo vio antes de morir, a comienzos de la década de los 90, pero no lo suficiente como para comprobar el fenómeno en lo que se convirtió. Pero siempre se mantuvo ajeno al éxito, vestía con ropas oscuras y con aspecto más bien bohemio. Dicen las malas lenguas que varios de sus compañeros sexuales se aprovecharon económicamente de él. Sea como fuere, no debemos olvidarle nunca. Su arte y su magia, su creatividad y su estilo estarán dominando la pintura del siglo XX y en la memoria nos quedarán sus imágenes.

Si en algo destaca México es por su imponente arquitectura. Su patrimonio arquitectónico está fuera de toda duda. Por supuesto que se pueden distinguir diversos estilos y épocas arquitectónicas pero todas ellas prevalecen, perdura e iluminan el paisaje de cada rincón del país. Las antiguas civilizaciones mesoamericanas realizaron algunas de las más espectaculares construcciones de toda la Humanidad. Ejemplos claros son Teotihuacán, Monte Albán, Chichén Itza y Uxmal.

Todos ellos son espectaculares centros ceremoniales que pretendían en su origen causar la admiración, la veneración y el temor de los que los observaran, gracias a sus grandes pirámides de piedra, sus palacios y juegos de pelota. La arquitectura azteca era sencilla pero orientada a impresionar por su estructura y su grandeza y tamaño. La arquitectura maya se preocupaba más por la estética, con fachadas repletas de dibujos, cestrerías en los tejados de los templos y sinuosos relieves. Uxmal, Palenque son ejemplos preciosos, entre las más espectaculares de la propia historia del hombre. Las construcciones mayas se caracterizan precisamente por el llamado arco falso: dos muros de piedra apoyados entre sí que se van aproximando hasta casi juntarse en una albardilla de coronamiento.

Durante el período virreinal, la mayor parte de las mansiones, iglesias, monasterios y plazas que tanto contribuyen a la belleza de México, fueron construidos durante los 300 años de dominación española. Aquí resaltan varios estilos, destacando el gótico y el renacentista, que dominaron la arquitectura mexicana durante el siglo XVI y principios del XVII. El estilo gótico se caracteriza por sus airosos contrafuertes, arcos puntuados, grupos de columnas de sección circular y bóvedas de crucería. El Renacimiento recuperó los antiguos ideales grecorromanos de armonía y proporción, dominado por formas como el cuadrado y el círculo, los arcos redondos y las columnas clásicas.

El barroco, que apareció en México a principios del XVII, aportó nuevos efectos dramáticos: curvas, color, contrastes de luces y sombras y una decoración más elaborada. Se unieron a ello la pintura y la escultura, notable en los ornamentados con enormes retablos. La fachada de la catedral de Zacatecas es un claro ejemplo de ello y uno de los exponentes más brillantes del barroco mexicano. Un estilo que alcanzó su apogeo con el estilo conocido como ‘churrigueresca’, entre 1730 y 1780. Aquí la característica era la ornamentación profusa. El estilo neoclásico, que predominó en el México entre 1780 y 1830, supuso otro retorno a los sobrios ideales grecorromanos. Un ejemplo de ello es la alhóndiga de Granaditas de Guanajuato.

Cuando México alcanza la Independencia produjo un resurgimiento del estilo gótico y colonial e imitaciones de estilos contemporáneos franceses e italianos. El Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México es uno de los más representativos de este estilo.Tras la revolución apareció el art déco, pero fue más importante el intento de recuperar las raíces prehispánicas para definir una identidad nacional. Esta tendencia se llamó toltecismo, ya que muchos edificios mostraban la corpulencia de los monumentos toltecas y aztecas. Su punto culminante fue la década de los 50 con el campus de la UNAM, en Ciudad de México, un lugar repleto de edificios revestidos de vistosos murales. El hombre más significativo de la era moderna fue sin duda Ricardo Legorreta que proyectó numeroso y enormes edificios con atrevidas formas de de hormigón y tonos coloniales marrones anaranjados. Fue el responsable del Centro Nacional de las Artes, la Plaza Juárez del D.F. y del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

arquitectura


“Siempre me han inventado amores que no tenía,

de lo cual no me quejo,

porque esto me ha servido para que la gente no se diera cuenta

de los que efectivamente tenía”

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Diego Rivera fue uno de los artistas mexicanos  más famosos y reconocidos en todo el mundo. Nacido en Guanajuato en diciembre de 1886 y destacó por su arte como muralista. Famoso por ser simpatizante de la causa comunista y plasmar con sus obras un alto contenido de mensaje social. Muchas de sus obras se exhiben en edificios públicos. Fue el artífice de varios murales que descansan en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México y en otras ciudades mexicanas, como Cuernavaca y Acapulco. También hay otras suyas en San Francisco, Detroit y Nueva York.

Al año y medio de haber nacido murió su hermano gemelo Carlos. Estuvo en la Academia de San Carlos en Ciudad de México donde conoció al paisajista José María Velasco. Y en 1905 recibió una beca para poder viajar a España y realizar estudios de las obras de Goya y El Greco, entre otros. Fue esa una época donde alternó sus viajes y sus estancias. Hasta 1916 visitó y residió en México, Ecuador, Argentina, España, Francia y Bolivia. En Francia se puso en contacto con los artistas que merodeaban a diario el barrio de Montparnasse, conoció a intelectuales y a muchos artistas que admiraba, como Pablo Picasso, Valle Inclán o Alfonso Reyes Ochoa. Ahí fue como se introdujo en el cubismo.

“Mi estilo nació como un niño, en un instante;

con la diferencia de que a ese nacimiento

le había precedido un atribulado embarazo de 35 años”

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Conoció también durante esa época a su primera esposa, Angelina Petrovna Belova, una pintora rusa que era conocida como Angelina Beloff, y con ella tuvo a su primer hijo, Diego, el cual murió al año de edad. En 1917, su desarrollo como artista le condujo a conocer y descubrir el postimpresionismo, de la mano de Paul Cézanne, una plataforma que le sirvió para diferenciarse de todo el resto de muralistas mexicanos, dado que interpretó como nadie la técnica de los acabados y el uso de colores vivos. Un tiempo después y gracias a una relación extramatrimonial que nunca quiso reconocer nacería su hija Marika. Su madre era Marievna Vorobieva y aunque nunca llegó a ser su esposa sí fue sustentada económicamente por el pintor.

“¿Las mujeres que he amado?

Tuve la suerte de amar a la mujer más maravillosa que he conocido.

Ella fue la poesía misma y el genio mismo.

Desgraciadamente no supe amarla a ella sola,

pues he sido siempre incapaz de amar a una sola mujer”

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En 1920 se trasladó a Italia para conocer desde dentro el arte renacentista. Pero la llegada de José Vasconcuelos a la secretaría de educación hizo que regresara a México para participar en las campañas emprendidas por el secretario. Ahí tuvo la oportunidad de participar junto a otros muralistas mexicanos como José Clemente Orozco, Rufino Tamayo o David Alfaro Siqueiros. Mientras los años transcurrían los murales de Rivera se fueron convirtiendo poco a poco en una obra de gran influencia tanto en México como en toda Latinoamérica. En 1922 se casó por segunda vez con Guadalupe Marín, una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera negra y ojos verdes. Y de ese matrimonio tuvo dos hijas: Lupe y Ruth.

Tuvo tiempo de crear y fundar la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. Y justo en esa misma época se afilió al Partido Comunista Mexicano, uno de los argumentos clave de su obra. En el año 1927 fue invitado a los festejos que conmemoraban los diez años de la Revolución de Octubre en la URSS. Eran momentos difíciles puesto que se  acababa de divorciar de Guadalupe. Tiempo que aprovechó para conocer y casarse por tercera vez con la pintora Frida Kahlo en 1929. Año que coincidió con su expulsión del Partido Comunista, y curiosamente al año siguiente fue invitado a los Estados Unidos para realizar diversas obras. Lógicamente sus trabajos con temática comunista y muy social causó contradicciones, críticas y fricciones con los propietarios de las obras, el gobierno norteamericano y la prensa.

En 1933, el industrial y multimillonario John Rockefeller le contrató para pintar un mural en el vestíbulo de la entrada del lobby del edificio RCA de Nueva York. El que se denominaría Rockefeller Center. El edificio estaba situado en la misma Quinta Avenida y fue considerado como un emblema de la ciudad y del capitalismo. Su diseño se tituló ‘El hombre en el cruce de caminos’. Justo cuando estaba a punto de terminarlo incluyó un retrato de Lenin. La reacción de la prensa no se dejó esperar. Rockefeller lo tomó como un insulto personal y mandó cubrir el mural para destruirlo más tarde. Rivera regresó después a México donde lo pintaría de nuevo. Hoy se exhibe en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

Otro dato histórico importante ocurrió en 1936 cuando pidió formalmente al presidente Lázaro Cárdenas el asilo político de León Trotsky, que finalmente lo consiguió al año siguiente.  Fue invitado a la Casa Azul de Frida Kahlo. Pero en un par o tres de años su amistad con Trotsky desapareció, se distanció y se divorció a su vez de Kahlo, para volverse a casar con ella a finales del mismo año. En 1946 quizá pintó una de sus mejores obras: ‘Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central’ ubicada en el Hotel del Prado de la Ciudad de México.

En 1955, tras la muerte de Frida Kahlo se casó con Emma Hurtado y viajó a la URSS para ser intervenido quirúrgicamente y de forma urgente. Finalmente falleció en noviembre de 1957 a punto de cumplir los 71 años de edad. Murió en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, y sus restos fueron colocados en la Rotonda de las Personas Ilustres, a pesar de que eso iba en contra de su voluntad. Rivera representó un estallido de creatividad en una sociedad falta de energía artística. Destacó por su arte, su ingenio y personalidad. Controvertido, idealista, convencido de sus pensamientos, luchó por expresar todo lo que tenía dentro, con las ambigüedades propias de su época y de su sociedad. Un ejemplo artístico único que todos los amantes del arte contemporáneo deben valorar en su justa medida.

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“Cuando estaba pintando, oí de repente, desde atrás de uno de los pilares coloniales de la espaciosa sala, la voz de una niña que no se veía. (…) Miró directamente hacia mí. -¿Le molesta si lo veo trabajar? -preguntó. -No, señorita; me encantaría –dije. Se sentó y me miró silenciosamente, los ojos fijos en cada movimiento de mi pincel. (…) La muchacha se quedó unas tres horas. Cuando se fue, sólo dijo: -Buenas noches. Un año más tarde supe que ella era la escondida dueña de la voz que había salido de detrás del pilar y que se llamaba Frida Kahlo. Pero no me imaginé que un día llegaría a ser mi esposa”

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Cualquier lugar que descubres en una nueva ciudad trae consigo sorpresas. Paseando por el centro del D.F., justo al norte de la Alameda, y siguiendo por la avenida Hidalgo, se llega a la Plaza de la Santa Veracruz. Su nombre se debe a la escultura del mismo nombre, que está inclinada y que se encuentra al lado derecho de la misma. Una fuente y varios bancos son complementos perfectos para sentarse un rato y observar el ajetreado movimiento de la acera y la cotidianidad de los habitantes de la capital en un día de fin de semana. A pesar de estar en pleno centro de la ciudad, sentado en uno de estos bancos se respira tranquilidad.

Si miro al otro lado me encuentro con la Iglesia de la Santa Veracruz. Sobre todo destacan sus pilares muy tallados de la entrada que le dan un talante especial. La construcción data del siglo XVIII y se encuentra justo al otro lado de la plaza. Junto a esa iglesia está situada la entrada principal del Museo Franz Mayer. El edificio que lo alberga es un antiguo hospicio de la orden de San Juan de Dios, el cual, durante el breve reinado de Maximiliano, se conviritó en un centro de reinserción social para prositutas.

Este museo es fruto de todos los esfuerzos de Franz Mayer, un alemán nacido en Mannheim  en 1882. Vivió y prosperó en México gracias a sus negocios financieros y fue reuniendo una gran colección de  objetos de plata, textiles, cerámica y mobiliario en una magnífica exposición permanente. Unida a gran colección de pinturas tanto del siglo XVII español como francés y holandés. El repaso por todos los rincones del edificio es una pequeña joya por descubrir. Muebles de todo tipo, arcones, arcas, joyeros, vajillas, ropas, cuadros, un sinfín de elementos que recorren una época que va desde el siglo XVI hasta el XIX.

Un paseo agradable por las dos plantas que completan el museo y una parte muy interesante donde se puede conocer cómo las sociedades de esas épocas buscaron embellecer los objetos de uso cotidiano, así como las modas y los gustos de los distintos siglos. Pero destaca también una exposición temporal de ‘Evocacion Ming’. Un conjunto de 40 piezas que oscilan entre lo escultórico y lo utilitario pertenecientes a Eduardo Olbés. Un artista de origen filipino que se afincó en México hace ya más de 30 años y que ha trabajado principalmente como escultor, aunque también ha trabajado en esta colección de su mobiliario, una mezcla perfectamente diseñada entre madera y piedra. Un conjunto sencillamente fantástico. Una verdadera sorpresa.

Pero sin duda el mayor descubrimiento es el patio interior del edificio. Jardín con porches ideal para sentarse, relajarse, leer, escuchar el sonido de los pájaros, tomar un té y deleitarse con el tranquilo sosiego de visitantes que recorren con relax contagioso los rincones de este lugar.


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“El artista es el confidente de la naturaleza.

Las flores entablan diálogos con él mediante la graciosa inclinación de sus tallos y los armoniosos matices de sus pétalos.


Cada flor tiene para él una palabra amable para expresarle lo que dice la naturaleza.”


(Auguste Rodin)

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Cada uno de nosotros guarda ciertas cosas con esmero y cuidado, ciertas cosas que conservamos  durante muchos años, que forman parte de nuestras vidas, de nuestros recuerdos y de nuestras vivencias. Muchas personas reúnen ciertas cosas, ciertos objetos, y cada cual mide el valor de todas esas cosas que vamos apilando en cajas, en estanterías o en algún cajón a su propia manera. Pero es curioso comprobar que nunca queremos desprendernos de ellas porque, en cierta forma, ya creemos que nos pertenecen y en cierta forma también nosotros a ellas. Una simbiosis que genera cariño y roce, y aunque suena un tanto extraño, las amamos en silencio. Desde que vi por primera vez, siendo todavía adolescente, la figura del ‘Pensador’, supe que esa era mi escultura, esa era mi fugura. Y la califico como mía porque desde ese preciso instante supe que me pertenecía, y que estuviera donde estuviera, fuera donde fuera, me acompañaría. Su belleza era tan real, tan descomunal, tan profunda, que tenía que ser para mí. El arte es esa magia que permite ofrecer a miles de personas un pedacito de una obra a partes iguales, y cada uno se siente representado por esa mínima parte. El arte nos invade continuamente haciéndonos ver que ante la creatividad no somos sino meros observadores. El ARTE son letras mayúsculas y la esencia de la vida, el resto son complementos que vamos aglutinando a un lado del camino.

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“Las cosas más grandes de este mundo, son definidas por sus más grandes detalles”

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“La vida entera es Arte…

Arte que nace y muere en uno mismo”

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Cuando descubrí a Rodin supe que me iba a acompañar por mi camino todo el tiempo que éste durara. Y así ha sido. De hecho, sigue ahí. François-Auguste Rodin nació en París, Francia, en noviembre de 1840 y murió en 1917. Considerado un escultor contemporáneo de la corriente impresionista, enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica. Supo añadir a ese arte la concepción del monumento y la escultura pública. Ha sido conocido como ‘el primer moderno’ dentro de la historia del arte. Se educó en la Escuela de Artes Decorativas de París, y dedicó gran parte de su juventud a conocer los entresijos de la anatomía humana. Fue conocido su escándalo acerca de su escultura ‘La edad de bronce’ (1875) , de la cual comentó que, debido a su perfección, los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de una arcilla hecha por el artista, como toca hacer en el método del vaciado en bronce.

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“El verdadero arte es ver más allá de las frías piedras”

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“¿Qué es el arte sino la expresión de uno mismo?”

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Para este escultor, el artista no debía ser un esclavo del modelo, creía muy al contrario, que el artista era el que escogía, con sus ojos y su sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginación era el único capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva para la mirada del mundo. Las figuras que diseñaba carecían de una lógica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biológicas. Sus obras más importantes fueron varias pero podríamos destacar: ‘Monumento a Balzac’ (1897), ‘Los burgueses de Calais’ (1884), ‘Las puertas del infierno’ (1880-1917), ‘El beso’.

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Su obra se dividió en dos líneas completamente diferencias: por un lado, su línea ‘alimentaria’, llamada así por ser toda esa obra decorativa que le permitía vivir y le daba de comer; por otro lado, su obra más popular y transgresora, quizá su obra más pura y trascendente dentro de la historia del arte occidental. Muchos historiadores han coincidido en describir su obra como la de un hombre que se aferra al mundo en el cual le ha tocado vivir, en el que la tecnología da paso a otros milagros artísticos modernos, como por ejemplo, el cine, y donde se debe elegir entre ceñirse a la tradición o revolucionar las artes en su conjunto.

En 1863 conoce a la que sería su compañera que le acompañaría durante buena parte de su vida, Rose Beuret, quien se convirtió en su modelo para la escultura ‘Bacante’, pieza que fue destruida durante un traslado de su taller. En 1875 viajó a Italia, y allí se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de Miguel Angel y Donatello, grandes maestros renacentistas.

La contemporaneidad de Rodin se comprueba en el uso de la serie, la técnica de utilizar varias veces la misma imagen en diferentes contextos, formatos y tamaños), el uso del collage (la unicón y la separación de distintas piezas para generar imágenes nuevas), la importancia que le concedió al soporte, que hasta la época era un gran pedestal altísimo que separaba al público de la obra, y que él eliminó por considerarlo demasiado elitista, y el uso asimismo de la anatomía como herramienta básica para la manifestación de la espiritualidad humana.

Su obra nos acompaña, está ahí y seguirá ahí. Un regalo para la Humanidad que debemos disfrutar en toda su esencia y en todo su conjunto. Un regalo para la vida del hombre que sirve para admirar la visión de un moderno dentro de otra época. Un adelantado a su tiempo, un creador nato que nos deleita con un abanico de muestras artísticas grandiosas.


Asistir a un Museo donde el título del mismo es Memoria y Tolerancia ya indica lo que nos vamos a encontrar una vez traspasemos sus puertas. Porque si de algo se ha visto el mundo un tanto vacío es de Memoria y de Tolerancia, a pesar de que sean dos palabras muy utilizadas y manidas en cualquier discurso de cualquier organismo en cualquier parte del mundo. Muchos miles de personas en el mundo no saben todavía lo que es Memoria y mucho menos Tolerancia. Todo se basa en la educación, en el respeto y en la igualdad. Si no partimos de esa base difícilmente podemos utilizar palabras con tanto significado como Memoria y Tolerancia. Una vez entra en el Museo, el visitante ya se encuentra de bruces con la realidad, la realidad histórica más dura y cruel. Hablamos del Holocausto judío. Una exhaustiva descripción del régimen nacional-socialista alemán desde sus orígenes y establecimiento en el poder hasta el fin de la guerra mundial es el comienzo de la visita. Está muy bien detallado, cuenta con argumentos, informes, pruebas, fotografías, vídeos, relatos de supervivientes. Hay incluso una sección a ciertos personajes anónimos que desde su entorno salvaron cientos o miles de vidas de judíos de los campos de concentración.

Pero las formas de extinción, sus detalles, sus normas para distinguir razas, cuando la raza judía no se considera como tal, así como el establecimiento de una raza ‘superior’ cuando puede sonar tan ridícula sobre todo viendo a personajes que estuvieron en las más altas esferas del poder nazi, ejemplos de todo menos de una raza superior y aria, puesto que éste era el argumento, de sobras reconocido como manipulador. Porque si de algo trata el régimen nazi y fascista es de exaltar a las masas, provocarlas, hacerlas creer que gracias a ella se conseguirá lo que no se ha conseguido de otra forma, la superioridad como sociedad y como nación.

A lo largo de la historia del hombre las injusticias, los abusos, las violaciones de los derechos humanos, la explotación, la esclavitud son platos que se sirven a diario. A pesar de que son muchos los mensajes que recuerda y que aconsejan no caer de nuevo en errores anteriores, el hombre tienen esa particularidad de seguir haciendo de la crueldad un argumento de vida. Ya suena incluso un tópico o una utopía hablar de las injusticias y de la tolerancia, por no mentar la defensa de los derechos humanos y la búsqueda de igualdad. Queramos o no la realidad nos indica que el ser humano es incapaz de cumplir con mínimos suficientes como para pensar que las sociedades son capaces de conseguir algo de lo anteriormente citado. Salas de la Memoria: -HOLOCAUSTO – EX-YUGOSLAVIA – RUANDA – GUATEMALA – CAMBOYA – DARFOR (SUDÁN) – CORTE PENAL INTERNACIONAL

La zona del museo dedicada a la ‘Tolerancia’ es una exhibición permanente que cuenta con un recorrido por varias salas donde se tocan diversos como el diálogo, la discriminación, los derechos humanos, el poder de los medios de comunicación, la riqueza de la diversidad, los actos que inspiran, las realidades intolerables, entre otros muchos. Se hace referencia a los pueblos indígenas mexicanos y a las migraciones que han contribuido al enriquecimiento cultural de nuestra nación; la exhibición de ‘Nuestro México’ termina con la discriminación y las violaciones a los derechos humanos en ese país.

La zona final está dedicada al ‘Compromiso o Indiferencia’, en la que se canaliza el proceso de reflexión hacia una acción social. Se presentan proyectos sociales que trabajan día a día por la construcción de un mejor y más justo país. En conjunto se trata de un museo muy interesante y que intenta captar la atención de muchos visitantes un tanto alejados de las realidades históricas. Su documentación es muy seria y detallada y vale la pena pasar un día por ahí para no olvidar, para recordar, para darse cuenta de que seguimos estando rodeados de injusticias allá por donde miramos. Nuestra mirada sigue atenta y sorprendida de cómo los hombres pueden ser capaces de replicar daños históricos sin la más mínima repercusión en sus conciencias. Guerras y guerras, armas y más armas, violencia en cada esquina, muertes gratuitas, sufrimiento generado con gratuidad, incoherencia repartida por millones de lugares que no deja avanzar a un grupo mayoritario y que simplemente desea la paz, la PAZ con mayúsculas, aunque suena como casi siempre, a utópico e irreal. No soñamos, todo es posible, la educación también es básica para conseguirlo. Entre todos podemos.


Visitar el Museo de Antropología es casi obligatorio cuando uno empieza a descubrir la capital mexicana.  El complejo que lo alberga fue construido en la década de los 60 por el arquitecto mexicano Pedro Ramírez Vázquez y está situado dentro del bosque de Chapultepec. Es visita habitual para grupos de niños de colegios de todas las edades, visita cultural por excelencia tanto para adultos como para pequeños.

Tan sólo entrar el visitante se encuentra con una inmensa fuente de piedra justo en el centro del recinto. Es un patio rectangular que está rodeado en tres de sus lados por salas de exposición en dos niveles. Las primeras 12 salas, las que se encuentran en la planta baja están dedicadas al México prehispánico. En la planta superior hay muestras de las distintas culturas amerindias más contemporáneas. En la planta baja están situados también numerosos jardines donde se alzan réplicas de los templos más conocidos del país.

Lo cierto es que la organización y la distribución son magníficas. Uno va adentrándose entre siglos de historia con una facilidad asombrosa. Muestras de huesos, de animales prehistóricos, ejemplos de casas indígenas, telas, objetos de caza, de cocina, un número infinito de la artesanía más popular, más clásica. Una visita puede durar todo el día pero, aún así, será insuficiente. Es enorme, y además contiene demasiada información. No obstante, se puede degustar un poco de cada sala y conocer de primera mano algo más de todo lo que encierran sus paredes.

Sin duda una visita que merece la pena, en un lugar precioso y que invita a recorrer todos sus rincones. Una visita que debe repetirse para poder englobar todo su contenido.


‘La arquitectura es la ordenación de la luz; la escultura es el juego de la luz’ (Antoni Gaudí)

La escultura es el arte de modelar el barro, de tallar la piedra o la madera o cualquier otro material. Una forma de expresión primitiva que sigue creando adeptos y que sólo una pequeña minoría es capaz de plasmar mediante su talento. Hay escultores especializados en el uso de un solo material, en la fundición y en el moldeado. Pero hay otros que utilizan combinaciones de materiales y logran un nuevo repertorio artístico conocidos como ‘constructivismo’  o ‘assemblage’. Podríamos decir que la escultura es la obra artística plástica de un artista.

Desde el principio de los tiempos el hombre vio en el esculpir una necesidad, una forma de expresar sentimientos y pensamientos. Como cualquier otra creación artística, el escultor se diferencia por comprender y dominar el arte de las dimensiones. Su visión del arte se magnifica, logra darle cuerpo, forma y medidas exactas a lo que tiene en mente. Los materiales utilizados por los escultores varían y aunque la mayoría de ellos son muy simples, la gran variedad de ellos hacen de este arte un gran abanico de posibilidades tanto para crear como para deleitarse frente a sus obras.

El uso original de la escultura tuvo su fundamento en la inmediatez, pero más adelante se añadió en su utilización un ritual, una función mágica, algo funeraria y algo religiosa. Y con el paso de la evolución histórica la funcionalidad de la escultora se ha ido modificando, llegando a convertirse en expresión estética u ornamental, pasando a considerarse un elemento duradero.

‘La escultura no consiste en el simple labrado de la forma de una cosa, sino el labrado de su efecto’ (John Ruskin)

Eduardo Chillida nació en San Sebastián en 1924. Estudió Arquitectura en Madrid pero no terminó la carrera. Fue portero de la Real Sociedad en la temporada 42-43 cuando el equipo donostiarra competía en segunda división. Empezó dibujo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fue en ese momento cuando se introdujo en el dibujo al natural. Y es en Madrid donde comienza a realizar sus primeras obras escultóricas.

Posteriormente se trasladó a París donde comienza a tomar cuerpo toda su obra. Es ahí cuando comenzó a usar el yeso y cuando se inició su rivalidad con el escultor Jorge Oteiza, ambos introducidos en la tradición constructivista, aunque cada uno utilizando temáticas diferentes. Incluso Oteiza llegó a acusar a Chillida de plagiar sus obras. En 1977 hicieron las paces. En 1951, Chillida regresa definitivamente a su ciudad natal, San Sebastián. Y comienza su primera obra realizada con hierro, a la que tituló ‘Ilarik’, un material que ya no abandonará en todo el resto de su vida.

Chillida defendió la obra pública como mecanismo para garantizar un acceso a su obra en lugar de la realización de obras de arte en serie. Algunas de sus obras más conocidas no sólo se encuentran es espacios públicos, sino que forman parte intrínseca de él. Ejemplo significativo es el ‘Peine de los Vientos’ , obra situada en la costa de Donosti. Otra de sus obras de ubicación pública y escala monumental es el ‘Elogio del horizonte’ ubicada en Gijón.

‘Un día soñé una utopía: encontrar un espacio donde pudieran descansar mis esculturas y que la gente caminara entre ellas como por un bosque’

Chillida-Leku fue la cumbre y un objetivo que se marcó a sí mismo. Un pequeño sueño de artista convertido finalmente en realidad. Una consecución perseguida durante mucho tiempo. Chillida quiso crear un espacio especialmente para su obra, una combinación de naturaleza, espacio, vida, hombre. Serviría como muestra fiel de toda su trayectoria y de toda su evolución, un seguimiento de una carrera que duró más de 50 años. Un espacio donde poder disfrutar de toda su obra, de forma universal, de forma natural, en toda su magnitud. Se crearon tres zonas bien definidas. Por un lado, un jardín de 12 hectáreas donde las hayas robles y los magnolios predominan y donde se sitúan 40 obras del escultor. Otra zona de servicio, con un auditorio donde recrear imágenes del artista en su trabajo y una zona de descaso, todo dentro de un espacio natural. Y como culminación, el caserío Zabalaga, donde se instalarían las obras de menor formato realizadas en acero corten, alabastro, granito, terracota, yeso, madera o papel.

Un espacio escultórico en sí mismo, una obra más del autor donde se plasma de modo perfecto su visión de la forma, el espacio y el tiempo acumulado. Las preguntas de Chillida se convierten en respuestas en el recorrido del visitante. El museo se ubica en el municipio guipuzcoano de Hernani. Actualmente permanece cerrado desde el 1 de enero de 2011. Desde entonces, la familia del artista vasco ha venido protagonizando por capítulos una historia de desencuentros y desavenencias con las instituciones, en su afán por llegar a un acuerdo con el Ejecutivo vasco. Eduardo Chillida sufrió en sus últimos años de vida la enfermedad de Alzheimer. Y en 2002 falleció en San Sebastián.


“La fotografía, como sabemos, no es algo verdadero.

Es una ilusión de la realidad con la cual

creamos nuestro propio mundo privado”

(Arnold Newman)

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Hay veces en la vida en que te das cuenta de que necesitas cambios. Esos cambios a veces son inconcretos, difíciles de percibir, pero tienes la seguridad de que los necesitas. Llega ese momento en el que te planteas muchas cosas, y no importa la edad si no el momento, la circunstancia. Muchos pensamientos se entremezclan y llegan a distorsionar la realidad que vives. Son momentos especiales donde todo se condiciona, donde todo queda pendiente, preparado para el cambio. De repente una luz se enciende y te das cuenta de que estabas a oscuras. Y mientras dura esa luz es tiempo de meditar, de ver cómo poder cambiar lo que parecía imposible. Es ese momento concreto en que todo es posible y lo anterior pierde significado. Como si la rutina diaria dejara de existir y todo comenzara de nuevo. Y es en ese preciso instante cuando nos hacemos con las riendas de nuestra vida, cuando nos hacemos partícipes de nuestros actos y de nuestros proyectos, de nuestras ideas y de nuestros pensamientos. Es hora de cambiar de escenario, hora de crear uno propio, distinto, motivante.

Y precisamente eso fue lo que le ocurrió a nuestra protagonista. Un buen día amaneció y se dio cuenta de que tenía que hacer algo diferente. Comenzar a buscar nuevos caminos y nuevas ideas con las que sentirse a gusto consigo misma. Tras muchos años dedicándose a su profesión y buscando sentirse realizada, recibe el impacto de una crisis existencial muy particular que le sirve para plantearse muchas cosas. Decide entonces que es hora de abrir nuevas puertas y sumergirse en nuevos retos y en nuevas sensaciones. Descubre una nueva pasión artística que nunca hubiera imaginado. Descubre la fotografía. Y a través de las imágenes un nuevo mundo se abre frente a ella, un mundo repleto de emociones por ordenar y por realzar, ilusiones nuevas con las que poder disfrutar y sentir.

ANE ZABALA  (www.anezabala.com) de origen donostiarra y malagueña de adopción, no pudo imaginar que un buen día compraría una cámara Reflex y comenzaría a descubrir ese nuevo mundo de sensaciones y de sueños. Sin conocimientos previos comenzó su andadura artística gracias a un instinto vital, el plasmar sus pensamientos y sus sentimientos a través de un objetivo, conseguir que el blanco y negro aumentara sus inquietudes y que éstas dieran rienda suelta a sus emociones, consiguiendo un punto  culminante y desconocido de sí misma. Compensó su timidez y su dificultad para expresar sus sentimientos desde el otro lado del objetivo. Se ayudó de su cámara para compensar sus limitaciones y pudo así lograr traspasar la puerta de su búsqueda personal. Gracias a la fotografía se internó en una nueva dimensión que la transportó hacia nuevos prismas, desde donde todo parece diferente, desde donde el mundo tiene otros tonos, otras visiones.

A Ane le gusta el diseño, la arquitectura y la decoración. Le gusta la expresión mínima, minimalista, casi siempre usa el blanco y negro y elimina todo lo que puede considerarse superfluo dentro de una imagen. La poderosa atracción de un objeto, de un edificio o de un paisaje fueron sus inicios. Unos inicios que tuvo que compartir junto a un amigo fotógrafo que le ayudó a instalarse en su nueva rutina. Un hobbie que traspasó fronteras y que se quedó a vivir con ella desde entonces. A medida que comenzó a conocer a fondo el mundo de la fotografía, sus imágenes se centraron en objetos inanimados y edificios. Su primera fotografía realmente trabajada fue la que hizo de la T4 de Madrid.

Durante un viaje a Nueva York consigue su segunda cámara y cambia su concepto inicial para adentrarse en el mundo del retrato y del desnudo. Un cambio en su búsqueda de la imagen idónea, de la imagen soñada. A través de las nuevas incursiones consigue expresar todo aquello que siente y que le cuesta tanto de explicar. Porque Ane se considera una  persona tímida, a la que le cuesta firmar sus obras y en más de una ocasión lo hace con el seudónimo de ‘Enigma’. Y a pesar de que se dedica a retratar rostros el suyo queda relegado a un segundo plano debido a esa timidez.

Gracias a la colaboración de amigos, conocidos y familia encontró ayuda para sus modelos improvisados. Y poco a poco fue elaborando una colección de obras que espera que algún día pueda exponer o vender. Su apuesta es encontrar la belleza, esa es la auténtica meta. No cierra puertas a posibles sorpresas. Lo interesante es expandir sus imágenes y descubrir que hay personas ahí fuera que disfrutan con un segundo de su vida, con ese click que un día su dedo mágico realizó. Otro amigo le ayudó a crear su página web para presentar por lo menos sus intenciones.

Cuando el Ayuntamiento de Málaga preparaba la candidatura para que la ciudad fuera sede de ‘Capital Cultural’ 2016, Ane presentó 18 fotografías a concurso que fueron publicadas. Ha sido su primera aproximación al mundo público. Su primera entrega. Con el tiempo espera que sea algo más estable, presentar obras, divulgarlas, invitar a desconocidos a gozar de sus emociones. Pero ante todo su objetivo prioritario es seguir sumergiéndose en la práctica diaria, en la enseñanza como puente para alcanzar nuevas imágenes, en las ganas de seguir descubriendo trucos, técnicas y formas. Es un auténtico placer presentar esta clase de pasiones ocultas. 

“La fotografía es más que un medio para la comunicación efectiva de ideas. Es un arte creativo”.

(Ansel Adams)

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EDVARD MUNCH (1863-1944), pintor y grabador, hijo de médico, se quedó huérfano de su madre cuando sólo tenía 5 años. Su obsesión por la muerte se apoderará de él desde aquel preciso instante, dado que nueve años después fallecería su hermana, dos años mayor que él. Su infancia estuvo rodeada de un entorno calificado por el artista de ‘opresivo y triste’.

Tras empezar a estudiar ingeniería, abandona los estudios para dedicarse a su gran pasión, la pintura. En sus primeros años en Oslo se relaciona con ambientes anarquistas y, en especial, a las ideas de Hans Jaeger.

Sin duda, su evolución posterior se vio influenciada por la visita que realizó a París en 1885, donde asiste a la gran exposición impresionista de la galería Durand Ruel y donde contempla obras de Monet, Renoir, Degas, Pissarro y Seurat.

La primera obra de importancia de ese período se tituló ‘La niña enferma’, que evoca su propia experiencia con la muerte de su hermana. En 1889 viajará a París mediante una beca del gobierno noruego y eso le hará dar un nuevo giro a su carrera. Comienza su estilo impresionista. Participará en una exposición berlinesa que le servirá debido a su valiente apuesta impresionista una gran polémica que le catapultará hacia la fama.

Una tercera estancia en París en 1895 supondrá el afianzamiento de sus obras, con claro ejemplos como ‘Melancolía’, ‘La voz‘, ‘El grito’. Tras ello llega una época de muchos viajes, alternando Alemania y París, junto a su tierra natal.

A continuación una crisis nerviosa, junto al alcoholismo le hará estar internado durante 8 meses en Copenhague. Durante su etapa final tuve el mismo reconocimiento que otros grandes pintores de su época, como Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Pasará las últimas horas de su vida dedicadas integramente a su gran amor, la pintura, en Oslo hasta que en enero de 1944 morirá completamente solo.

Sus obras siempre fueron consideradas variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos y en los lados nocturnos. Sentimientos como el amor, el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, fueron elevados a la máxima potencia por su arte. Según sus propias palabras, intentó diseccionar almas, por eso sus temas preferidos siempre estuvieron relacionados por la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Considerado precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, el mejor pintor noruego de todos los tiempos.

Un placer recordar al artista y a su obra.


Todos conocemos artistas desconocidos. A nuestro alrededor, escondidos en solitarias habitaciones, en silenciosos talleres, en viejos y desarreglados apartamentos, esos seres anónimos que transitan por la vida de forma sosegada, casi de puntillas, aficionados del arte, amantes de la belleza. Seres desconocidos para la mayoría de la Humanidad pero no para el  pequeño microcosmos que habitan , para su entorno más familiar, para su círculo de amigos íntimos, para toda esa capa de conocidos que le admiran y que  siguen atraídos por su arte.

Esta clase artistas los podemos encontrar de todos los tipos. Pueden ser poetas desengañados de la vida, carentes de ilusión, narradores de historias de perdedores, prototipos de periodistas amantes de la información y la opinión, aspirantes a fotógrafos de actualidad o de estudio, músicos convencidos carentes de ofertas, en todas partes habitan y en su subsuelo conviven con sus estrecheces y miserias, con sus ansias de ofrecer al mundo un poco de estímulo añadido.

         

Desde este humilde rincón de opinión queremos homenajear a un gran artista desconocido. Su nombre Manel Bertolín (22 mayo de 1947). Tras su paso por la escuela ‘Xaloc’ (1973/82) fichó por la St. Paul’s School, donde ha trabajado los últimos 28 años. Actualmente goza de una merecida jubilación aunque ahora más que nunca está inmerso en su mayor afición: el arte. Graduado en procedimientos pictóricos en Barcelona y Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona.

     

Persona muy querida por sus familiares. Buen esposo y mejor padre, se interesa sobre todo por el conocimiento y la preocupación que siente por sus semejantes. Su expresión artística favorita es aquella que, básicamente, se exprese por medio de la imagen y de la palabra, ya sea escrita o leída. Políticamente de izquierdas y muy comprometido con la lucha por la injusticia, se declara a sí mismo independentista catalán. Amante de su propia cultura, de su propia historia y de su propio lenguaje pero amante, sobre todo, de lo que tenga que ver con la cultura, en todas sus expresiones. Un Humanista con mayúsculas. Encantado de disfrutar de la naturaleza, los amigos, la música, la conversación y el descaro (a veces escaso) de los jóvenes comprometidos.

A lo largo de sus más de 40 años de dedicación a la creatividad ha tratado diversos tipos de técnicas y procedimientos, así como estilos de dibujos. Ha pasado por la pintura, el grabado, el dibujo, la escultura cerámica y la foto-abstracción digital (con lo que está inmerso actualmente). Como muy bien nos recuerda el ‘arte’ es la práctica dirigida a la producción de obras según principios estéticos o susceptibles de expresar un ideal moral, metafísico o estético.

    

“Para mí, el arte es una actividad humana consciente que forma parte de la cultura.

La pintrua, es una manera de expresarme por medio de formas, colores y texturas, es la expresión de un sentimiento, un mirar y decubrir a cada instante,

una sorpresa visual, un placer que la imaginación me brinda para disfrutar constatemente

y una forma de comunicarme bidimensionalmente

y poder mostrar una buena parte de mi mundo interno”

Una larga etapa de alguien que tomó este camino para comunicar sensaciones, sentimientos y, en definitiva, por necesidad existencial. Gracias Manel por crear, por expresar esos sentimientos y esas emociones, por descubrirnos otro mundo creativo, el tuyo, un mundo de belleza, color y arte. Y, sobre todo, por compartirlo con todos nosotros.