Archivos de la categoría ‘Arte (Fotografía/Escultura/Pintura)’


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“Tienes que pedirte más a ti mismo.

Tienes que empezar a buscar fotografías que nadie más pueda hacer.

Tienes que coger tus herramientas e ir más allá.”

(William Albert Allard)

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Judy Dater nació en Hollywood (California, EEUU) en 1941  y se crió en Los Ángeles. Gracias a que su padre era dueño de una sala de cine, las películas representaron su primer acercamiento hacia las imágenes. Descubrió así otro mundo y la fotografía comenzó a ser una necesidad en su vida. Estudio arte en la Universidad de Los Ángeles (UCLA) aunque acabó la carrera en la Universidad Estatal de San Francisco tras su mudanza. Y fue allí donde comenzó a estudiar fotografía junto a Jack Welpott, con el que se casaría más adelante. Su obra tuvo una gran influencia pero también su ideología con marcado carácter feminista.

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Pero si en alguien se inspiró Dater fue en la fotógrafa Imogen Cunningham. Nacida en 1883 en Portland, Oregón (EEUU), comenzó su trabajo con la fotografía en 1901 como estudiante en Washington. En 1910 abrió su propio estudio en Seatlle y comenzó a recibir elogios y reconocimiento por su trabajo en retratos y en trabajos pictoralistas. Hacía encargos para la alta sociedad debido a su alta popularidad dentro del panorama local. Se trasladaría más adelante a California. En 1932, junto a varios artistas, creó el Grupo f/64.

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La carrera de Dater ha sido larga y fructífera. Ha combinado varias facetas, entre la enseñanza, los libros, sus viajes, sus vídeos, talleres e impresiones y, cómo no, sus infatigables fotografías a lo largo de toda su vida. Compartía con Cunningham el interés por el retrato y fueron muy buenas amigas. Tres años después de su muerte Dater publicó el libró Imogen Cunningham: un retrato, un repertorio de entrevistas, fotografías, amigos y familiares, repleto de fotografías de las dos artistas. Una de las fotos más famosas de Dater era esa que tomó en los bosques del Parque Yosemite en 1974, donde aparece Cunnigham descubriendo a una ninfa de los bosques, protagonizada por la modelo Twinka Thiebaud. Esa fotografía se convirtió en el primer desnudo frontal publicado por la revista Life. El vello púbico seguía siendo tabú en la sociedad norteamericana. Y según Dater, esa fotografía era un homenaje a Cunningham.

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“Me he acostado con algunos de mis modelos,

pero siempre les hice fotos después del sexo,

nunca antes,

la fotografía no fue un camino para llevarlos a la cama”

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Para Dater la belleza es imperfecta e incompleta, pero la busca por todos los medios. Y en cada una de sus obras se puede apreciar esa búsqueda. Se refleja en sus fotografías el anhelo de la contemplación y el silencio. Una sexualidad femenina potencialmente protagonista. Pero un desnudo en blanco y negro bien estimulante, original, haciendo pensar al espectador. Una obra cargada de sensualidad, de poder de atracción.

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Se plasma su rechazo por la sonrisa fácil, deseando más bien unas miradas interrogativas, pensativas, melancólicas. Una oposición frontal contra lo establecido, contra lo que es normal. Una rebelde que utiliza la fotografía para protestar. Una naturalidad por encima de todo y una apuesta por la sexualidad ante todo. Una conjugación perfecta de espontaneidad, amor y sexo en dosis perfectas…

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“¿Qué sería la vida si no tuviéramos el valor de intentar cosas nuevas?” 

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El postimpresionismo es el término con el que se conoce a todos los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue la etapa posterior al impresionismo y de ahí su nombre. Roger Fry fue el que tuvo la idea del término con motivo de una exposición de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, celebrada en Londres en 1910. Y es que el término engloba diversos estilos personales y como una extensión del impresionismo mismo, como un claro rechazo a las limitaciones que contenía. Se seguían utilizando colores muy vivos, unas pinceladas muy distinguibles y temas muy reales, pero querían abarcar más emociones y más expresión en su pintura. Se trataba de reflejar fielmente a la naturaleza en todos sus aspectos y una visión más subjetiva del mismo mundo. Lógicamente, la base era el impresionismo, aunque supuso una auténtica revolución y muchos de sus artistas fueron muy criticados. Muchos de ellos, al ser rechazados, se unieron y organizaron sus propias exposiciones. El impresionismo había representado una ruptura de los conceptos más dominantes en la pintura y en la escultura. Se trataba de reflejar la esencia, el estímulo, la sensación por encima de todo. Los artistas salieron a la calle, querían paisajes, edificios, personas. Había que pintar allí donde la sensación se creaba.

“Desde luego que para el arte,

donde se tiene necesidad de tiempo,

no estaría mal vivir más de una vida”

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Vincent Willem Van Gogh nació en Zundert (Holanda) en marzo de 1853. Considerado uno de los principales artistas del postimpresionismo. Un artista que se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocando siempre sus emociones por encima de todo. Fue el preludio del expresionismo. Pintó casi mil cuadros y más de mil quinientos dibujos. La figura central de su vida fue su hermano menor Theo, el cual le prestó dinero durante toda su vida. Desde muy joven se inclinó por el dibujo y con sólo 26 años se hizo misionero en una región minera de Bélgica. Allí comenzó a dibujar a la gente de la comunidad. Su primera gran obra la pintó en 1885 ‘Los comedores de patatas’, y ahí todavía utilizaba tonos sombríos. No fue hasta más adelante cuando comenzó a usar la luz de los colores más vivos, cuando descubrió el sur de Francia, sobre todo en Arlés hacia 1888. Toda la calidad de su obra no fue reconocida hasta después de su muerte, y con el paso de las décadas ha quedado marcado como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. Su influencia fue básica en todo el siglo XX, tanto para expresionistas alemanes o franceses.

Los comedores de patatas, 1885. Óleo sobre lienzo, 82 x 114 cm. Fundación Vincent van Gogh-Museo Van Gogh, Amsterdam

“He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que,

bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato,

ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues,

el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente…”

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Desde muy joven tuvo un carácter difícil, con un fuerte temperamento. Empezó a trabajar muy joven (16 años) tras abandonar los estudios. Tuvo una época muy religiosa. Se entusiasmó con la lectura de la Biblia y en mayo de 1877 se trasladó a Amsterdam donde intentó hacerse teólogo. Desistió, más que nada porque fue rechazado al desconocer griego y latín, y también por su dificultad para hablar en público, pero también su falta de subordinación ayudó a ello. No se adaptaba a ningún orden y mucho menos a someterse a reglas o a jefes. Sobre 1880 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas donde estudió dibujo y perspectiva. Comenzó a pintar en óleo, a pintar paisajes, con trazos gruesos. Y también comenzó a sentir soledad. En diciembre de 1883 regresó a su casa paterna, en ese momento Nuenen. Le acondicionaron una habitación como taller y se dedicó a pintar a los tejedores rurales. Los telares se convirtieron en su centro artístico en esa época. Intentó demostrar la solidaridad y naturalidad de los trabajadores, representando la idea de una sociedad libre de la industrialización. Al morir su padre repentinamente en marzo de 1885 se creó un conflicto entre su madre y sus hermanas por su herencia, lo que provocó que se fuera de esa casa.

“Sueño con pintar y luego pinto mis sueños”

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En noviembre de 1885 llegó a Amberes y ocupó un pequeño taller. Todo el alquiler lo pagaba su hermano. Descubrió a Rubens, y su colorido le abrió las puertas a nuevas ideas. Un año después se mudó a París para vivir junto a su hermano. Y fue Theo quien le enseñó obras impresionistas que le ayudaron a ser todavía más luminoso. Fue un cambio radical en su obra a partir de entonces. Ya se codeó con los más importantes artistas franceses de la época: Bernard, Seurat, Gauguin, Cézanne, etc… Se puede resumir su etapa parisina como muy fértil a nivel artístico pero agotadora físicamente, donde la absenta y las salidas nocturnas fueron habituales. En febrero de 1888 llegó a Arlés, al sur de Francia. Allí pintó todo lo que vio. Pero se concentró en lo que le rodeaba, en los campos de trigo, en los pantanos del Ródano, en los paisajes que veía cada día. Utilizó pinceladas ondulantes, muchos verdes, amarillos y azules. Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de toda su vida, que le llevó a hacerse una herida de bala que acabaría con su vida con sólo 37 años.

“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores

que ser estrecho de mente y demasiado prudente”

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“Las obras de arte nacen siempre de quien ha afrontado el peligro,
de quien ha ido hasta el extremo de la experiencia,
hasta el punto que ningún humano puede rebasar.
Cuanto más se ve, más propia, más personal, más única se hace una vida”
(Rainer María Rilke) 
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Kjell Nupen es un artista noruego nacido en la ciudad de Kristiansand (Noruega) en septiembre de 1955. Estudió en la Statens Kunstakademi (Academia de Cultura del Estado) de Oslo entre 1972 y 1975. Un artista contemporáneo que desde muy joven destacó y con sólo 17 años ya estudiaba are. Experimentó desde sus inicios, sin haber cumplido todavía los 20. Por aquellos años sus expresiones artísticas destacaban por sus coloridos lienzos, y muy influenciado por las políticas turbulentas que ocurrían en Europa. Más adelante residiría y estudiaría en Düsseldorf (Alemania) y es cuando descubrió realmente el arte como concepto. Algunas de sus mejores obras las realizó durante ese período.
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En los años ochenta comenzó una nueva etapa, separando sus viejas ideas y mostrando motivos de naturaleza. Buscaba la tranquilidad y la estabilidad. La soledad como estado de necesidad. Pintor figurativo que emplea técnicas de artista gráfico. Muy respetado dentro del mundo del grabado, de la litografía y del woodprint. E incluso ha trabajado como asesor para otros artistas. Sus mejores obras se pueden encontrar alrededor de todo Noruega y en varios países extranjeros. Y aunque él siempre se ha considerado un pintor tal cual, la escultura ha sido otra de sus aficiones. Ha trabajado el granito, la cerámica, el vidrio, el bronce y el acero. Muchas de sus obras se pueden contemplar al aire libre.
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“El arte es el placer de un espíritu

que penetra en la naturaleza

y descubre que también ésta tiene alma”

(Auguste Rodin)

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Lo que conocemos como ‘graffiti’ viene del mismo vocablo italiano y también es conocido popularmente como pintada. Su significado viene del antiguo vocablo del latín ‘scariphare‘, que viene a llamar al punzón o al estilite con el que los antiguos escribían sobre tablillas, aunque actualmente se trate de inscripciones o pinturas realizadas generalmente sobre mobiliario urbano. Sus orígenes se podrían remontar a todas aquellas inscripciones que quedaron en las paredes del Imperio romano, generalmente de carácter satírico o crítico. Para muchos artistas actuales, el graffiti se ha convertido en la única forma que poseen para poder expresarse de una manera pública y artística. Pintando textos abstractos en cualquiera pared o fachada de la vía pública, de una manera absolutamente libre y creativa, con el único fin de expresar y divulgar su obra, donde la esencia es básicamente evolucionar buscando ser ante todo original y creando un impacto considerable al público que pueda verlo al caminar por la calle. Se podría decir que el graffiti es un arte revolucionario, urbano y rebelde, y que se puede utilizar para criticar cualquier comportamiento humano o acción política. En muchas ocasiones, es una obra espontánea, rápida, precisa y anónima.

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Uno de los elementos básicos para realizar un grafiti es el aerosol, uno de los cuatro elementos básicos también de la cultura urbana del hip hop. Se comenzó a utilizar la palabra a nivel coloquial en periódicos neoyorquinos de la década de los 70. El término se propagó rápidamente y pasó a popularizarse en todo el mundo. Curiosamente, en italiano se utiliza el vocablo inglés ‘writing’ para referirse a los graffiti de estilo hip hop, dado que el término se utiliza solamente para su sentido original. Pero la costumbre de escribir y firmar obras públicamente, tanto en paredes como en calles es muy antigua. Entre los romanos la costumbre estaba muy extendida. En la actualidad, el graffiti es un arte callejero global, que se puede encontrar en cualquier rincón del planeta. A finales de la década de los 60 había nacido en Filadelfia (EEUU) una subcultura que tenía un estilo propio: letras largas con bases en el inferior. Cuando años más tarde llegó a Nueva York se le denominó Elegante Broadway. Los sprays se vieron por todas partes; en colegios, en universidades, en parques, en fachadas de ministerios, mensajes pintados con mensajes en contra del racismo, de la guerra, a favor del movimiento ‘hippie’. Los primeros grafiteros neoyorquinos firmaban sus obras con un número que indicaba la calle donde ellos mismo vivían. La mayoría eran del lado superior del oeste de Manhattan pero también los había importantes tanto en Bronx como en Brooklyn.

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Quizá cuando su fama logró la cima de popularidad fue a principios de la década de los 70. A finales de esa década, una gran remesa de grafiteros del área de Brooklyn comenzaron a hacerse famosos. La Autoridad Metropolitana del Transporte de Nueva York comenzó su lucha particular contra el movimiento grafitero, puesto que eran sus trenes los primeros en ser pintados. Se les llamó entonces a los grafiteros ‘buffs’ (entusiastas) y muchos de ellos llegaron a Europa en busca de nuevos espacios libres por donde desarrollar su arte. Hubo en EEUU una maquinaria para mediatizar a la gente en contra de la cultura grafitera y mucha gente se volvió contra ellos. A finales de los ochenta, los trenes de Nueva York transitaban en su mayoría limpios. Muchos grafiteros ya se habían ido de la ciudad y pocos continuaban pintando. Esa época fue conocida con el nombre de ‘Clean train movement’ (El movimiento tren limpio).

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A mediados de los 70 nació Banksy, el pseudónimo del artista grafitero británico. Al menos eso se cree. Y parece ser que fue en Bristol en 1974. Pero todo lo que concierne a su identidad y a sus datos son realmente rumores sin confirmar. Se desconocen muchos detalles de su biografía. Parece ser que comenzó su carrera como grafitero en el boom del aerosol de Bristol a finales de los 80. Sus obras, en su mayoría, son piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias urbanas, combinando la escritura con el graffiti de plantilla (‘stencils’). Su arte está influenciado con el artista Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos a comienzos de los ochenta en París. De hecho confesó que su arte ya lo había hecho Blek veinte años antes. Se hizo muy famoso en las calles de Londres.

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Siempre ha ocultado su identidad real a toda la prensa. Muchos han apuntado que su nombre podría saber Robert Banks o Robin Banks, pero son simples conjeturas. Simon Hattenstone, el único periodista que lo entrevistó cara a cara lo describió como una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner, varón de no llegado a la treintena, vestido con jeans y bastante informal. Las conjeturas han continuado y se ha filtrado que podría ser un varón de 35 años, de pelo rubio, alto, y que viste ropa típica de grafitero. Más adelante se filtró que su nombre podría ser Robin Gunningham, un trabajador de clase media y que carecería de ningún perfil en redes sociales y con pocos datos sobre su vida. Su andadura artística comenzaría en las calles de Bristol entre 1992 y 1994. En el 2000 organizó una exposición en Londres y su obra se ha visto por todas las ciudades del mundo.

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Su obra se ha centrado en promover visiones distintas  a las de los grandes medios de comunicación. Cobra también para ONG’s como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV. Algunos de sus cuadros se han vendido  hasta por 25 mil libras y hasta un juego de sus obras fue vendido en Sotheby’s mediante subasta, por lo que recibió la crítica de muchos por ser un vendido. En los últimos días se ha burlado de mercado del arte y ha vendido algunas de sus obras en el centro de Nueva York, mediante un vendedor ambulante a un precio de 60 dólares cuando se calcula que cada una podría costar en el mercado más de 10 mil dólares.


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“El mundo está lleno de pequeñas alegrías:
el arte consiste en saber distinguirlas” 
(Li Tai-Po)
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Odd Nerdrum, nacido en abril de 1944 en Helsingborg, Suecia, es uno de los pintores figurativos noruegos más importantes del momento. Aunque muy controvertido por los temas que gusta expresar, no se aleja demasiado de la anécdota y de la narrativa, sin haber negado nunca sus influencias de Rembrandt y Caravaggio. El arte abstracto es una imagen que representa algo de distinta manera desde el punto de vista del mismo pintor. Un concepto contrario al arte figurativo, donde se remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales.
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El arte figurativo, figurativismo o arte representacional es el arte que se define por la representación de figuras, entendiéndolas como objetos identificables mediante imágenes reconocibles; procurando su verosimilitud (realismo artístico), o bien distorsionándolas de alguna forma; idealizándolas e intensificando alguno de sus aspectos, optando finalmente por darle una u otra forma de representación, ya sea el simbolismo, el detallismo o el preciosismo, por poner unos ejemplos. De hecho, en la obra de Nerdrum se ve un continuo conflicto directo y personal entre la abstracción y el arte conceptual.
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“Las obras de arte nacen siempre de quien ha afrontado el peligro,
de quien ha ido hasta el extremo de la experiencia,
hasta el punto que ningún humano puede rebasar.
Cuanto más se ve,
más propia, más personal,
más única se hace una vida”
(Rainer María Rilke)
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Son artes figurativas aquellas que tienen un mayor componente icónico en sus producciones. Habitualmente confundidas con las artes visuales, no coinciden exactamente, dado que entre las artes visuales son especialmente dos: la pintura y la escultura, las que suelen entenderse como figurativas, la arquitectura tiene un componente figurativo menos evidente. Nerdrum es un pintor con una actividad sorprendente. Puede pintar desde bodegones a pequeños objetos, todos esos objetos cotidianos que tenemos a nuestro alrededor y de los que quizá no prestamos demasiada atención, ya sean ladrillos, retratos o marcos. Todos sus temas parecen sacados de otro momento o de otro tiempo y lugar; son pinturas de gran formato, de naturaleza alegórica que representan un sentido de lo apocalíptico y referidas al mundo en el que vivimos. Afirma Nerdrum que su arte debe ser entendido como ‘kitsch’ en lugar de arte como tal. De hecho, escribió un manifiesto titulado ‘On kitsch’, donde describe lo que para él supone la distinción entre kitsch y arte.

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A finales del siglo XIX surgieron en Europa unas tendencias arquitectónicas que rompían con los criterios más tradicionales y que buscaban principalmente nuevas formas de edificar de manera futurista, vislumbrando el siglo XX que se avecinaba. Se centraban por encima de todo en la estética. Fue un movimiento que tuvo su origen en la Revolución Industrial, que ya había arraigado en varios países y que había provocado el crecimiento espectacular de las ciudades. Se podría decir que el modernismo era un estilo urbano y burgués. En general, el modernismo rechazaba el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX, desarrollando nuevos conceptos basados en la misma Naturaleza, definidos en los materiales de construcción, las formas de los edificios y en las figuras en las fachadas. Era habitual ver en las fachadas todo tipo de flores, hojas o pájaros, adosados o como simples adornos de piedra o cerámica. Pero también fue habitual ver personas o animales fabulosos en las cornisas con colores llamativos. Las ventanas y balcones destacaban por sus rejas de hierro forjado, labradas artísticamente y con motivos de la naturaleza.

“Quienes deben hacer cosas son precisamente aquellos que no han hecho nada”

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Una de las regiones donde el modernismo se desarrolló de forma magistral fue en Cataluña, fomentado por una burguesía incipiente, orgullosa de su cultura y de su pasado, muy sensible al arte y al diseño. Con ese nuevo estilo, la burguesía catalana vio la forma idónea de satisfacer sus ansias de modernización, expresando la identidad catalana y poniendo de manifiesto su riqueza, gusto y distinción. Pero el modernismo catalán también se desarrolló en otras artes, como en la pintura o la escultura, y sobre todo en el diseño y en las artes decorativas. En Cataluña, este arte recibió una atención especial, adquiriendo una personalidad propia y muy diferenciada. Su denominación se debió a su relación geográfica con Cataluña y sobre todo por su capital, Barcelona. Una región que intentaba a toda costa diferenciarse de la cultura española por diferentes razones, tanto sociales, históricas como lingüísticas. Dos hitos se enmarcan perfectamente en ese círculo: la Exposición Universal de Barcelona de 1888 y la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Es necesario alternar la reflexión y la acción,

que se completan y corrigen la una con la otra.

También para avanzar se necesitan las 2 piernas: la acción y la reflexión”

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La lista de todos los artistas que estuvieron influenciados por este movimiento es muy extensa pero algunos ejemplos fueron los pintores Santiago Rusiñol, Joaquín Sunyer o Joan Brull, o los arquitectos Rogent i Amat, Lluís Domènech o Josep Puig. Pero uno de estos artistas destacó por encima del resto: Antoni Gaudí i Cornet nació en Reus (Tarragona) en junio de 1852. Arquitecto y máximo representante del modernismo catalán. Tenía un sentido innato de la geometría y del volumen, con una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de ellas. Los prefería recrear sobre maquetas tridimensionales, moldeando los detalles según los iba ideando mentalmente. Muchas veces improvisaba sobre la marcha y daba las instrucciones oportunas a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer exactamente.

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Concebía sus edificios de una forma global. No dejaba ni el más mínimo detalle al azar. Y muchos trabajos artesanales los integraba a la realización arquitectónica, como la cerámica, la vidriería, la forja de hierro o la carpintería. Además, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso ‘trencadís’, hecho con piezas de cerámica de desecho. Una especie de mosaico realizado con fragmentos cerámicos unidos con argamasa. Utilizando piezas rechazadas de las fábricas, así como fragmentos de platos y de tazas de café de cerámica blanca y baldosas de cerámica, las resaltaba esmaltándolas para crear un cromatismo de colores vivos, aprovechando la superficie lisa y pulida y poder causar el máximo efecto de brillo al incidir la luz sobre ellas.

“El gran libro, siempre abierto y que tenemos que hacer un esfuerzo para leer,

es el de la Naturaleza,

y los otros libros se toman a partir de él,

y en ellos se encuentran los errores

y malas interpretaciones de los hombres”

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Sus inicios arquitectónicos estuvieron marcados por el arte neogótico y ciertas tendencias orientales, pero desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia. Pero se situó más allá del simple modernismo ortodoxo, creando un sello personal, un estilo propio basado en la observación de la naturaleza, utilizando formas geométricas regladas, como la paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. Su vida fue un continuo experimento, dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno. Su obra culminó en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder toda la experiencia adquirida en estilos anteriores. Hoy en día, el nombre de Gaudí tiene repercusión en todo el mundo. Es aclamado y admirado por todos los amantes del modernismo y de la arquitectura. Uno de los mayores atractivos de visitar Barcelona pasa por visitar sus obras, muchas de ellas consideradas de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

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Nació en una familia de caldereros y se trasladó a Barcelona para estudiar arquitectura, graduándose en 1878. Sus inicios profesionales pasaron por colaborar con algunos renombrados estudios de la época, como el de José Fonseré, con quien proyectó la cascada, las rejas metálicas y las puertas del parque de la Ciudadela de Barcelona. En 1883 fue nombrado arquitecto del templo de la Sagrada Familia, una obra que ocupó toda su vida y que sigue en construcción actualmente. Quizá fue su ‘obra’. Su principal argumento artístico, que quedó inconclusa con su muerte y sin un proyecto definido. Pero durante la realización de dicho templo, tuvo tiempo para encargarse de otras obras, como la villa El Capricho, en Comillas (Cantabria) o la casa Vicens, en el barrio de Gracia de Barcelona.

“Para hacer las cosas bien es necesario: primero, el amor, segundo, la técnica”

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Y fue por entonces cuando contactó con el conde de Güell, quien no dejaría de encargarle trabajos a partir de entonces. Primero algunos pabellones para su finca de Pedralbes y el Palacio de la calle Nou de la Rambla de Barcelona. Más adelante el colegio de las teresianas de la calle Ganduxer y el palacio episcopal de Astorga, que no pudo terminar debido a la muerte del conde. Ya comenzaba a vislumbrarse su estilo, desde la recreación del gótico hasta su atracción por las curvas y la decoración artesanal. En 1892 recibió el encargo de una casa en León, conocida como la Casa de los Botines. Fueron muchos inmuebles los que fueron encargados al arquitecto, como la Casa Calvet, la Casa Batlló y la Casa Milá, conocida como La Pedrera y que se puede considerar como la culminación de su genio. La fachada de ese edificio habla por sí sola de su genialidad como artista y como arquitecto, con una concepción ondulada de piedra y hierro forjardo y un conjunto de chimeneas en la azotea. Una de sus obras más visitadas es el Parc Güell.

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“Toda obra de arte debe ser seductora

y si por ser demasiado original se pierde la cualidad de la seducción,

ya no hay obra de arte” 

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Sería difícil calificar la obra de Gaudí y quedarse con una de sus obras por encima del resto. A cada persona que preguntáramos podría decirnos una diferente. Su arte atrajo y atrae a millones de personas en todo el mundo, y su atracción va intrínseca al sentimiento de belleza. Su muerte al ser atropellado por un tranvía quizá fue tan sólo una anécdota, pero tras su ella dejó una leyenda y un legado. Ya era conocido dentro y fuera de España pero su genio innovador y creativo no fue mayormente aceptado hasta décadas después. Hoy es una de las influencias arquitectónicas más importantes del mundo.

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“En parte,

el arte completa lo que la naturaleza no puede elaborar y

en parte,

imita a la naturaleza…”

(Aristóteles)

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Gustav Vigeland nació en Mandal (Noruega) en 1869. Su pasión y su profesión fue la escultura. Su familia estaba integrada por artesanos y contables. Ya desde joven demostró grandes dotes para el arte, especialmente en la talla de madera, en sus primeros años de escuela. Sus estudios de arte los inició en el taller del escultor Floed, pero debido a la muerte de su padre se vio obligado a abandonarlos súbitamente. Con 17 recién cumplidos volvió al hogar de su madre, donde se encargó incluso de la manutención de su familia. Sus inquietudes culturales eran variadas, porque además de la escultura, la literatura y la pintura eran otras de sus pasiones. Su lectura favorita fueron los clásicos.

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Comenzó a dibujar esbozos, pequeñas gotas de su juventud y de su estado innato de creatividad, y al volver a Oslo intentó mostrarlos aunque su timidez se lo impidió. Trabajó como escultor de madera para ganarse un sueldo, que de hecho era ridículo. Aún así fue una persona que se adaptó a las circunstancias. Supo ir tirando con su pequeño sueldo, aunque nunca negó haber pasado momentos de hambre y miseria. Con el tiempo consiguió el valor de enseñar sus dibujos y lo hizo al escultor Bergslien, quien se entusiasmó con ellos y provocó que se los enseñara a Lorenz Dietrichson, un profesor de historia del arte que convino que ese joven era un genio en ciernes. El propio Bergslien le dio autorización para trabajar en su taller.

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Y con sólo 20 años expuso su primera obra en la Exposición Nacional de escultores. La obra era ‘Agar e Ismael’. Gracias a esa primera exposición recibió una beca del estado y se trasladó a Copenhague para trabajar junto al famoso profesor y escultor danés Christian Visen. Más de un año trabajó allí hasta que recibió una nueva beca y se trasladó a París donde descubriría a Rodin y se quedaría prendado por su obra. Fue a visitarle a su taller y se dejó influenciar por la potencia de su arte. Cuando volvió a su país ya corría el año 1893. Tardaría un año para exponer por fin su primera exposición, la cual despertó entre el público y los críticos diversos sentimientos.

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En 1895 se trasladó a Berlín y a Florencia.  En su paso por Italia entró en contacto con el arte antiguo y con el Renacimiento. Fue el germen en su obra de temas que dominaron el mayor tiempo de su producción artística: como la muerte, el hombre y la mujer o la vida cotidiana. Pero también fueron tiempos donde volvió a acumular miseria, una vez que ya había regresado a Noruega. Y para combatirla se unió al grupo de trabajo de restauración de la catedral de Trondheim, donde esculpió varias excelentes estatuas.

Trondheim: Nidaros Cathedral

Pero su pasión no estaba ahí. Encontró muchas limitaciones artísticas y su rumbo y su arte andaban por otro lado. Abandonó el lugar para instalarse en un mísero taller en Hammersborg donde según él mismo padeció la dureza del invierno nórdico. Pero fue en ese época cuando creó quizá sus obras más bellas:’ Nordraak’, ‘Beethoven’, ‘Wergeland’ o ‘Abel’, entre otras. De regreso a Oslo vivió el período de la gran efervescencia nacionalista noruega y que culminó con la independencia de Suecia en 1905.

fuente blog

El país deseaba entonces celebrar su propia historia y su propia cultura. Para entonces, ya estaba considerado como el escultor noruego con más talento y recibió muchos encargos de estatuas y bustos conmemorativos de ilustres compatriotas, como por ejemplo Henrik Ibsen o Henrik Abel. Para 1906, presentó un modelo de yeso de una fuente monumental, que debía adornar la plaza frente al Parlamento Nacional. Su obra fue bien acogida pero hubo discrepancias con el lugar donde ubicarla. Esa espera la aprovechó para incrementar la propuesta con varios grupos escultóricos y una alta columna de granito. Su fama se consolidó en su obra realizada en el Parque Vigeland, un área interior del Parque Frognerparken de Oslo (Noruega). Ahí se encuentran más de 200 obras suyas.

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En 1921, el consistorio de Oslo decidió demolir el viejo edificio donde se encontraba el estudio de Vigeland para construir una biblioteca. Para ello se llegó a un acuerdo: el consistorio se comprometía a construir un nuevo edificio destinado al estudio y a la vivienda del artista, para ser transformado en museo tras su muerte y, a cambio, el artista se comprometía a donar a la ciudad todo su trabajo, sus esculturas, sus diseños, etc… La ubicación finalmente de su estudio sería Kirkeveien y estuvo activo desde 1924. A partir de esa fecha el escultor se dedicó al proyecto, realización e instalación del área destinada a la exposición permanente de sus esculturas y que tomaría en el futuro el nombre de Parque Vigeland. En esa casa y en ese estudio vivió y trabajó hasta 1943, fecha en que murió. Y allí reposan sus cenizas, conservadas en la torre. Y tal como había sido dispuesto se convirtió en el Museo Vigeland.

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